Доменикос Теотокопулос родился на Крите и стал известен как Эль Греко ("грек") в Испании, где он утвердил свою репутацию художника с оригинальным и самобытным стилем. На Крите он обучался византийской традиции иконописи. Затем переехал в Венецию, где разработал более свободную обработку краски, вдохновленную Тицианом и Тинторетто. Он также провел несколько лет в Риме, прежде чем уехать в Испанию. Эль Греко поселился в культурном центре Толедо и создал множество картин, начиная от алтарей и заканчивая портретами. Половинная фигура Христа, смотрящая прямо на нас с поднятой в благословении правой рукой, является традиционной формой композиции. Несмотря на позднюю работу, этот холст напоминает византийскую иконопись молодости Эль Греко. Художник включает хрустальную сферу или глобус, олицетворяющий мир; чаще такие картины содержат книгу Священных Писаний. Его плавный мазок и широкое использование белого превосходно передают идею божественного света. Картина, возможно, стала частью популярной в Испании серии, изображающей Христа и двенадцать апостолов.

Эль Греко (англ. Domenikos Theotokopoulos). Христос благословляющий (Спаситель Мира). 1600

Эта недавно обнаруженая картина когда-то входила в состав знаменитых коллекций семьи Фарнезе и, вероятно, была написана в самом конце карьеры художника, когда он работал у герцога Рануччо Фарнезе в Парме (1600-1602). Женщина слева, держащая сноп пшеницы и гроздь винограда, представляет достаток или изобилие. Из двух подготовительных рисунков мы знаем, что фигура справа была предназначена для того, чтобы держать крылатого скипетра или кадуцея, эмблему Мира. Сама картина не совсем закончена – возможно, прервана внезапной смертью Агостино – и видна только нижняя ручка кадуцея. На заднем плане видно, как армия отступает в укрепленную цитадель. Основная идея аллегории связана с преимуществами, которые можно получить от мирного правительства.

Агостино Карраччи (итал. Agostino Carracci). Аллегория Изобилия и Мира. 1601 - 1602

Доменико Дзампьери, прозванный современниками Доменикино, родился в семье сапожника на севере Италии в Болонье. Он начинал с гуманитарных наук, но вскоре больше заинтересовался искусством, чем риторикой или грамматикой. Его биограф Мальвазия (Malvasia) сообщает, что мальчик постоянно красил стены и наблюдал за художниками, пока его отец не разрешил ему брать уроки живописи. Денис Кальварт становится его учителем, а Гвидо Рени и Франческо Альбани – его одноклассниками. Первые самостоятельные работы принесли успех и материальное благополучие. В Риме он украсил фресками ораторию св. Андрея в церкви Сан Грегорио и собор Сант Андреа делла Валле. Это были лучшие работы мастера. Его картина "Поклонение пастухов" рассказывает, как группа очарованных пастухов, призванная ангелом, собралась вокруг, чтобы полюбоваться новорожденным младенцем Иисусом. Ребенок окружён божественным светом, который омывает сцену тёплым сиянием. Один ранний источник описал эту картину как копию утраченной работы мастера Доменикино, Аннибале Карраччи. На самом деле, композиция принадлежит Доменикино, хотя на неё сильно повлиял Карраччи. В то время, когда эта картина была сделана, Доменикино всё ещё часто посещал мастерскую Карраччи в Риме.

Доменико Дзампьери по прозвищу Доменикино (итал. Domenico Zampieri). Поклонение пастухов. 1607 - 1610

Гверчино был очень оригинальным и лирическим художником и рисовальщиком. Он родился с именем Джованни Франческо Барбьери в Ченто под Болонью (его прозвище "Гверчино" означает "косоглазый"). Он был в основном самоучкой, но находился под сильным влиянием смелой живописи фигур семьи Карраччи и драматического кьяроскуро (свет и тень) Караваджо. Гверчино в основном работал в Ченто, ненадолго посещал Рим (1621-1623) и писал широкий круг сюжетов, делая множество изысканных рисунков красным мелом и чернилами. Он преуспел в смелом ракурсе. После смерти своего главного конкурента Гвидо Рени в 1642 году он перенес свою мастерскую в Болонью. Изображённая по пояс сидящая Богородица, спящий Младенец Христос и Иоанн Креститель представлены в драматическом крупном плане. Они не идеализированы и моделируются в сильно контрастирующем свете и тени. Интенсивная окраска и смелый ракурс, особенно на руке Богородицы, указывают на надпись на свитке баптиста "Ecce Agnus Dei" ("Вот Агнец Божий"), характерные для раннего стиля Гверчино. Поза Христа, спящая на белой ткани, сознательно намекает на более поздние события, когда его мать поддерживает его мертвое тело, как это изображено в сценах, известных как пиета или плач по мертвому Христу.

Джованни Франческо Барбьери по прозвищу Гверчино (итал. Giovanni Francesco Barbieri, Guercino). Богоматерь с младенцем и дитём Иоанном Крестителем. 1615 - 1616

Прокаччини зарекомендовал себя как ведущий художник в Милане, сначала обучаясь и работая скульптором. Он родился в Болонье, но в детстве переехал в Милан со своей семьей. Его отец и старшие братья тоже были художниками. Для драматических религиозных картиных Джулио характерны смелый ракурс и многочисленные фигуры. Их прочные формы относятся к его опыту скульптурных проектов. На него также оказал влияние Рубенс, с которым он познакомился во время работы в Генуе, и эффект этого знакомства очевиден в его более поздней работе для суда Савойи в Турине. В работе "Воздвижение Креста" впечатляющая диагональ измученного тела Христа на кресте обеспечивает мощный фокус для эмоционально заряженной и физически энергичной композиции. Театральное освещение усиливает боль и силу сцены, освещая, например, раны Христа и лицо Марии, поражённое горем. Вспышки яркого цвета: глубокие синие, красные и зеленые оттенки усиливают его воздействие. Эта работа, возможно, была выполнена как одна из нескольких сцен из Страстей Христовых, созданных Прокаччини между 1615 и 1620 годами. Однако их предполагаемое местоположение и возможный заказчик неизвестны.

Джулио Чезаре Прокаччини (итал. Giulio Cesare Procaccini). Воздвижение Креста. 1615 - 1620

Ван Дейк, пожалуй, наиболее известен своими великолепными и элегантными портретами, которые он писал о британской аристократии, когда был придворным художником короля Карла I. Он учился в Антверпене и работал в студии Рубенса в качестве ассистента. Его выдающиеся таланты были признаны и поощрены Рубенсом, который назвал его своим "лучшим учеником". Ван Дейк разработал свой роскошный портретный стиль во время, проведенное в Италии, а также написал впечатляющие религиозные, аллегорические и мифические произведения. Вернувшись в Антверпен на несколько лет, Ван Дейк переехал в Лондон в 1632 году, приняв приглашение короля работать у него, и оставался там до конца своей короткой, но блестящей карьеры. Будучи молодым художником, Ван Дейк провел шесть лет в Италии, с 1621 по 1627 год. Он останавливался в богатом порту Генуи, где писал роскошные портреты местной знати. Трактовка этого сюжета необычна, потому что святого Себастьяна обычно изображают пронзённым стрелами. Согласно легенде, он был членом гвардии римского императора Диоклетиана и был приговорён к смерти за то, что принял христианство. Здесь Ван Дейк изобразил не само мученичество, а момент до того, когда святой готовился к своему ужасному концу. Художник нарисовал несколько версий этого сюжета около 1620-21. В представленной версии атлетически сложенный юноша выделяется среди других фигур, его небесный взгляд подчеркивается драматичной красной драпировкой. Картина недавно была законсервирована.

