Постоянная коллекция Курто включает в себя картины, рисунки, гравюры, скульптуры и предметы декоративно-прикладного искусства, начиная с эпохи Возрождения и заканчивая XX веком. Галерея славится своей выдающейся коллекцией импрессионистов и постимпрессионистов, включая всемирно известный "Бар в Фоли-Бержер" Эдуарда Мане, "Автопортрет с перевязанным ухом" Винсента Ван Гога и самую значительную коллекцию работ Сезанна в Великобритании. Эти шедевры представлены в захватывающем Большом зале LVMH галереи Курто, одном из самых больших помещений в Сомерсет-Хаус, наряду с работами таких художников, как Дега, Гоген, Моне, Ренуар, Серат и других. В Изящных комнатах Блаватника, занимающих весь второй этаж, где находится Piano Nobile, представлены работы от эпохи Возрождения до XVIII века. Среди них "Адам и Ева" Лукаса Кранаха Старшего, "Семья Яна Брейгеля Старшего" и "Сошествие с креста" Питера Пауля Рубенса, алтарный образ "Троица со святыми" Сандро Боттичелли и "Пейзаж с бегством в Египет" Питера Брейгеля Старшего. Галерея семьи Раддок посвящена важной коллекции средневековой и раннеренессансной живописи и декоративного искусства Курто. Залы, посвященные искусству XX века и группе Блумсбери, также демонстрируют малоизвестные части коллекции с помощью чередующихся экспозиций.

Эта работа была выполнена в рамках подготовки к написанию одной из самых известных картин XIX века. В 1863 году Эдуард Мане скандализировал мир искусства, представив большую законченную версию этой композиции (сейчас находится в музее Орсэ, Париж). Она шокировала тем, что на ней в натуральную величину были изображены две почти обнаженные женщины рядом с полностью одетыми мужчинами в современной одежде. Хотя изначально Мане черпал вдохновение в обнаженных натурщицах эпохи Возрождения, он отказался от завесы мифологии и написал неидеализированные женские фигуры, одна из которых смотрит на зрителя прямым взглядом. Как и в большинстве эскизов, одни участки прорисованы слабо, другие – более полно. Мане уделил особое внимание стволу дерева слева и черному пиджаку лежащей мужской фигуры. Вероятно, эскиз был написан в качестве вспомогательного материала при создании большого полотна, работа над которым заняла более года.

 Эдуард Мане (Édouard Manet). Этюд для картины "Обед на траве". 1863

Эта знаменитая работа – последняя крупная картина Эдуарда Мане, завершенная за год до его смерти. В одном из баров Фоли-Бержер – популярного парижского мюзик-холла – посетителей ожидают вино, шампанское и британское пиво Bass с красным треугольным логотипом. На балконе толпится модная публика. Ноги и зеленые ботинки артиста трапеции в левом верхнем углу намекают на захватывающие музыкальные и цирковые номера, развлекающие публику. Этот оживленный фон на самом деле является отражением в большом зеркале в золотой оправе, которое проецирует его в пространство зрителя. Мане делал наброски на месте, но написал эту работу полностью в своей студии, куда пришла позировать буфетчица по имени Сюзон. Она – неподвижный центр картины. Ее загадочное выражение лица не дает покоя, особенно если учесть, что она общается с клиентом-мужчиной. Игнорируя обычную перспективу, Мане сместил их отражение вправо. Бутылки слева так же смещены в зеркале. Эта игра отражений подчеркивает дезориентирующую атмосферу Folies-Bergère. В этой работе Мане создал сложную и захватывающую композицию, которая считается одной из знаковых картин современной жизни.

Эдуард Мане (Édouard Manet). Бар в Фоли-Бержер. 1882

Этот быстро выполненный эскиз был продан вместе с содержимым студии Эдуарда Мане после его смерти. Несмотря на то, что большая часть холста осталась незакрашенной, Мане удалось несколькими мазками нежных красок изобразить легкий поворот тела женщины и очертания ее платья. Сразу за женщиной виден профиль второй, мужской, фигуры. Женщина была идентифицирована как Маргарита де Конфлан, чья семья была близка Мане. Она неоднократно позировала ему.

