Этот антверпенский музей привлекает внимание впечатляющей коллекцией произведений искусства, которую Фриц Майер ван ден Берг (1858–1901) собрал в конце XIX века. Музей открыл свои двери в 1904 году, через три года после ранней смерти его основателя. В 1878 году Фриц преждевременно прервал учёбу в области литературы, философии и права в Гентском университете. В том же году умер его отец. Он вернулся в дом своей матери и выучился на антиквара, что полностью соответствовало его страсти: коллекционированию произведений искусства из старых провинций Фландрии, Валлонии, Брабанта, а также из соседних стран (Германии, Нидерландов). Фриц Майер ван ден Берг приобрёл самые разнообразные произведения искусства, среди которых были предметы практического назначения, а также старинные и современные картины и скульптуры. С 1892 года коллекционер делал упор на живопись и скульптуры. Первоначально его интересовали в первую очередь итальянские мастера и голландские живописцы жанровых картин. Он часто бывал в Италии, среди других мест. Фриц Майер ван ден Берг приобретал произведения искусства на аукционах в Париже, Лондоне и Кельне, а также в Голландии и Фландрии. Все наиболее ценные экспонаты из нынешнего музея были приобретены в последние три года его коллекционерской деятельности (1898-1900). В то время он был известен как выдающийся ценитель искусства. Совершенно очевидно, что Фриц Майер ван ден Берг имел амбиции вовремя разместить свою коллекцию в собственном музее. Некоторые предметы, в том числе каминные каминные полки и кордельеры, он купил с намерением впоследствии обустроить музей. В конечном итоге именно мать коллекционера после его смерти осуществила несбывшуюся мечту сына.

На самом деле мы мало что знаем о Фрице Майере ван ден Берге. Он родился в богатой семье, не был женат и жил со своей матерью на Ланге Гастуисстраат (Lange Gasthuisstraat) и в просторном замке Пулхоф (Pulhof Castle). Он любил породистых лошадей и охоту. А еще цветы и растения: он даже выигрывал призы за свои доморощенные георгины. Он вращался в аристократических и буржуазных кругах Антверпена и его окрестностей. В его время официальным языком был французский, а костюмированные балы были любимым занятием. Известно, что Фриц был увлеченным фотографом: в настоящее время мы выясняем, какие фотографии в архиве музея были сделаны им. Фриц Майер ван ден Берг принимал участие в общественной жизни Антверпена. Он был членом комитета по тканям церкви Святого Августина и почетным членом Scalden, культурной ассоциации, в которой встречался с людьми, занятыми в мире искусства, включая писателей, музыкантов и художников. В 1894 году весь Антверпен был очарован всемирной выставкой "Старый Антверпен". По этому случаю был даже реконструирован центр города XVI века. Фриц Майер ван ден Берг присоединился к празднику в одежде времен Брейгеля; его мать профинансировала реконструкцию здания под названием "De Drie Koningen" ("Три короля"). Фриц Майер ван ден Берг также переводил с немецкого средневековые саги и сказки. Он сделал это на голландском языке – необычный выбор для его франкоговорящей аристократической среды. Его мать организовала публикацию произведения посмертно в 1902 году с иллюстрациями его друга Эдмонда ван Оффеля. В предисловии Фриц Майер ван ден Берг пишет: "Эти легенды относятся к раннему периоду существования народа, столь тесно связанного с нами, что нет четкой границы между его разговорным языком и нашим".

Йозеф Джансенс (Jozef Janssens), портрет Фрица Майера ван ден Берга, 1901.

Музей – это то, чего Генриетта Майер ван ден Берг (1838–1920) достигла всего за три года. После внезапной смерти сына Фрица она осуществила его невыполненное желание: открыть музей, посвященный его захватывающей дух коллекции. После открытия музея Генриетту провозгласили великой дамой. Ее предприимчивая, целеустремленная и решительная личность произвела огромное впечатление.

Жозеф Хендрик Франс ван Лериус (Joseph van Lerius). Портрет Генриетты Майер ван ден Берг. 1857

Среди собраний музея хранится коллекция женских аксессуаров XVIII XIX веков, представленная веерами с изображением Нептуна и других фигур, украшения на эмали: амур нв тюльпановой клумбе и амур, собирающий розы. Здесь также находится футляр для иглы, портрет молодой дамы, работы Жана-Франсуа Отисье (Jean Francois Autissier) и красочно расписанный блокнот, кисти французской художницы по фарфору и акварелистом Сюзанны Эстель Беранже-Апойль (Suzanne-Estelle Beranger-Apoil).