Антонис Ван Дейк (нидерл. Anthony van Dyck). Святой Себастьян на пути к мученичеству. 1620-1621

Это самый грандиозный и амбициозный портрет Ван Дейка того времени, написанный для семьи Ломеллини. Джакомо Ломеллини был дожом Генуи (главой правительства города) с 1625 по 27 гг. Он не появляется здесь, потому что портреты дожа в офисе были запрещены, чтобы помешать личной рекламе. Двое старших сыновей Джакомо стоят рядом с его второй женой и двумя детьми. Это великолепный образ семейной гордости и престижа, предвосхищающий портреты королевской семьи Ван Дейка для Карла I.

Антонис Ван Дейк (нидерл. Anthony van Dyck). Семья Ломеллини. 1625-1627

Джованни Серодине принадлежал к семье художников из Асконы, откуда его отец, каменщик Кристофоро Серодине, переехал в Рим. Строгие композиции Джованни непосредственно восходят к Караваджо и сильно отличаются от грубого веризма его северных последователей. Пронизывающий свет выявляет палитру художника, в которой преобладают коричневые и красноватые тона, напоминающие Рубенса. По формальным качествам картины Серодине близки также работам Фетти и Строцци, что, впрочем, отрицает Р. Лонги. Серодине завоевал популярность как мастер "полу-фигур". В его произведениях проявляется сходство с ранними работами Рибера.Возвышенное и одинокое искусство Серодине не нашло последователей. С этой точки зрения оно сопоставимо лишь с искусством Танцио да Варалло, отличным по стилю, но близким по своей духовности.  На картине "Дань деньгами" изображена сцена, когда Фарисеи пытались обмануть Христа, чтобы он осудил Рим, спросив его, является ли этично платить дань (налог) Цезарю. Увидев, что их монета с рельефом головы Цезаря и поняв их злой план, Христос ответил: "Итак, отдай Цезарю вещи, которые принадлежат Цезарю; а Богу то, что принадлежит Богу". Здесь рука Христа указывает ​​на небеса, направляя интриганов на праведный путь. Тесная группировка фигур и отсутствие идеализации типичны для работы Серодина. На этой картине, выполненной по заказу Асдрубале Маттеи в 1625 году, есть кулон с изображением Святых Петра и Павла (Национальная галерея искусств, Рим).

Джованни Серодине (итал. Giovanni Serodine). Дань деньгами. 1620 - 1630

Известность Халса основывается на его ярких и оживленных портретах, хотя он также писал некоторые религиозные произведения и жанровые сцены. Художник работал почти всегда в Харлеме, где развил замечательную беглость в живописи и достиг ощущения непосредственности и спонтанности благодаря своему анимированному письму. Это неизменно сочеталось с анимационными композициями, особенно в групповых портретах членов гражданской охраны и городских регентов. Он прожил долгую и продуктивную жизнь и сегодня особенно известен своими сериями крупномасштабных групповых портретов, выполненных для его родного Харлема. Работой Халса восхищались такие художники, как Мане и импрессионисты в девятнадцатом веке. Этот портрет взъерошенного мужчины с большими усами и челюстной костью поражает воображение. Он также показывает замечательную способность Халса ярко передать внешность и характер. Моделью, вероятно, является Питер Вердонк, видный член наиболее пуританской группы меннонитов в Харлеме, который был агрессивным и спорящим. Его словесные нападения считались такими же сильными, как удары, которые библейский персонаж Самсон наносил челюстной костью; на самом деле, современная гравюра на портрете включала надпись "Вердонк, откровенный парень, чья челюсть нападает на всех". Вердонк был преобразован в девятнадцатом веке с беретом и рюмкой, но эти дополнения были удалены в 1928 году.

 Франс Халс (нидерл. Frans Hals). Питер Вердонк (Pieter Verdonck). 1627

Вдохновленный классическими идеалами античного искусства и работ Рафаэля Пуссен стремился достичь чистого и благородного стиля живописи. Он родился в Нормандии, он учился в Париже, прежде чем приехать в Рим в 1624 году. Помимо краткого возвращения в Париж (1640-42) он оставался в Риме. Никола не нанимал помощников и предпочитал рисовать для частных меценатов, итальянцев и французов, которые разделяли его научные и художественные интересы. Работы художника оказали глубокое влияние на французскую академическую живопись. Формальная структура и строгость его композиций, однако, продолжали вдохновлять современных художников. В работе " Мистический брак святой Екатерины" фигуры расположены по всей картине, как в классическом скульптурном фризе. Их пространная фундаментальность и богато окрашенные одежды отражают влияние Рафаэля и Тициана на ранние работы Пуссена в Риме. Святая Екатерина Александрийская получает кольцо, символизирующее её духовный брак со Христом. Она была крещена христианкой (предположительно в четвертом веке) и отказалась выйти замуж за римского императора. Его пытали на колесе (в честь которого назван фейерверк "Колесо Екатерины"), но оно чудесным образом сломалось. Затем её  обезглавили. Пальмовая ветвь и меч символизируют её мученичество. Необычно то, что картина написана на пяти дубовых панелях, а не на холсте.

 Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Мистический брак святой Екатерины. 1628 - 1629

Андреа Сакки, также известный как Андреа Уче, Андреа Сакки, Андреа Сакко, Андрес Сако, Андреа Соухи, был итальянским художником барочного классицизма. Сначала Сакки был сыном учился у своего отца  Бенедетто Сакки, а затем стал учеником  Франческо Альбани в Болонье. В 1621 году Андреа вернулся в Рим, где жил до самой смерти. Он изучал Рафаэля, Полидоро да Караваджо, Алессандро Альгарди, Франсуа Дукесного и древних художников, на которых его будущая работа оказала глубокое влияние. Он жил примерно в то же время, что и Пьетро да Кортона и Джан Лоренцо Бернини, чью школу не очень любил. Андреа придерживался мнения, что историческая живопись должна иметь меньше фигур, чтобы сохранить простоту и ясность классического искусства. Школа Кортоны, с другой стороны, состояла из "просто украшения быстрой живописи", как пишет Джейкоб Буркхардт в своем Цицероне в 1855 году. Кортона яростно отверг это обвинение в созданной им Академии живописцев, скульпторов и архитекторов "Академия Сан-Лука", подчеркнув свою убежденность в том, что картины высокой сложности и множества деталей более  превосходны. Мнение Сакки было поддержано его друзьями, скульптором Алессандро Альгарди и художником Николя Пуссеном. Так  называемый академический стиль Сакки занял лидирующую позицию в мире искусства к концу 17-го века – в значительной степени при поддержке ученика Сакки Карло Маратти. Сакки работал с 1636-1649 гг. над заказом  кардинала Анджело Джиори, для которого он написал цикл из восьми картин, изображающих сцены из жизни Иоанна Крестителя. Для кардинала Барберини Андреа работал над алтарными фигурами в церкви Святой Марии делла Консезионе в Риме. Сакки был также активным архитектором и спроектировал 1637-1639 гг., например, часовню Святой Екатерины в Сиене, имел глубокие знания как художник и дизайнер. Его картина повествует о том, как святого Антония чудесным образом перевезли из Падуи в северной Италии в Лиссабон в Португалии, где его отца ложно обвинили в убийстве юноши. Святой выкопал из земли мёртвое тело, воскресил юного человека и велел ему доказать невиновность отца. Это уменьшенная копия алтарного образа, написанного в 1633-1634 годах для часовни в недавно построенной церкви капуцинов Санта Мария делла Консезионе в Риме.