Эдуард Мане (Édouard Manet). Au Bal ("На балу"). 1877

Эта работа – один из самых ярких экспериментов Эдуарда Мане в живописи на открытом воздухе, вдохновленный подходом молодых импрессионистов. Она была создана во время летнего пребывания у Клода Моне в городке Аржантей, расположенном за пределами Парижа. Для фигур позировали жена Моне, Камилла, и сын Жан. На другом берегу реки стоят баржи для стирки белья. Яркие цвета и быстрые мазки кисти, создающие рябь на воде, свидетельствуют о влиянии Моне. Однако Мане сохранил свое характерное использование густой масляной краски и насыщенных черных тонов, придающих картине вес.

Эдуард Мане (Édouard Manet). Берега Сены в Аржентейле. 1874

В начале 1888 г. Клод Моне отправился на юг Франции, где провел несколько месяцев, запечатлевая насыщенные цвета и атмосферу Средиземноморья. Окружающая обстановка настолько отличалась от северных пейзажей, которые он знал лучше всего, что он опасался, что для того, чтобы передать ее, потребуется "палитра из бриллиантов и драгоценных камней". Моне использовал искрящиеся цвета, чтобы передать южный свет, контрастируя оранжевые и розовые оттенки с сильными зелеными и голубыми цветами поваленных ветром сосен и моря за ними.

Клод Моне (Claude Monet). Антиб. 1888

Клод Моне написал этот вид на реку Сену и город Аржентей с борта своей лодки, пришвартованной на тихом боковом канале. Настоящей темой этой работы являются яркие осенние краски. Оранжевые листья контрастируют с голубой водой, изображенной толстыми параллельными линиями. Моне добавил деревьям фактуры, процарапав краску рукояткой кисти. Моне жил в Аржантейе, пригороде Парижа, с 1871 по 1878 год. Это была недорогая альтернатива столице, до которой можно было легко добраться по новым железным дорогам.

 Клод Моне (Claude Monet). Осень в Аркентейе. 1873

В начале 1880-х годов Клод Моне сосредоточился на написании амбициозных цветочных натюрмортов. Однако этот пышный букет мальв (диких цветов) доставил ему особые хлопоты. Он отложил картину в сторону и вернулся к ней только 40 лет спустя. На некоторых лепестках и листьях видны следы его позднейшей работы над давно высохшей краской. В конце концов Моне подписал и продал картину около 1920 года. Смещенное расположение керамической вазы и необычно высокая точка зрения создают странное ощущение, будто стол и цветы наклонены вперед, а формы растворяются.

Клод Моне (Claude Monet) Ваза с цветами. Начато в 1881 г.

В 1880-х годах Поль Гоген совершил несколько длительных поездок в Бретань на западе Франции, привлеченный отдаленностью этого региона и самобытной культурой. Эта сцена сенокоса, запечатленная во время его третьего пребывания, типична для радикально упрощенного подхода, который он применял к живописи в это время. Формы изображаются в виде плоских пятен яркого цвета, а трехмерные отношения и перспектива намеренно игнорируются. Гоген сводит крестьянок, сгребающих сено, к базовым формам их черно-белой региональной одежды, представляя их действия как вневременной ритуал.