Женские аксессуары

На поясном портрете изображена сидящая вполоборота Императрица. Её рук не видно, так как фокус чётко направлен на лицо. Императрица носит синюю мантию, украшенную замысловатой каймой, и изображена без короны. В творчестве Лиотара есть много примеров, когда красный лак, который он использовал для таких переходов, потускнел и обнажил тёмно-коричневую штриховку, которая должна была просвечивать как тень, но теперь напоминает несколько странно незавершенный участок. Обработка телесных тонов и лица в частности показывает характерные черты работ Лиотара. Многочисленные портреты императрицы, сделанные Лиотаром, следует рассматривать в более широком политическом контексте. Смерть императора Карла VI в 1740 году оставила династию Габсбургов без наследника мужского пола, что привело к спорам с Пруссией, Саксонией, Баварией и Францией во время и после войны за австрийское наследство между 1740 и 1748 годами. Мария Тереза ​​наконец принесла мир в свою страну и считалась олицетворением Австрии. Следовательно, был большой спрос на портреты императрицы, особенно в Вене, на который Лиотар откликнулся наряду с другими художниками. Лиотар был первым в Вене между 1743 и 1745 годами и стал очень популярным художником при дворе Марии Терезии. Большинство портретов членов королевских династий Европы, написанных Лиотаром, изображают семью Габсбургов. В своей автобиографии Лиотар сообщает, что его приняли во дворе на следующий день после прибытия, когда он появился в османском костюме. На следующий день он встретил Марию Терезию, которая была в восторге от его картин. Лиотар попросил разрешения нарисовать её, и она согласилась. Он сразу добился успеха, хотя Вена после его долгого визита в Константинополь поставила художника в совершенно иное окружение.

Жан Этьен Лиотар (Jean Etienne Liotard). Портрет императрицы Марии Терезия. Вена. 1743–1745

Никола де Ларжильер (Nicolas de Largillierre). Портрет молодой дамы. 1714. Athony Verlaan. Jan van Haensbergen. XVII век

Фриц Майер ван ден Берг особенно интересовался портретами. Но он мог купить только один портрет XV века. Они редко появлялись на рынке. Женские портреты этого периода были еще реже. Граф де Гизард, один из посредников Фрица, сумел приобрести эту картину из коллекции Хошона в 1900 году в Париже за 1200 франков. Дама изображена наполовину на нейтральном лазурно-голубом фоне. У нее строгая одежда. Она носит фиолетовую верхнюю одежду поверх белой рубашки и своего черного тела. На ее лбу есть лобок, петля, обозначающая линию роста волос. Широкая повязка покрывает ее волосы. Сзади вы можете увидеть деталь завитка волос. Завершает прическу тонкая фата. Все внимание обращено на лицо дамы. Она идеализирована и изображена безмятежно с высоким выпуклым лбом, узкими серповидными ушами, закрытыми губами, темными глазами с широкими зрачками и светлым цветом лица. Никакой другой мотив не отвлекает наше внимание. Дама неизвестна. Картина также не подписана и не датирована. Отсутствует герб, девиз или другая геральдическая эмблема. Мы также в неведении относительно происхождения и назначения ее портрета. Самостоятельный портрет женщины в 15 веке - редкость. Обычно это было частью большего целого. Принадлежал ли этот портрет к другой картине с благочестивой сценой с Иисусом или Марией? Тогда руки нашей дамы будут сложены в молитве. Вместо этого мы видим белую гвоздику. Символ верности и земной любви. Белый цвет символизирует чистоту и целомудрие. Может быть, это свадебный портрет? Простая композиция без вычурного фона и скромная внешность женщины могут указывать на заказ среднего обеспеченного клиента. Каркас оригинален и расписан имитацией мрамора: чередующиеся зеленые и коричневые полупанели с иллюзионистски окрашенными стыками между ними и выступающей черной линией вокруг. Кажется, что мы видим даму через окно. Рама – это оконо, за которым она заняла место. Мрамор означает долговечность. Подражая этому, художник придает своей модели и, возможно, ее браку задуманное качество вечности. Фриц Майер ван ден Берг купил это панно как работу анонимного фламандского художника пятнадцатого века. Историк искусства Макс Фридлендер дал художнику экстренное имя: мастер легенды о Святой Урсуле. Благодаря такому экстренному названию этому мастеру по стилю можно было отнести и другие картины. После долгой детективной работы с архивами, в 2005 году художника можно было идентифицировать как мастера Питера Касенбрута из Брюгге, успешного и продуктивного художника. В этом портрете он соединил влияние своих земляков Яна ван Эйка, Ганса Мемлинга, а также Рогира ван дер Вейдена. Портрет выглядит изысканно, художник показывает себя одаренным колористом.