 Андреа Сакки (итал. Andrea Sacchi). Святой Антоний Падуанский воскрешает мертвеца. 1635

Испанский художник, представитель севильской школы живописи, Франси́ско де Сурбара́н родился в городке Фуэнте-де-Кантос (провинция Эстремадура). Учился в Севилье, в школе Хуана де Роэласа. В 1617-1618 годах Сурбаран жил и работал в небольшом городке Эстремадуры – Льеренне, затем вернулся в Севилью и до 1633 года непрерывно жил там. В 1634 году художник совершил путешествие в Мадрид, где получил титул придворного живописца. В Мадриде, во время работы над украшением недавно построенного дворца Буэн-Ретиро, мастер отошёл от религиозной тематики – им был написан цикл из десяти полотен, изображающих подвиги Геркулеса (ныне в музее Прадо), а также историко-монументальное полотно "Оборона Кадиса". Изучение работ великих итальянских живописцев и общение с другими видными мастерами, работавшими в столице, обогатило творчество художника. После возвращения в Севилью он написал прекрасную серию картин для монастыря в Хересе – наиболее известны "Благовещение", "Рождество" и "Поклонение волхвов". Главный вклад Сурбарана в искусство барокко – необыкновенный сплав мистического и реального, будь то религиозная живопись, портрет или натюрморт. Фигуры изображённых им персонажей тщательно моделированы как трехмерные объемные статуи. В его картинах на религиозные сюжеты нашли отражение тишина, уединенность и созерцательная отрешенность испанских монастырей XVII века. Для полотен Сурбарана характерны аскетическая простота образов, строгая упорядоченность и оригинальность композиций, смелое использование глубоких темных тонов. В основе многих его работ лежат искусно переработанные сюжеты фламандских гравюр. В картине "Непорочное зачатие Богородицы" речь идёт не о зачатии Христа, а о чудесном зачатии Девы в утробе её матери Анны. Эта тема была очень популярной в Испании в тот период и для неё были разработаны сложные образы, взятые из библейской Книги Откровения. Включение в образ родителей Девы, Иоакима и Анны, необычно. Этот алтарь, возможно, был написан для картезианского монастыря в Херес-де-ла-Фронтера, недалеко от Кадиса.

Франсиско де Сурбаран (исп. Francisco de Zurbarán). Непорочное зачатие Девы Марии и святые Анна с Иоакимом. 1635 - 1640

Гверчино был очень оригинальным и лирическим художником и рисовальщиком. Он родился под именем Джованни Франческо Барбьери в Ченто, недалеко от Болоньи (его прозвище "Гверчино" означает "косоглазый"). Художник был в основном самоучкой, но находился под сильным влиянием смелой живописи Карраччи и драматического распределения свтотени Караваджо. Гверчино в основном работал в Ченто, ненадолго посещал Рим (1621-3) и писал широкий круг сюжетов, делая множество изысканных рисунков красным мелом и чернилами. Он преуспел в смелом ракурсе. После смерти своего главного конкурента Гвидо Рени в 1642 году он перенес свою мастерскую в Болонью

Гверчино (Джованни Франческо Барбьери); итал. Guercino (Giovanni Francesco Barbieri). Святой Пётр кающийся. 1639

Интерьер галереи

Рени был, вероятно, одним из самых успешных и востребованных итальянских художников своего времени, хотя и славился своим трудным и темпераментным характером. Его картины сочетают элегантные и изящные фигуры с натуралистическими деталями и фактурами. Он родился в Болонье и обучался сначала у фламандского художника Дени Кальваэрта, а затем у Карраччи. Рени переехал в Рим в 1601 году, где создал себе репутацию с помощью различных заказов, включая фрески, алтари и станковые картины. По возвращении в Болонью в 1614 году он продолжал работать на выдающихся итальянских и иностранных покровителей. Сюжет картины с фараоном не определён, но кажется, что речь идёт о младенце Моисее, держащем корону властелина как раз перед тем, как растоптать её. Это действие символизирует его неприятие правления фараона над изгнанными израильтянами. Бледная пастельная окраска и плавная, отрывочная, кажущаяся незаконченной, техника – общие черты поздних работ Рени. Возможно, он намеревался дать некоторые детали, такие как вытянутая нога молодого Моисея, больше отделки, но это ни в коем случае не обязательно. Видимая земля бледного коричневого цвета помогает определить тени и полутона. Картина была, вероятно, среди тех, которые остались в мастерской художника, когда он умер.

 Гвидо Рени (итал. Guido Reni). Младенец Моисей с короной фараона. 1640

Пьетро Новелли (итал. Pietro Novelli) был итальянским художником периода барокко, работавшим в основном в Палермо. Родился в Монреале в семье художника Пьетро Антонио Новелли, ставшего его учителем и наставником. В 1618 году вместе с отцом и учеником Вито Каррера переехал в Палермо. Свою первую картину под названием "Св. Антоний Аббат" он написал в 1626 году для церкви Святого Антония. Стилем исполнения он во многом обязан Энтони ван Дейку, который посетил Сицилию в 1624 году и занимался росписью алтаря в одной из церквей Палермо. Также заметное влияние на Новелли оказали последователи Караваджо, в частности, Хосе де Рибера, работавший в основном в Неаполе. В своем родном городе Монреале Новелли занимался росписью св. Зиты, а также писал "Брак в Кане" для трапезной бенедиктинского монастыря. Пьетро Новелли умер в Палермо, передав мастерство ученику Франческо Маджотто. Насильственная тема "Каин, убивающий Авеля" стала популярной в начале семнадцатого века, особенно среди последователей Караваджо, чье влияние заметно здесь в драматическом освещении и смелых ракурсах. Авторство этой картины широко обсуждается, но её тесная связь с картиной "Каин, спасающийся от мёртвого Авеля", ранее находившейся в коллекции Корсини во Флоренции, а теперь в "Национальной галерее искусств" в Риме, уже давно распознан. Эта картина была недавно убедительно приписана сицилийскому Пьетро Новелли.

 Пьетро Новелли (итал. Pietro Novelli). Каин, убивающий Авеля. Вторая четверть XVII века.

Рембрандт, пожалуй, самый известный, влиятельный и изобретательный из всех голландских художников. В своих картинах маслом он представлял широкий спектр сюжетов, включая отдельные портреты, групповые портреты, автопортреты и библейские и мифологические сцены. Художник исследовал драматический потенциал света и тени не только с помощью картин, но и с помощью своей инновационной графики (гравюры) и плавного, изобретательного рисования. Рембрандт начал свою карьеру в своем родном Лейдене. После переезда в Амстердам он пользовался большим успехом, который продолжался на протяжении всей его долгой карьеры. К концу своей жизни он испытывал личные и финансовые трудности, но оставался уважаемым художником до своей смерти в 1669 году. В этом необычном автопортрете привлекает внимание пристальный взгляд Рембрандта. Влияние времени и опыта написаны на его лице, в котором он открыл для себя тонкую окраску и текстуру стареющей кожи с поразительной объективностью. Художник оставил более восьмидесяти картин, офортов и рисунков автопортретов, которые отражают его внешность на протяжении всей его карьеры и отражают что-то из его изменяющихся состояний. Они также подтверждают его замечательную творческую энергию даже в условиях личного кризиса. К тому времени, когда он написал эту работу, в 1655 году, Рембрандт переживал большие личные и финансовые трудности.