Поль Гоген (Paul Gauguin). Стога сена. 1889 

Поль Гоген написал картину "Nevermore", живя на Таити, острове в южной части Тихого океана, колонизированном Францией. Предназначенное для белой европейской мужской аудитории, это изображение лежащей обнаженной натуры принадлежит к давней художественной традиции. Однако к знакомой теме Гоген добавил ощущение экзотики и тревоги. Молодая женщина не отдыхает, а с тревогой следит за двумя фигурами позади неё, которые могут быть злыми духами. Современного зрителя больше всего смущает её молодость. Иногда её отождествляют с 15-летней спутницей Поля Гогена Пахурой. Название картины ассоциирует птицу на карнизе с поэмой Эдгара Аллана По "Ворон". В нём поэт, обезумевший после смерти возлюбленной, слышит, как ворон бесконечно повторяет "nevermore". Это чувство утраты может быть намёком на разочарование Гогена от разрушения таитянской культуры французскими администраторами и церковными миссионерами. Это не помешало ему воспользоваться своим положением европейского колонизатора. Пахура была одной из нескольких подростков, которых он взял себе в "жены". Распространённое расистское представление о таитянских девочках как о сексуально развитых привело к явной эксплуатации.

Поль Гоген (Paul Gauguin). Никогда больше. 1897. Галерея Курто. Лондон

Поль Гоген написал эту поразительную работу через несколько лет после того, как поселился на Таити, французской колонии в южной части Тихого океана, и всего через несколько недель после картины "Невермор". На ней изображены две женщины, присматривающие за спящим ребенком в комнате, украшенной сложными деревянными рельефами. Фигуры не общаются, создавая ощущение таинственности. Гоген хотел, чтобы тема была неясной. Он назвал картину "Те Рериоа" (что в переводе с таитянского означает "сон" или "кошмар"), написав другу: "Все на этом полотне – сон, будь то ребенок, мать, всадник на дороге или сон художника. Кто-то скажет, что все это не имеет никакого отношения к живописи. Кто знает? Может быть, и нет". Экзотизирующая репрезентация Полинезии была рассчитана на белую европейскую аудиторию, увековечивая фантазию о природном рае на другом конце света.

Поль Гоген (Paul Gauguin). Те Рериоа (Мечта). 1897. Галерея Курто. Лондон 

Винсент Ван Гог запечатлел этот вид открытой равнины за пределами Арля ранней весной 1889 года. Он написал своему брату, что цветы и далекая заснеженная гора напомнили ему о вишневых деревьях и горе Фудзи на японских гравюрах, которые он собирал и которыми очень восхищался. За год до этого Ван Гог переехал на юг Франции, надеясь, что провансальский свет и пейзажи вдохновят его на творчество. Сцена написана самыми разнообразными мазками – от густых точек краски на цветах до длинных полос на горах.

 Винсент Ван Гог (Vincent van Gogh). Цветущие персиковые деревья. 1809

Этот знаменитый автопортрет Винсента Ван Гога выражает его творческую силу и личные переживания. Ван Гог написал его в январе 1889 года, через неделю после выхода из больницы. Там он проходил лечение после того, как отрезал большую часть своего левого уха (здесь изображено забинтованное правое ухо, потому что он рисовал себя в зеркале). Это членовредительство было отчаянным поступком, совершенным несколькими неделями ранее после горячего спора с коллегой-художником Полем Гогеном. Меховая шапка Ван Гога фиксирует его толстую повязку и защищает от зимнего холода. Созданный в суровых условиях, этот автопортрет демонстрирует решимость Ван Гога продолжать писать, которую подкрепляют предметы, стоящие позади него: холст на мольберте и японская гравюра, важный источник вдохновения. Прежде всего, кисть Ван Гога и мощная работа с цветом заявляют о его новых амбициях как художника.

 Винсент Ван Гог (Vincent van Gogh). Автопортрет с перевязанным ухом. 1889

Проглядывающий сквозь деревья слева блик воды – единственная особенность, связывающая эту идиллическую сцену с Шату. Небольшой городок на берегу реки к западу от Парижа был популярен среди любителей однодневных поездок и художников. Тонкая работа Пьера-Огюста Ренуара над освещенным солнцем лугом характерна для того, как художники-импрессионисты использовали цвет для передачи атмосферы и чувств. Области желтого цвета указывают на участки солнечного света, наряду с глубокими зелеными тенями, отбрасываемыми молодыми деревьями. Кисти, свободные до абстракции, создают ощущение, что высокие травы колышутся под дуновением ветра.