Питер Касенбрут (Pieter Casenbroot). Портрет дамы с гвоздикой. 1500

Дофин Франции, сын Франциска I. Жан Клуэ (Jean Clouet). 1520–1525

Лукас Кранах Старший (Lucas Cranach the Elder). Святые Екатерина и Варвара.  Первая половина XVI века.

Эти панно были написаны около 1380 года. Увлечение коллекционера Фрица Майера ван ден Берг (1858–1901) фламандскими примитивами сделало его в то же время чувствительным к работам, относящимся к предшествующему периоду стиля, так называемому доэйкскому реализму . Две панели "Антверпенско-Балтиморского квадриптиха" с изображением Рождества Иисуса и Воскресения со Святым Христофором на оборотной стороне являются абсолютными шедеврами того времени. Фриц Майер ван ден Берг приобрел их в 1898 году при покупке полной коллекции Карло Микели. Вместе с двумя другими панелями, хранящимися в Художественной галерее Уолтерса в Балтиморе, можно восстановить смысл ансамбля. На лицевой стороне серия гласит: Благовещение – Рождение – Смерть на кресте – Воскресение. Сцены изображают четыре основные идеи христианской веры: Бог стал человеком, родился от Девы Марии, умер на кресте и воскрес из мертвых на третий день. Воплощение и крестная жертва – часть божественного плана спасения. Отсюда присутствие Бога-Отца с сонмом ангелов наверху сегмента неба на четырех ставнях. На оборотной стороне представлено откровение божественной природы Христа Святому Христофору и Святому Иоанну Крестителю. Для этого периода характерен забавный повествовательный характер Рождественского вертепа. Вместо того чтобы смотреть на своего Младенца, Мария обращает внимание на Иосифа. Последний находится в переднем нижнем левом углу. С правого чулка он срезает повязки для Ребенка. Этим мотивом художник отсылает к реликвиям Иосифа Шозена, которые хранятся и почитаются в Ахенском соборе. Иосиф, полностью занятый домашними делами, буквально изображен здесь как приемный отец ребенка Иисуса. Без нимба и в покорной, заботливой роли он контрастирует с Марией, главной фигурой в тайне Воплощения Бога.

Неизвестный мастер. Рождение Иисуса и Воскресение (две панели "четверки Антверпен-Балтимор"). 1380

Аноним. Христофор (оборотная сторона "четырехугольника Антверпен-Балтимор"). 1380

Симеоне и Махилоне из Сполето (Simeone e Machilone da Spoleto ) – два художника, которые вместе работали в регионе Умбрия и Сиена в середине 13 века. С помощью надписей на панно с изображением Девы Марии с младенцем и распятием художников можно было назначить для работы. Всего 255 старых бельгийских франков или менее 6,5 евро. Фриц Майер ван ден Берг оплатил эту панель в 1898 году. В то время итальянская живопись XIII века до Джотто мало кого интересовала. Работа написана двумя художниками из Умбрии-Тосканы и изображает Марию с благословляющим Иисусом на коленях. Слева и справа четыре сцены из ее жизни: ее собственное рождение, благовещение, вознесение и рождение Иисуса. Обратите внимание на две колонны, которые отделяют среднюю часть от боковых частей. Они делают это произведение своего рода предшественником триптихов.

Симеоне и Махилоне из Сполето (Simeone e Machilone da Spoleto ). Богородица с Младенцем и четыре панно из её жизни, 1260–1275

Христос Триумфатор. Южные Нидерланды. Вторая половина XV века.

Анна втроём (Anna-te-drieën). Южные Нидерланды. Гент. 1500

Рождение Христа. Южные Нидерланды. Начало XVI века.

Подлинная рама, оригинал 1481 или 1488 года с указанием на Брюссель – это большая редкость для средневековой живописи. Поэтому Фриц очень обрадовался, когда в 1900 году на рынок поступила Млекопитательница Мария. По бокам рамы имеются петли, то есть, Богоматерь когда-то была центральной частью триптиха.

Богоматерь Млекопитательница. Рогир ван дер Вейден (Rogier van der Weyden), Брюссель, вторая половина XV века.