 Рембрандт Харменс ван Рейн (нидерл. Rembrandt Harmensz van Rijn). Self-portrait.1655

Бачиччо был опытным художником портретов, алтарей и фресок. В раннем подростковом возрасте он переехал из Генуи в Рим, где познакомился с известным скульптором и архитектором Джованни Лоренцо Бернини, который помог ему в дальнейшей карьере. Самым важным поручением Бачиччо в Риме была роспись потолка в церкви святого имени Иисуса (Иль-Джезу), главной церкви иезуитов. Это дало репутацию Бачиччо  выдающегося художника крупных декоративных схем. Его многочисленные портреты, которые, как говорят, включают семь пап, показывают, что он одинаково талантлив в создании неотразимых исследований характера. Драматическое освещение и темный фон способствуют мощному влиянию портрета. Портрет Джованни Лоренцо Бернини был сделан примерно в 1675 году, когда Бернини было за семьдесят и в нем запечатлён выдающийся облик блестящего и сложного скульптора и архитектора. Бачиччо, который, по словам его биографа, поощрял своих натурщиков двигаться и говорить, пока он их рисовал, ловко уловил настороженность старшего художника и оживленный жест его руки, появляющийся из складок его плаща. Эта картина стала образцом гравированного фронтисписа для биографии Балниуччи о Бернини и официального портрета Бернини в Римской академии Святого Луки.

Джованни Баттиста Гаулли, по прозвщу Бачиччио (итал. Giovanni Battista Gaulli / Il Baciccio). Портрет Джованни Лоренцо Бернини (1598 - 1680). 1675

Выставочный зал

Эта стена выставочного зала украшена портретами работы нидерландских художников Саломона де Брая и его сына Яна. В центре портрет близнецов Клары и Альберты Брай. Близнецы были детьми племянника художника, адвоката Саймона де Брая. Картина, вероятно, была написана, чтобы отпраздновать крещение детей. Медальоны, которые они оба носили, традиционно давались крестными родителями. Колыбель в форме раковины в стиле барокко также может быть символом крещения. Портреты живых младенцев (вопреки портретам на смертном одре) были весьма необычны в голландской живописи XVII века. Слева портрет неопознанного мужчины, одетого в обмундирование темного цвета, типичного для голландского бюргера, оживлён его румяным цветом лица и ярко-белым воротником. Его возраст, сорок семь лет, записан на картине, которая также подписана и датирована 1662 годом. Справа женщина – единственная дама в группе де Брая из четырех портретов голландской семьи в Шотландской национальной галерее. Надпись в левом нижнем углу панели гласит, что ей сорок семь лет, и что портрет был написан в 1663 году. Её круглые черты воодушвлены, а её глаза обладают жизненной силой, свидетельствующей о мастерстве де Брая как портретиста. Чепчик на голове почтенной дамы указывает на положение замужней женщины. Рядом с женским портретом  изображен младший сын семейной группы. Очень слабая надпись гласит, что ему семь лет, и что де Брай написал его в 1663 году. Это был тот же год, когда был сделан портрет его матери. Под мужским портретом мы видим мальчика, который являлся старшим сыном мужчины и женщины. Сходства лица между ним и его отцом и младшим братом очевидны; у них одинаковые выпуклые глаза, тяжелый лоб и округлый подбородок. Надпись гласит, что он был написана в 1662 году, когда мальчику было одиннадцать лет. Все четыре портрета этой семейной группы изначально были написаны на прямоугольных панелях, а позже разрезаны на овалы. Не известно, были ли какие-либо другие члены этой семьи, которых нарисовал де Брай. Очень немногие группы отдельных семейных портретов, таких как этот, сохранились до наших дней.

Саломон де Брай нидерл. Salomon de Bray) и Ян де Брай (нидерл. Jan de Bray)

Близнецы Клара и Альберт Брай. 1646; Портрет мужчины, Портрет мальчика, Женский портрет. 1663

Кальваерт переехал из Антверпена в Болонью, где его маленькие красочные религиозные картины на меди стали особенно популярными. Возможно, он ввел этот тип живописи в город, который стал его домом примерно с 1560 года. Он сосредоточился на религиозных темах, создавая большие алтари в дополнение к небольшим подробным и весьма законченным работам. Кальваерт оказал сильное влияние на молодое поколение болонских художников, таких как Гвидо Рени и Доменикино, через свои собственные картины и основанную им академию. В этой работе Святое Семейство отдыхает во время Бегства в Египет, в то время как ангелы дают освежающие фрукты и родниковую воду. Младенец Христос благословляет младенца Иоанна Крестителя, чей тростниковый крест перекликается с деревянным крестом, появляющимся в чудесном видении выше. Путти выходит из отверстия в облаках над горным ландшафтом, держа в руках инструменты Страстей Христовых: крест и гвозди и колонну, на которой его бьют. Гладкий медный лист, на котором написано это произведение, обеспечил идеальную поверхность для плавного стиля Кальваерта, усиливая светящиеся цвета и отделку, напоминающую драгоценные камни.

 Денис Калверт (итал. Denys Calvaert). Святое Семейство с младенцем Иоанном Крестителем на пейзаже. 1590 - 1600

Франческо Ванни (1563-1610) был ведущим художником в своей родной Сиене около 1600 года, а также гравером и издателем. После обучения у своего отчима Арканджело Салимбени, Ванни отправился в Болонью, где, возможно, был учеником Бартоломео Пассаротти. Затем он переехал в Рим, но к 1590-м годам вернулся в Сиену, работая в церквях и братствах. Ванни вернулся в Рим, оставаясь примерно с 1600 по 1604 годы, где у него было много заказов, в том числе от Папы Климента VIII для монументального алтаря базилики Святого Петра. Святая Екатерина Сиенская, одетая на доминиканский манер и держащая лилию, получает терновый венец от Младенца Хроста, в то время как святая Сесилия, покровительница музыки, сгибает поблизости свою переносную оргину. Палитра светлых тонов и мягкая фокусировка в этой маленькой картине отражают его восхищение работой Федерико Бароччи (около 1533 - 1612).

Франческо Ванни (итал. Francesco Vanni). Мадонна с младенцем и святой Екатериной из Сиены и святой Сесилии. 1600

Эльсхаймер специализировался на подробных, ярко окрашенных картинах на меди. Он соединил фигуры и ландшафтные перспективы с точностью и деликатностью, уделяя особое внимание воздействию света. Его работы вызывали большое восхищение и оказали огромное влияние на многих художников в Риме, особенно из Северной Европы, включая Рубенса и Клода. Эльсхаймер родился и учился на художника во Франкфурте. Он отправился в Венецию и пробыл там два года, прежде чем окончательно перебраться в Рим. Картины Тинторетто в Венеции оказали длительное влияние на его собственную короткую карьеру. Знания о его композициях распространяются через тираж сделанных с них оттисков. Святой Стефан был первым христианским мучеником и пережил видение открытого неба, когда его забивали камнями до смерти. Он разозлил власти в Иерусалиме своей ревностной проповедью и был обвинен в богохульстве. Святой Стефан носил одежды дьякона, так как был одним из первых семи дьяконов, назначенных апостолами. Луч интенсивного света сияет на коленях святого, и ангелы падают к нему, неся пальмовые ветви мученичества и лавровую корону. Фламандский художник-пейзажист Поль Бриль, живший в Риме, возможно, владел этой картиной.