Пьер-Огюст Ренуар (Pierre-Auguste Renoir). Весна, Шату. 1873

В конце 1880-х годов Пьер-Огюст Ренуар несколько раз приезжал в Понт-Авен, колонию художников в Бретани, где также работал Поль Гоген. На этой картине Ренуар противопоставляет слабо нарисованные тени и колышущуюся на ветру траву четко очерченным деревьям. Эта работа показывает, что он постепенно отходит от эскизного качества импрессионистской техники. Его формы более смело очерчены с сильным использованием цвета, как это видно в игре солнца на стволах деревьев.

Пьер-Огюст Ренуар (Pierre-Auguste Renoir). Окрестности Понт-Авена. 1888-1890. Галерея Курто. Лондон

Это одна из последних картин, которую Пьер-Огюст Ренуар написал перед своей смертью в следующем году. Разочаровавшись в импрессионизме в 1880-х годах, он искал стиль и тематику, которые, по его словам, объединили бы его с "величием и простотой знаменитых художников". Переезд из Парижа на юг Франции заставил его отказаться от современных городских сюжетов и сосредоточиться на идеализированных образах женщин, занятых домашними делами, такими как стирка или одевание. Это также способствовало использованию теплых, роскошных цветов, нанесенных сочными мазками.

Пьер-Огюст Ренуар (Pierre-Auguste Renoir). Женщина, завязывающая шнурок. 1918. Галерея Курто. Лондон

Это полотно является центральной частью более крупной декоративной работы, выполненной по заказу ливерпульского судоходного магната Фредерика Лейланда. Как видно из небольшого подготовительного эскиза, воспроизведенного ниже, первоначально на нем были изображены три молодые женщины; один из их зонтиков до сих пор можно увидеть в правом верхнем углу. Джеймс Мак-Нейл Уистлер был недоволен композицией и переделывал ее в течение многих лет, соскабливая краску по ходу работы. В конце концов он решил уничтожить картину, но один из его покровителей спас эту часть. Увлечение Уистлера японским искусством проявляется в плоской декоративной поверхности и наличии ветки цветущей сакуры – распространенном мотиве.

Джеймс Мак-Нейл Уистлер (James McNeill Whistler). Молодая женщина с цветущей вишней. 1867-72 

Оноре ДОМЬЕ работал карикатуристом во французских газетах, но также был и художником. Более 20 работ он посвятил истории Дон Кихота, рыцаря-идеалиста из испанского романа XVII века Мигеля де Сервантеса. Однако вместо того, чтобы изображать конкретный эпизод, Дюмье передает трагические и комические качества этой истории. Гордый, рыцарственный, но заблуждающийся рыцарь противопоставлен своему приземленному жениху Санчо Панса. Грубый конь и пухлый осел мягко высмеивают маловероятную пару этих двух людей.

Оноре Домье (Honoré Daumier). Дон Кихот и Санчо Панса. 1870 

Обыденные предметы в этом обманчиво простом натюрморте позволяют Полю Сезанну поставить перед собой композиционную задачу. Он противопоставляет округлость фруктов, которые кажутся почти скульптурными, плоским листьям растения. Он также отказывается от традиционной перспективы. Фон, возможно, обратный натянутому холсту, закрывает нам обзор и создает дополнительную пространственную двусмысленность. Мы вынуждены воспринимать картину не столько как натюрморт, сколько как живую игру форм и цветов.

Поль Сезанн (Paul Cézanne). Горшок с цветами и фруктами. 1888-90

Жас-де-Буффан – сельское поместье недалеко от Экс-ан-Прованса, принадлежавшее отцу Поля Сезанна. Художник написал множество видов дома, территории и фермеров с 1866 по 1899 год, когда поместье было продано. Эта картина выполнена короткими, параллельными мазками – техника, которую Сезанн предпочитал в 1880-х годах. Она создает мерцающий эффект, особенно хорошо подходящий для этой сцены. Листья высоких деревьев словно шелестят на ветру.