Адам Эльсхаймер (нем. Adam Elsheimer). Побитие камнями святого Стефана. 1603 - 1604

Прокаччини зарекомендовал себя как ведущий художник в Милане, сначала обучаясь и работая скульптором. Он родился в Болонье, но переехал в Милан, будучи ребёнком, со своей семьей. Его отец и старшие братья тоже были художниками. Драматические религиозные картины Прокаччини включают смелый ракурс и многочисленные фигуры. Их крепкие формы относятся к опыту его скульптурных проектов. На художника также оказал влияние Рубенс, с которым он познакомился во время работы в Генуе, и эффект этого очевиден в его более поздней работе для двора Савойи в Турине. Задуманная как интимное небесное видение, эта картина была бы создана для личного богослужкния. На стиль её написания, сочетающий короткие, текстурированные мазки и жидкие, почти прозрачные глазури, сильно повлиял великий пармезанский художник шестнадцатого века Пармиджанино (к которому он был ошибочно приписан в девятнадцатом веке). Прокаччини был одним из самых плодовитых и успешных ломбардских художников начала семнадцатого века. Эта картина записана в коллекции короля Карла I и почти наверняка была первой работой художника, попавшей в Великобританию.

Джулио Чезаре Прокаччини (итал. Giulio Cesare Procaccini). Мадонна с Младенцем, ребёнком Иоанном и сопровождающими ангелами. 1610

Картина "Контенто" иллюстрирует эпизод в испанском романтическом романе "Guzman de Alfarache", опубликованном Матео Алеманом в Мадриде в 1599 году и изданном в итальянской версии в 1606 году. В этой истории люди на Земле поклонялись богу Контенто (богу удовольствия и счастья) больше, чем любому другому. Завидуя этому, Юпитер послал Меркурия похитить Контенто и заменить его своим братом-близнецом Дисконтенто. Эльсхаймер был первым художником, когда-либо описавшим эту историю, но он отошёл от романа, превратив Контенто в богиню женского пола. Слева Юпитер парит в воздухе, направляя Меркурия, который виден в своей отличительной крылатой шляпе и выставляющий Контенто над преданной толпой. На заднем плане люди наслаждаются различными видами спорта и играми, не подозревая о своем неизбежном "недовольстве".

Адам Эльсхаймер (нем. Adam Elsheimer). Контенто. 1606 - 1610

Аверкамп был одним из первых голландских художников, специализирующихся на живописи зимних сцен. Его картинами восхищались и требовали высоких цен при жизни. Аверкамп родился глухонемым и, возможно, жил из-за этого отшельником. Он учился в Амстердаме у Питера Исаакса, известного историка и художника-портретиста, а затем вернулся в Кампен, тихий город-крепость на Цуйдер-Зее, где его отец был фармацевтом. Город или некоторые из его выдающихся зданий часто изображаются на фоне композиций Аверкампа. Эта многолюдная зимняя сцена представляет часть голландского общества, наслаждающегося широким спектром зимних видов спорта, на замерзших водных путях. Фигуры на переднем плане с длинными палками играют в "кольф", раннюю форму гольфа. Город-крепость на заднем плане ранее считался родным городом художника, Кампеном, но это воображаемое место. Слева от мельницы находится гостиница, обозначенная знаком с белым полумесяцем. Яркие фигуры выделяются на фоне сдержанных, тонких оттенков пейзажа.

Хендрик Аверкамп (нидерл. Hendrick Avercamp). Зимний пейзаж. 1610 - 1620

В картине этого сюжета необычно включение ярко выраженной красной мантии Марии Магдалины. Этот масляный эскиз был написан при подготовке к большому холсту Прокаччини, который сейчас находится в ризнице францисканской церкви Сант-Анджело в Милане. Первоначально образ мёртвого Христа занимал люнет над проходом, соединяющим две обители, прилегающие к церкви. Большое количество ангелов можно объяснить первоначальным посвящением церкви Санта-Мария-дельи-Анджели.

Джулио Чезаре Прокаччини (итал. Giulio Cesare Procaccini). Мертвый Христос с оплакивающими ангелами. 1616 - 1620

Живые мазки и убедительная бодрость лица этого пожилого человека позволяют предположить, что эта глубокая задумчивость перенесена на портрет непосредственно из жизни. Мы видим почти законченный портрет, но это подготовительный эскиз головы святого Амвросия для большого алтаря. Рубенс часто делал подробные эскизы отдельных фигур для больших композиций, в дополнение к наброскам всего дизайна. Они могут быть использованы мастером или скопированы помощниками, работающими над окончательной версией картины. Предметом алтаря является святой Амвросий, отказывающий императору Феодосию войти в Миланскую церковь (Художественно-исторический музей, Вена).

Питер Пауль Рубенс (нидерл. Piter Paul Rubens). Голова Св. Амвросия. 1616 - 1617

Красивый и интимный семейный портрет одного из величайших художников XVII века, Портрет дочери художника, Клары Серены, выполненный сэром Питером Паулем Рубенсом (1577-1640), был, вероятно, написан около 1623 года, незадолго до трагически ранней смерти натурщицы в возрасте 12 лет. Эта очаровательная картина, которая после очистки была единогласно признана работой Рубенса, никогда прежде не демонстрировалась в Великобритании.

Питер Пауль Рубенс (нидерл. Piter Paul Rubens). Портрет дочери художника Клары Серены. 1623

Христос стоит в реке Иордан и принимает крещение от Иоанна Крестителя, как об этом говорится во всех четырех Евангелиях. Над ними в сияющей славе предстает белый голубь, символ Святого Духа. Эта картина является одной из последних работ Ластмана и, скорее всего, упоминается в его инвентаре 1632 года. Лестман провел пять лет в Италии, где он подружился с Адамом Эльсхаймером и Питером Паулем Рубенсом. Среди его учеников были Ян Ливенс и Рембрандт.

Питер Ластман (нидерл. Pieter Lastman). Крещение Христа. 1629

Гоффредо Валс родился в Кельне около 1595 года, но уже в 1610 году работал в Италии. Он посетил Неаполь, прежде чем учиться в Риме вместе с Агостино Тасси, одним из учителей великого пейзажиста Клода Лоррен. Считается, что Валс также учил Клода в Неаполе в 1620-х годах. Гоффредо Валс много путешествовал по Италии, но получил наибольшее признание в Неаполе, где его маленькие поэтические пейзажи были популярны. Валс в основном известен своими маленькими круговыми пейзажами на холсте или меди, которые мощно отражают влияние его соотечественника Адама Эльсхаймер. Считается, что он умер в результате землетрясения в Калабрии около 1638 года.Круглая композиция этой картины и запоминающийся итальянский пейзаж типичны для Валса, хотя для него он несколько необычен, он поставил две фигуры на переднем плане. Несмотря на то что фигурами предполагаются Христос и Иоанн Креститель, отсутствие какого-либо повествования делает эту идентификацию неопределенной. Фигурами могут быть апостолы или Христос и Святой Петр. Валс, казалось, отвергал повествование в большинстве своих картин, концентрируясь вместо этого на ландшафте и населяющих его зданиях, а также на воздействии света. На этой картине здание на дальнем берегу реки может быть написано по образу строения в квартале Тор-ди-Квинто на Тибре под Римом.

Гоффредо Валс (нем. Goffredo Wals). Пейзаж с Христом и Иоанном Крестителем. 1625 - 1638

Работа Геркулеса Сегерса полна загадок, его личные данные известны лишь отрывочно. Известно о семидесяти гравюрах, которые сохранились примерно в ста семидесяти копиях. Этот панорамный пейзаж изображает город Вагенинген на реке Рейн. Это одна из немногих картин Сегерса, который был новаторским мастером печати. Полоса дерева была добавлена к верхней части этой панели, значительно расширяя небо. Амстердамский торговец художественными произведениями Йоханнес де Рениальме, вероятно, сделал это дополнение примерно в 1640 году, чтобы соответствовать современной моде и сделать картину более продаваемой.