Поль Сезанн (Paul Cézanne). Высокие деревья у Жас-де-Буфан. 1883

Гора Сент-Виктуар с зазубренной вершиной возвышается над сельской местностью вокруг родного города Поля Сезанна Экс-ан-Прованс на юге Франции. Для него она олицетворяла суровый пейзаж и людей Прованса. Сезанн рисовал гору с разных точек обзора на протяжении всей своей карьеры. Эта картина – самая монументальная. Области зеленого и желтого цветов ведут взгляд к возвышающейся над горой Сент-Виктуар, окрашенной в холодные голубые и розовые тона. Размашистые ветви сосен на переднем плане повторяют контуры горы. Этот прием был одним из любимых у Сезанна, и он также встречается на висящей рядом картине Lac d'Annecy. Вневременной характер пейзажа прерывается лишь современным железнодорожным виадуком справа и шлейфом пара, оставленным проходящим поездом. Самюэль Курто вспоминал, что почувствовал "волшебство", когда впервые увидел одну из картин Сезанна в 1922 году. Благодаря его страсти к художнику в музее Курто собрана самая большая группа работ Сезанна в Соединенном Королевстве.

 Поль Сезанн (Paul Cézanne). Монтань-Сент-Виктуар с большой сосной. 1887

Поль Сезанн написал этот вид пруда на лесной поляне, когда гостил у своего коллеги Камиля Писсарро в Осни, деревне к северу от Парижа. Необычно для Сезанна, он наносил плотные слои краски ножом для палитры – инструментом, традиционно используемым для смешивания красок. Краска распределяется по диагонали, создавая динамичную лоскутную картину. Широкий поток света, проникающий сквозь деревья, привлекает наше внимание от затененного переднего плана к противоположному берегу.

Поль Сезанн (Paul Cézanne). Пруд Сестер, Они (Osny). 1875

В 1896 году Поль Сезанн вместе с женой и сыном отправился на отдых во Французские Альпы. Эта картина с видом на горное озеро у швейцарской границы была единственной, которую он написал во время поездки. Он боролся с тем, что считал слишком очаровательной обстановкой, которая контрастировала с суровым пейзажем его родного Прованса. Однако в результате получилась одна из самых смелых его картин. Сезанн исследовал окружающее пространство с точки зрения формы и цвета. Он превратил далекий замок в строгую геометрическую фигуру и изобразил свет и тень на горных склонах с помощью контрастных цветовых блоков.

Поль Сезанн (Paul Cézanne). Lac d'Annecy (Озеро Анси). 1896 

На этой работе изображен натюрморт, поставленный в студии Поля Сезанна: гипсовый слепок небольшой скульптуры XVII века в окружении фруктов и овощей. Несколько холстов прислонены к стене. Сезанн использовал это, казалось бы, простое расположение для создания одной из своих самых сложных и дезориентирующих картин. Пространственное расположение студии трудно уловить, а впечатление глубины вызывает тревогу. Зеленое яблоко в дальнем углу кажется слишком большим, а сам пол – наклонным. Синяя драпировка на картине, прислоненной к стене слева, сливается с подолом ткани на столе. Расположение прорастающего лука стирает различия между "настоящими" фруктами и овощами на столе и теми, что изображены на полотне. Эта работа бросила вызов традиционному мнению о том, что натюрморт – ограниченный и неизобретательный жанр. Вместо того чтобы создавать прямолинейные изображения, Сезанн использовал натюрморт, чтобы освободиться от традиционных способов видения.

Поль Сезанн (Paul Cézanne). Натюрморт с гипсовым купидоном. 1894 

Поль Сезанн провел несколько лет, рисуя и изображая фермеров из сельской усадьбы, где он жил недалеко от Экс-ан-Прованса, на юге Франции. Это одна из пяти картин, изображающих некоторых из них, играющих в карты. Фигура справа – садовник по имени Полен Поле. Другой игрок остается неизвестным; Сезанн также сделал его портрет, выставленный неподалеку. Фигуры Сезанна вытянуты, несколько не пропорциональны, а кисти живые и разнообразные. Однако общее ощущение от картины – неподвижность и сосредоточенность, мужчины полностью поглощены своей игрой. До Сезанна художники и иллюстраторы часто представляли игру в карты как шумное развлечение в тавернах, где льется вино и пиво. Эта картина предлагает иное видение: рабочие у Сезанна монументальны и величественны, как побитые временем статуи.