Геркулес Сегерс (нидерл. Hercules Segers). Вид Вагенингена. 1628 - 1630

Это одна из пяти картин Виллем ван Хахта (анг. Willem van Haecht.), изображающих художественную студию. Такие картины были представлены в конце семидесятого века антверпенским художником Франсом Франкеном, которому это полотно когда-то было ошибочно приписано, хотя коллекция, в общем, является воображаемой. Картины включают "Мистический брак святой Екатерины" Ван Дейка.

Виллем ван Хахта (анг. Willem van Haecht). Художественный кабинет с картиной Ван Дейка "Мистический брак святой Екатерины". 1630

Современник и друг Рембрандта, Ливенс обучался у исторического художника Питера Ластмана в Амстердаме с 1617 года. В конце 1620-х он был тесно связан с Рембрандтом, когда оба работали в Леёдене. Оба художника, еще молодые в то время, неплохо могли бы жить в студии, что оказало сильное взаимное влияние. Ливенс путешествовал по Англии и жил в Антверпене с 1635 по 1653 год, где на него повлияли работы Рубенса и Ван Дейка. Он вернулся в Голландию, живя в Гааге и в Амстердаме. К концу своей карьеры он работал главным образом как портретист, а также занимался общественными заказами по крупным историческим предметам.

Ян Ливенс (нидерл. Jan Lievens). Портрет молодого человека. 1631

Герард Доу специализировался на небольших, тщательно прорисованных сценах, поражающих своей точной детализацией и полированной отделкой. Он и его последователи были известны как Fijnschilders (живописцы). В Лейдене Доу тренировался в качестве стекольщика со своим отцом, что, возможно, способствовало его увлечению отражающими поверхностями, а затем стал успешным учеником Рембрандта. Его картины требовали высоких цен из-за известности художника, а также времени и навыков, необходимых каждому. Доу пользовался международной репутацией. Однако он отклонил приглашение короля Карла II в Лондон, предпочитая оставаться в Лейдене, где его студия привлекла множество студентов и выдающихся посетителей.

Герард Доу (нидерл. Gerrit Dou). Интерьер с молодым скрипачом 1637

Корнелис ван Поленбург родился в Утрехте, где учился у художника-маньериста Авраама Блумарта. Около 1617 года он отправился в Рим на работу и учебу, что должно было оказать длительное влияние на его искусство. Там он был одним из основателей общества голландских художников, работающих в Риме, которые называли себя "Шилдерсбент". Поленбург стал одним из ведущих северных художников итальянских пейзажей, часто включающих мифологические или классические темы и населенных маленькими ню. После его возвращения в Утрехт из Италии он стал одним из ведущих художников города. Его репутация принесла ему восхищение и покровительство короля Англии, на которого он работал с 1638-1641 гг. После этого времени он остался в Утрехте. Эта картина изображает историю из "Декамерона" Боккаччо. Кимон, красивый, но грубый и необразованный сын вельможи, наткнулся на девицу Ифегению и сразу же влюбился. Влияние любви превратило его в отточенного и опытного джентльмена, который  ухаживал и в конечном счёте женился на прекрасной Ифегении. Эта сцена показывает момент их встречи – справа появляется Кимон как охотник, в то время как Ифегения дремлет на открытом воздухе с попутчицей слева. Эта картина необычна в творчестве Поленбурга из-за большого размера фигур и необычайно чувственного отношения Ифегении.

Корнелис ван Поленбург (нидерл. Cornelis van Poelenburgh). Кимон и Ифигения. 1630 - 1640

Себастьян Бурдон родился в 1616 году в Монпелье в семье непрофессионального художника Марин Бурдон. Шесть или семь лет спустя, Себастьян был отправлен в Париж, чтобы остаться с дядей и избежать военную службу в Тридцатилетней войне. В Париже он был учеником художника по имени Бартелеми (вероятно, Жан Бартелеми) в течение семи лет, после чего недолгое время работал в Бордо. В 1634 году Бурдон прибыл в Рим, где оставался до 1637 года. на этот период приходится большинство натуралистических сцен, где на него повлияли жанровые картины последователей Питера ван Лаера, известного как "Бамбоччанти". По возвращении в Париж в 1637 году он продолжал рисовать в стиле "Бамбоччианти", но адаптировал свои работы к парижским вкусам, используя более яркие цвета, чем в Италии. Приблизительно двадцать из этих картин жанра выживают в течение лет после его возвращения в Париж, включая эту. Можно провести параллели с работами братьев Ле Нейна, которые действовали во Франции в первой половине XVII века и были хорошо известны своими сценами крестьянской жизни.

Себастьян Бурдон (фр. ébastien Bourdon). Интерьер гостиницы. 1640

Берхем был самым известным и универсальным из так называемых голландских итальянцев – художников, создававших пейзажи с отчетливо итальянским колоритом. Он родился в Харлеме и учился у своего отца, художника-натюрморта Питера Класа. Фамилия "Берхем" была им принята, когда он вошёл в мастерскую пейзажиста Яна ван Гойена. Художник принял за образец итальянский стиль северных пейзажистов, таких как Корнелис ван Поленбург. Неизвестно, действительно ли Берхем когда-либо посещал Италию или же он запечатлел теплый итальянский солнечный свет, любуясь работами других художников. Берхем сотрудничал с такими художниками, как Ян Баптист Веникс, Якоб ван Рюйсдаэль и Мейндерт Хоббема, добавляя образы к своим работам. В конечном итоге, поселившись в Амстердаме, он наслаждался плодотворной живописной карьерой. Эта картина типична для ранней работы Берхема, когда он всё ещё создавал сцены, которые напоминают местность вокруг его родного города Харлем. Охотники здесь готовятся ловить маленьких птиц, почти наверняка зябликов. Сети на переднем плане и расположенные за седлом всадника типичны для этого типа охоты, а дюны вдоль Северного моря, такие как за пределами Харлема, были оптимальными местами для ловли вьюрков.

 Николас Питерс Берхем (нидерл. Nicolaes Berchem). Стоянка с человеком на белом коне (Птичья ловушка). 1645 - 1646 гг.

Французский художник Антуан Ленен работал в тесном сотрудничестве вместе со своими братьями Луи и Матье. Все трое были в 1648 году членами Парижской академии. Они прославились, прежде всего, своими картинами о крестьянской жизни, а также библейскими мотивами и портретами. Антуан был одним из самых известных жанровых художников своего времени. Три брата никогда не женились и жили в одной студии, которая, по-видимому,изображена на этой картине. Антуан показан сидящим перед мольбертом. Матье стоит с палитрой в руке, а Луи – слева. Другой брат, Николас, сидит на полу, в то время как безрамный портрет их отца, Исаака, стоит на полу.

Антуан Ленен (фр. Antoine le Nain). Интерьер мастерской художника с членами семьи Ленен. 1645

Натурщик этой катрины был недавно идентифицирован как Франсуа Воутерс, советник, олдермен и мэр в Гарлеме. Халс изобразил его дважды на групповых портретах: в 1639 году в качестве лейтенанта у регентов больницы Св. Элизабет (обе картины находятся в музее Франса Хальса в Гарлеме). Подвесной портрет, выставленный рядом, представляет вторую жену Воутерс, Сюзанну Бейли.

 Франс Халс (нидерл. Frans Hals). Портрет Франсуа Воутерс (фр. François Wouters). 1645

На этом портрете изображена Сюзанна Бейли, вторая жена Франсуа Воутерса (фр. François Wouters), судьи, олдермена и мэра Харлема. Пара вступает в брак в 1645 году, и этот портрет, вероятно, должен был ознаменовать их брак.

Франс Халс (нидерл. Frans Hals).  Портрет Сюзанны Бейли. 1645

В работе "Таинство Крещения" Пуссен показывает Святого Иоанна, крестящего Христа на берегу реки Иордан. Включение руин в ландшафт было предназначено, чтобы показать античный мир и дать сцене подлинную обстановку. Тема Крещения Христа имела давнюю визуальную традицию, которую знал Пуссен. В соответствии с условием, все действия сосредоточены на образе Христа и Святого Иоанна, с голубем Святого Духа, нависающим над ним, к большому удивлению трёх мужчин справа. Крещение – это средство, с помощью которого человек вступает в христианскую веру, и это первое причастие, которое он получает. Через акт крещения христиане верят, что человек начинает свою духовную жизнь и усыновляется как дитё Божье.

 Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство Крещения. 1646

Пуссен изобразил библейский эпизод, в котором Мария Магдалина раскаивается в своих грехах и просит прощения, омывая ноги Христа. Считается, что она омыла его ноги своими слезами и вытерла их своими длинными волосами цвета соломы, прежде чем поцеловать их и помазать маслом. Сцена произошла на празднике в доме Симона и Фарисея, и Пуссен изобразил гостей, сидящих на римских кушетках (триклиния) вокруг огромного банкетного стола. Использование подлинной римской столовой позволило Пуссену построить симметричную композицию. Он даже уравновешивал фигуры Христа и Марии слева, а крайняя правая сцена показывала, как Симон традиционно моет ноги слуге. Эта картина является наиболее драматичной и сложной из семи таинств Пуссена.

 Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство покаяния.1647

Христос держит символические ключи от неба, прежде чем подарить их Петру, своему главному ученику, и "камне", на которой он построит церковь. Большая буква E на отдельно стоящей колонне может означать "Екклесия" (Церковь). Другие ученики признают этот важный момент своими разнообразными жестами и выражениями. Пуссен спланировал каждую деталь, чтобы обеспечить сбалансированную композицию, подходящую по настроению и аутентичную по обстановке. Он был первым художником, который нарисовал Семь Таинств или обряды христианской церкви как серию отдельных картин, которую он сделал дважды. Эта работа относится к его второму набору 1644-48, написанному для Пола Фреарта де Шантелу.

Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство Посвящения.1647

На этой картине показана Тайная вечеря, на которой Христос поведал своим двенадцати учениками, что "один из вас предаст меня". Во время еды Христос благословил хлеб и вино и сказал своим ученикам, что они символизируют его тело и кровь (Евхаристия). Он попросил их съесть, чтобы помнить его, ритуал, который до сих пор исполняют христиане, принимающие причастие. Здесь Пуссен показывает происхождение Евхаристии: у каждого ученика есть кусок хлеба, а чашка вина в левой руке Христа вот-вот начнёт передаваться вокруг стола. Формат отличается от традиционных представлений Тайной Вечери, в которой все фигуры сидят за длинным столом. Цель Пуссена состояла в том, чтобы показать происхождение причастия, а включение современных римских лежащих кушеток (триклиния) лишь формирует сцену.

 Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство Святой Евхаристии. 1647

Пуссен представил это Таинство елеосвящения (соборования) с трогательной сценой умирающего христианского римского солдата, помазанного святым маслом священником. Группа фигур напоминает классическую рельефную скульптуру с горизонтальным акцентом, в то время как центральная перспектива комнаты создает сценоподобную обстановку. Пуссен использовал модель сцены с восковыми фигурами, чтобы спланировать некоторые из своих композиций и изучить игру света и тени. Здесь свет свечи дополняет интенсивную эмоцию сцены. Это была одна из первых картин, выполненных во второй серии "Семи таинств" (1644-1648) художника, созданной для Пола Фреарта де Шантелу.

 Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство Елеосвящения. 1644

Как и в других картинах о таинствах, Пуссен хотел показать эту сцену в раннехристианской обстановке. Церемония проходит в римских катакомбах, а фигуры носят современные платья. Пуссен даже удостоверился, что женские прически соответствуют тем, которые на современных римских портретных бюстах. Фигуры справа располагаются перед священником, почти как во время процессии. Дети и взрослые совершают таинство  конфирмации на одной и той же церемонии, а женщины ведут своих застенчивых детей вперёд, чтобы получить причастие. Миропомазанием  подтверждалась вера человека, которая впервые была объявлена во время крещения. Священник помазывает их елем (благословенное масло). Эта сцена, несмотря на раннехристианский контекст, была бы легко узнаваема современниками Пуссена как нечто, что они испытали в своей жизни.

Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство конфирмации (миропомазания). 1645

Рембрандт был, пожалуй, самым известным, влиятельным и изобретательным из всех голландских художников. В своих картинах маслом он представлял широкий спектр предметов, в том числе отдельные портреты, групповые, автопортреты, библейские и мифологические сцены. Он исследовал драматический потенциал света и тени не только с помощью картин, но и благодаря своей инновационной гравюре и изобретательному мастерству рисования. Рембрандт начал свою карьеру в своем родном Лейдене. После переезда в Амстердам он пользовался большим успехом, который продолжался на протяжении всей его долгой карьеры. К концу своей жизни он испытывал личные и финансовые трудности, но оставался уважаемым художником до своей смерти в 1669 году. Эта картина должна была стать портретом. Однако интимная обстановка в постели была бы неподходящей для любой солидной модели. После того как Рембрандт написал эту картину, считалось, что натурщицей была нидерландская модель Хендрикье Стоффелс, однако, более вероятно, что моделью была Гиртье Диркс, которая жила с ним приблизительно с 1643-1649 гг. Расмположившись полулёжа, она изображала из себя библейскую фигуру Сару в брачной кровати, которая следит как её жених Тобиас прогоняет дьявола (Тобит 7, 1-4).

Рембрандт ван Рейн (нидерл. Rembrandt van Rijn). Женщина в постели 164 [7?]

Ван де Вельде усовершенствовал тип рисования черно-белой картины, которая напоминает рисунок пером и тушью, наиболее приемлемый по его мнению для деталей кораблей и его стилизованного подхода к морю. Он следовал стилизованным соглашениям ранних гравюр в своих кружащихся волнах, но показал глубокое знание кораблей и их конструкции. Большое торговое судно в центре развевает голландский флаг со своей главной мачты. Справа - небольшое военное судно, известное как флейта или флейта, на котором стоит шведский флаг. Дальний порт может быть Западным Терсхеллингом.