Поль Сезанн (Paul Cézanne). Карточные игроки. 1892-96 

В этом портрете Поль Сезанн, кажется, тщательно продумывал каждый мазок кисти, чтобы передать черты лица и характер портретируемого. Мужчина, работник фермы из семейного поместья художника, изображен стоически, его обветренное лицо говорит о трудовой жизни, проведенной на свежем воздухе. В это время Сезанн создал ряд картин с изображением сельских рабочих. Он писал: "Я люблю прежде всего внешний вид людей, которые состарились, не порывая со старыми обычаями".

Поль Сезанн (Paul Cézanne). Мужчина с трубкой. 1892-96 

На этой картине, написанной с пешеходного моста, перекинутого через железнодорожные пути, изображен поезд, отъезжающий от недавно построенного вокзала на юге Лондона. Камиль Писсарро бежал с семьей из Парижа в 1870 году во время франко-прусской войны и остался в Лондоне более чем на год, рисуя город и его окрестности. Хотя пейзаж, изображенный на картине, превращается из открытой сельской местности в застроенные пригороды, он, как ни странно, лишен людей. Первоначально Писсарро включил в картину человека на травянистом склоне справа, но позже закрасил его.

Камиль Писсарро (Camille Pissarro). Лордшип-лейн, станция Далвич. 1871

Альфред Сислей родился в Париже в семье англичан. Он участвовал в первой выставке импрессионистов в 1874 году и оставался важным членом группы. На этой картине изображен вид на реку Сену на юго-западной окраине Парижа. С речной баржи выгружают древесину, а рядом проходит пассажирский паром. Мазки кисти удивительно грубые и эскизные. Они помогают придать картине ощущение непосредственности.

 Альфред Сислей (Alfred Sisley). Лодки на Сене. 1877

В 1871 году Альфред Сислей поселился в Лувесьенне, примерно в 16 километрах к западу от Парижа. В течение 1870-х годов он написал множество видов в этой деревне и ее окрестностях, в то время как его друзья Клод Моне и Камиль Писсарро работали в окрестностях. На этой картине легкий слой снега покрывает грунтовую дорогу, ведущую в город, а также крыши домов вдалеке. Приглушенные тона придают картине мягкий атмосферный эффект, напоминающий о пасмурном зимнем дне.

 Альфред Сислей (Alfred Sisley). Снег в Лувесьенне. 1874

Уроженец Нормандии, Эжен Буден сделал себе имя, изображая модных парижских гостей на морских курортах. Позже он стал писать открытые пейзажи с меньшим количеством людей. Фигуры на этой картине – посетители пляжа и местные рыбаки с повозками, запряженными лошадьми, – запечатлены быстрыми мазками краски. Главная тема – небо и эффект света на клубящихся облаках. Приверженность Будена к живописи на открытом воздухе повлияла на Клода Моне, чьи работы можно увидеть в соседней комнате.

Эжен Буден (Eugène Boudin). Довиль. 1893 

Эта сцена с женщиной, профилированной на фоне яркого окна, кажется безмятежной. Однако английский художник Уолтер Сикерт, знавший Дега и владевший этой работой, рассказывает, что она была написана во время осады Парижа прусской армией. Голодающей натурщице заплатили куском сырого мяса, который, по словам Сикерта, она тут же съела. Дега часто экспериментировал с техникой. В данном случае он использовал краску, очищенную от масла, для получения матового эффекта. Хотя картина выглядит незаконченной, Дега счел ее завершенной и подписал.