Виллем ван де Велдье (нидерл. Willem van de Velde the Elder). Море с голландским торговым судном и шведским флейтом. 1650

Филипс Вауэрман был, несомненно, самым изящным и успешным голландским художником в 17 веке, наиболее известным своими пейзажными картинами, часто включающими группы всадников на лошадях. Несмотря на это, ни критическое исследование его работы, ни документированная биография не были опубликованы. Вауэрман родился в Харлеме, старшем сыне художника Пауэлса Йоостена и его четвертой жены Сюзанны ван ден Богерт. Два других сына, Питер и Йоханнес Вауэрман, также должны были стать художниками. Дед Вауэрмана родом из Брюсселя. Филипс, вероятно, получил свои первые уроки рисования от своего отца, чьи работы, однако, не были установлены, что делает невозможным определить степень его влияния на творчество сына. По словам Корнелиса де Бие, Вауэрман был учеником Франса Халса. Впоследствии, как считается, в 1638 или 1639 годах он провел несколько недель, работая в Гамбурге в мастерской немецкого художника Эверта Декера. В ГамбургеФилипс женился на Аннетье Питерс ван Брокхоф. 4 сентября 1640 года Вауэрман стал членом гильдии художников Гарлема, в которой занимал должность эксперта в 1646 году. В последующие годы неоднократно упоминалось его присутствие в Харлеме. Принимая во внимание многие южные элементы в его пейзажах, часто предполагалось, что Вауэрман уезжал во Францию ​​или Италию. Тем не менее, нет никаких документальных подтверждений того, что он покидал на какое-то время Гарлем. Вауэрман скончался 19 мая 1668 года и был похоронен 23 мая 1668 года в Нью-Керк в Харлеме. Он, очевидно, достиг определенной степени процветания благодаря большим суммам денег, которые каждый из семи его детей унаследовал после смерти вдовы художника в 1670 году, а также благодаря различным домам, которыми он владел. Нет подтверждения тому, что часто цитирует Арнольд Хубракен замечание о том, что дочь Вауэрмана, Людовика, принесла с собой приданое в 20 000 гульденов в 1672 году, когда вышла замуж за художника Хендрика де Фромантью. В своей работе "Бурное море", окрашенный почти исключительно в серые тона, Вауэрман изобразил яростный шторм на скалистом берегу. Справа судно, терпящее бедствие, покинутое его экипажем. Это один из трех морских пейзажей, которые Вауэрман написал за свою плодотворную и успешную карьеру.

Филипс Вауэрман (нидерл. Philips Wouwerman). Бурное море. 1650 - 1652

Типы лодок, как в центре этой картины, обычно покупались шотландцами у голландских поставщиков и использовались при торговле в Нидерландах. Ван де Каппель, унаследовавший свой процветающий бизнес по производству красителей в Амстердаме, был художником-любителем и, возможно, самоучкой. Он написал несколько картин, но в настоящее время считается одним из самых выдающихся голландских морских художников. У него была огромная коллекция произведений искусства, в том числе работы Рембрандта и Эльшаймера.

 Ян ван де Каппель (нидерл. Jan van de Cappelle)

Картина моря: Штиль. 1853

Альберт Кёйп был великим интерпретатором голландского пейзажа в итальянской манере. Ранние пейзажи, такие как "Речная сцена с далекими ветряными мельницами", находятся под влиянием ван Гойена, на некоторых картинах которого изображен Дордрехт, родной город Кёйпа. Работы утрехтских художников, особенно Яна Оба, вернувшегося из Италии около 1641 года, помогли обратить внимание Кёйпа на масштабные пейзажи в итальянской манере.

Альберт Кёйп (нидерл. Aelbert Jacobsz Cuyp). Пейзаж со скотом. 1650-1658

Известный с конца восемнадцатого века как "Отцовское наставление", благодаря жесту этого человека, эта картина также была интерпретирована как бордель. Предмет может быть ухаживанием, с листом музыки, указывающим потенциальную гармонию между молодым мужчиной и женщиной в ошеломляющем белом атласном платье. Тер Борх особенно известен этим типом изысканного и элегантного интерьера с фигурами.

 Герард Терборх (нидерл. Gerard ter Borch). Пение. 1654

Ян ван дер Хейден был ведущим художником городских пейзажей в Голландии конца XVII века, особенно известным своими видами на Амстердам, сделанные в 1660-х годах. Мало что известно о его молодости, хотя записано, что ван дер Хейден учился у голландского художника по стеклу. В 1650 году семья ван дер Хейдена переехала в Амстердам, где он жил до конца своей жизни. Повторяющиеся сюжеты в его картинах указывают на то, что он путешествовал в Брюссель, Кельн, и, возможно, ещё дальше, вплоть до своего брака в 1661 году, после чего посетил Лондон. Хотя он написал несколько пейзажей и натюрмортов, репутация ван дер Хейдена основывается на его архитектурных объектах – городских видах, которые он рисовал в раннем возрасте. В них он объединил широту общего эффекта с замечательным вниманием к деталям. Его проявление большого искусства видно в технической виртуозности, такой как индивидуальное описание каждого кирпича в доме, что постоянно поражало зрителей. Картины художника хорошо составлены и гармонично окрашены с использованием контрастов листвы и мягкой кирпичной кладки. Его городские пейзажи оказали большое влияние на развитие архитектурной живописи в Голландии 18-го века. Этот вид Кельна в Германии сочетает в себе два идентифицируемых памятника: Картезианский костёл слева и костел Святого Панталеона на расстоянии. Ван дер Хейден работал с рисунками, которые он сделал во время своего пребывания в Кельне в конце 1650-х годов. Вероятно, фигуры в этой ранней работе принадлежат другому художнику, Адриану ван де Вельде, с которым Ван дер Хейден часто сотрудничал.

 Ян Ван дер Хейден (нидерл. Jan van der Heyden). Вид в Кельне с Картхаусекирхе и Святого Панталеона. 1660 - 1665

Мейндерт Хоббема часто писал этот тип лесной сцены с горизонтальным форматом и извилистой дорожкой, ведущей вдаль. По сравнению с работами, эта картина поражает своими большими размерами. Хоббема учился рисовать вместе с Якобом ван Руисделом. В 1668 году он вступил в амстердамсую таможню, что гарантировало ему постоянный доход на всю оставшуюся жизнь. Вероятно, он перестал рисовать около 1690 года.

Мейндерт Хоббема (нидерл. Meindert Hobbema). Лесной пейзаж. 1662-1663

Ван дер Нер запечатлел атмосферу раннего зимнего дня в широком, почти панорамном пейзаже. Катание на коньках, санях игры с мячами и клюшками, как при игрк в гольф, трапеза, выпивка и просто разговоры на льду, были чрезвычайно популярны среди голландцев на протяжении всего семнадцатого века. Ван дер Нер специализируется на пейзажах и наиболее известен своими зимними сценами, ночными пейзажами и пейзажами на рассвете или закате.

Арт ван дер Нер (нидерл. Aert van der Neer). Пейзаж с замёрзшей рекой. 1655-1660

Ван Миерис обучался у Герарда Доу и стал одним из самых известных голландских фейншилдеров (живописцев), которые славились своим скурпулёзным и высококлассным стилем. Он верно изобразил особый тип лютни, популярный на нидерландских и британских островах во второй половине XVII века, и правильное положение играющих пальцев. Но ещё нет возможности определить музыку на нотном листе.

Франс Ван Мирис Старший (нидерл. Frans van Mieris the Elder)

Женщина играет на лютне. 1663

Уильям Гоу Фергюсон работал в семнадцатом веке, когда было всего несколько местных шотландских художников. Большую часть своей карьеры он работал за границей, и его картины часто сравнивают с картинами современных голландских художников, несомненно, из-за нескольких лет, которые он провел в Утрехте, Гааге и Амстердаме. Он также путешествовал по Италии, но вернулся в Лондон в 1690-х годах. Фергюсон прославился своими натюрмортами. Помимо этого примера, в Шотландской национальной галерее есть еще три работы, но все они показывают сцены мертвых птиц. Таким образом, эта картина с изображением живых бабочек и мотылька необычна, поскольку Фергюсон представляет живых существ в натуралистической обстановке. Ни одна другая картина этого типа не была прослежена, что делает её уникальным примером его работы. Бабочки были идентифицированы как Малая Пустошь, Обычный Синий, Коричневый Луг, Красный Адмирал, Маленькая Белая и Нарисованная Леди. Единственная моль – Большой Желтый Подкрылок.

 Уильям Гоу Фергюсон (нидерл. William Gouw Ferguson). Шесть бабочек и мотылек на ветке розы. 1690