 Эдгар Дега (Edgar Degas). Женщина у окна. 1871

В этом этюде модной женщины с зонтиком Эдгара Дега, похоже, больше всего волнует влияние света на человеческую фигуру. Некоторые участки закрашены неплотно, и первоначальный угольный контур все еще виден. Другие, такие как профиль женщины и детали ее шляпы, проработаны с большой деликатностью. Старая этикетка на обратной стороне картины описывает ее как "На ипподроме", что может объяснить элегантный вид женщины. Дега оставил эту работу незаконченной, но хранил ее в студии до самой смерти.

Эдгар Дега (Edgar Degas). Женщина с парасолем. 1870-72 

Эта работа – единственный крупный портрет, написанный Жоржем Сёра, который умер в возрасте 31 года. На ней изображена его спутница Мадлен Кноблох, наносящая макияж. Тема природы и искусственности, представленная использованием косметики, находит отклик в характерной технике Серата, называемой "пуантилизм". Он наносил "кожу" из цветных точек на поверхность своих работ, чтобы оживить их и создать объем. Следуя новым оптическим теориям, он размещал цвета с противоположных сторон цветового круга – оранжевый и синий, розовый и зеленый – рядом друг с другом для большего контраста. В раме над головой натурщика когда-то было зеркало, в котором отражался Серат за мольбертом. После того как его высмеял друг, Серат заменил его вазой с цветами, закрасив свой единственный известный автопортрет.

Жорж-Пьер Сёра (Georges Seurat). Пудривающаяся молодая женщина. 1888-90 

Все живые эскизы, расположенные вдоль этой стены, были написаны Жоржем Сератом. Он использовал их для экспериментов с техникой, пробовал новые идеи композиций и изучал конкретные элементы для масштабных работ. Многие из них он делал просто для удовольствия и считал их самостоятельными законченными картинами. Охватывая период в восемь лет, картины показывают эволюцию стиля Серата. Короткие мазки кисти в самых ранних эскизах во многом обязаны импрессионистам, но также предвещают характерную для Серата технику использования точек чистого цвета для создания форм и передачи света. Переносные деревянные доски стандартного размера идеально подходили для рисования вне дома, и многие этюды свидетельствуют об интересе Серата к изображению отражений на воде, вдохновленном импрессионизмом. Одним из таких примеров является "Рыбак в пришвартованной лодке". Серат использовал панель без предварительного подготовительного слоя, позволив естественному цвету дерева проявиться сквозь краску. Темные тона наводят на мысль, что сцена происходит на закате.

 Жорж-Пьер Сёра (Georges Seurat). Рыбак в пришвартованной лодке. 1882

Эта стремительно написанная сцена показывает, как молодой Жорж Серат приобщается к традициям живописи на открытом воздухе середины XIX века. Холодные цвета, нанесенные крестообразными мазками, также свидетельствуют о влиянии Мане. Однако именно в этот период Серат начал отходить от новаций старых художников в поисках более методичного способа передачи цвета и света.

 Жорж-Пьер Сёра (Georges Seurat). Человек, раскрашивающий лодку. 1883

Это быстрое изображение лодочника принадлежит к группе этюдов, которые Жорж Серат сделал на берегу Сены в окрестностях Парижа. В этих этюдах он свободно экспериментировал с различными видами кисти, использованием цвета и уровнями отделки. Особенно поражают густые белые мазки, используемые для создания бликов на берегу реки и поверхности воды. Они придают композиции большую яркость.

 Жорж-Пьер Сёра (Georges Seurat). Мужчина в лодке. 1884

Этот небольшой этюд – один из четырнадцати подготовительных эскизов маслом к первой крупномасштабной картине Жоржа Сёра "Купальщицы в Асньере", приобретенной Фондом Курто для Национальной галереи в Лондоне в 1924 году. Небольшие, деликатно нанесенные мазки краски напоминают те, что использовали Моне и Ренуар в своих речных пейзажах 1870-х годов, выставленных неподалеку.

 Жорж-Пьер Сёра (Georges Seurat). Лодка на берегу реки. 1883

Этот одинокий рыбак появляется на знаменитом полотне Жоржа Сера "Воскресный день на острове Гранд-Жатт" (Художественный институт Чикаго), начатом в 1884 году. Серат сделал более пятидесяти подготовительных этюдов для этого монументального полотна, на котором изображена отдыхающая толпа на острове на Сене, недалеко от Парижа. Хотя некоторые этюды посвящены пейзажу, большинство из них, как и этот, сосредоточены на отдельных фигурах, населяющих конечную работу.

Жорж-Пьер Сёра (Georges Seurat). Удильщик. 1884

Этот этюд, относящийся к картине "Купальщицы в Асньере" (Национальная галерея, Лондон), показывает ранний вариант композиции, от которой Жорж Серат в итоге отказался. Хотя в готовой картине он сохранил общие очертания и уклон берега реки, а также далекие фабрики, он заменил лошадей двумя купающимися мальчиками, один из которых одет в красные плавки, которые видны на всаднике на переднем плане в этом этюде.

 Жорж-Пьер Сёра (Georges Seurat). Лошади в воде. 1883

Этот почти абстрактный морской пейзаж написан всего несколькими цветами, а разделение между водой и небом едва обозначено оранжевой полосой в центре. В нем Жорж Сёра запечатлел облачное сияние, характерное для северного побережья Франции, где он провел несколько летних месяцев. Хотя картина написана на тонкой панели, которую Сёра предпочитал для этюдов, "Пляж в Гравелине" не является подготовкой к другой картине, а написана просто для удовольствия. Песчинки, вкрапленные в краску, свидетельствуют о том, что картина была создана на открытом воздухе.

Жорж-Пьер Сёра (Georges Seurat). Пляж в Гравелине. 1890 

Труппа танцоров исполняет чахут – танец с высоко поднятыми ногами, популярный в парижских ночных клубах в конце XIX века. Жоржа Сёра привлекали сцены популярных развлечений, потому что их постановка и искусственность давали благодатную почву для изучения теорий цвета и движения, ставших центральными в его творчестве. Красная, синяя и зеленая палитра, а также многочисленные линии и углы, устремленные ввысь, в его глазах выступали в качестве абстрактных символов веселья. Отсутствующая закрашенная рамка справа указывает на то, что панно, возможно, было обрезано.

 Жорж-Пьер Сёра (Georges Seurat). Этюд для картины "Le Chahut". 1889

Rat Mort ("Мертвая крыса") – парижское кафе-ресторан в районе Монмартр, которое часто посещал Анри де Тулуз-Лотрек в последние годы своей жизни. Женщину в маскарадном костюме считают кокоткой (проституткой высшего класса) Люси Журден. Её смеющийся рот и расфокусированные глаза, светящиеся в искусственном свете, наводят на мысль о воздействии шампанского, стоящего перед ней. Размашистая кисть, палитра смелых красных и зеленых цветов и галлюцинаторный эффект лампового света создают яркое ощущение грязного гламура ночной жизни Монмартра.

Анри д Тулуз-Лотрек (Henri de Toulouse-Lautrec). В частной столовой ("У Крысолова"). 1899 

Жанна Авриль была звездной танцовщицей парижского кабаре "Мулен Руж" ("Красная ветряная мельница"). Она была знакома с Анри де Тулуз-Лотреком, который создал известные афиши этого заведения. Он неоднократно рисовал Аврил, но эта работа выделяется своим сдержанным качеством. Она не на сцене, а прибывает в кабаре, закутанная в меховое пальто. На заднем плане видна карета. Необычный узкий формат картины подчеркивает длинное лицо и худую фигуру Аврил. После драматического детства, проведенного частично в психиатрической больнице, танцовщица Жанна Бодон обрела славу "Джейн Авриль". Возможно, ее выступление было вдохновлено детским расстройством – синдромом хореи Сиденхема, который включает в себя внезапные и нерегулярные движения конечностей и лица".

Анри де Тулуз-Лотрек (Henri de Toulouse-Lautrec). Жанна Авриль у входа в Мулен Руж. 1892