Рогир ван дер Вейден (Rogier van der Weyden). Филипп де Крой (Philippe de Croy). Брюссель. 1460

Один из экспонатов выставки – это тонко сотканный брюссельский гобелен с изображением Рождества Христова 1500 года. Он происходит из коллекции Фрица, который собирал ткани вместе со своей матерью Генриеттой. Приобретено более 200 штук. Покупка этого гобелена была прекрасной возможностью. Фриц заплатил всего 7500 франков вместо предполагаемых 12500. Ковер был продан на аукционе в Париже в 1893 году и поступил из коллекции известного коллекционера тканей Спитцера. После покупки Майер ван ден Берг поручил тщательно отреставрировать ковер в лучшей мастерской в ​​Схарбеке.

Рождение Иисуса. Брюссель. 1500

Мария с Младенцем. Мастер легенды о святой Луции. 1490–1510

Джованни Мартино Спанцотти (Giovanni Martino Spanzotti). Мария млекопитательница и музицирующие ангелы. 1490–1500

Мученичество святого Эразма. Южные Нидерланды. 1500

Антонелло да Мессина (Antonello da Messina). Голгофа. Венеция. 1475

Амброзиус Бенсон (Ambrosius Benson). Святой Иероним. Первая половина XVI века.

Мария с Младенцем на троне. Мастер легенды о Марии-Магдалине. 1490–1500

Антуан де Лойе (Antoine de Lonhy). Рождение Христа. 1460–1470

Рождение Иисуса. Мастер Юго–Западной Фландрии. 1515–1530

Поклонение волхвов. Брюгге. Последняя четверть XV века.

Коронация Марии. Мастер ризницы в Кауфбойрене (Kaufbeuren). Германия, конец XV века.

Елизавета Венгерская и Маргарита. Мастер ризницы в Кауфбойрене (Kaufbeuren). Германия, конец XV века.

Ангел, играющий на арфе. Виллем Бенсон (Guilliame Benson). Брюге. Середина XVI века.

Мастер женских полупортретов. Мария Магдалина. Антверпен. Первая половина XVI века.

Мария на смертном одре (фрагмент ретабля). Мастер Амьена. Антверпен. Первая четверть XVI века.

Ангел Гавриил – посланник Бога, возвещает Марии о рождении Иисуса. Сцена, согласно средневековому обычаю, происходит в спальне Марии. Белые лилии на переднем плане символизируют Марию и указывают на её чистоту.

Рогир ван дер Вейден (Rogier van der Weyden). Благовещение.

Бегство в Египет. Антверпен. 1510–1515

Мария Магдалина. Ян Госарт (Jan Gossart ). XVII век.

Монументальный алтарь Квинтена Массиса (1465 / 1466-1530) был приобретён в обмен на новую крышу. Такова история покупки этой картины антверпенским коллекционером Фрицем Майером ван ден Бергом (1858–1901). Настоятель церкви Пресвятой Богородицы в Берген-оп-Зом (Нидерланды) в конце девятнадцатого века нуждался в новой крыше. Чтобы получить необходимые финансовые средства, он продал этот триптих. Фриц Майер ван ден Берг купил прекрасную Голгофу 22 августа 1897 года через посредника за 2000 старых бельгийских франков. Триптих изображает распятие Христа на Голгофе. Драма ощутима через эмоции, которые проявляют свидетели смерти Иисуса на кресте. Иоанн смотрит на крест, заламывая руки. Мария Магдалина опускается к подножию креста, а Мария, складывая руки на груди, остается замкнутой. Позади неё роняет слёзы Мария Клеофа. Группа Голгофы известна по более старым, сопоставимым распятиям, на которых Мария часто падает в обморок в таких сценах. Триптих показывает, как Массис гармонично сочетает черты фламандских примитивов с новаторской живописью итальянского Возрождения. Город Иерусалим изображён на широком открытом пейзаже. Позади него вид, который простирается на трёх панелях, залит туманным светом: эта так называемая "атмосферная перспектива" была новинкой в ​​ландшафтном искусстве южных Нидерландов во времена Масси. Неизвестны донаторы на боковых панелях. Их имена можно предположить только благодаря святым, которые им помогают: слева Иероним в одежде кардинала, справа Святая Мария Египетская. Донаторами могли быть жители Бергена-оп-Зума, где панно висело долгое время и где его также купил Фриц Майер ван ден Берг. Когда Квинтен Массис прибыл в Антверпен около 1500 года, город быстро превращался в самый главный центр искусств в Нидерландах. Здесь поселилось множество художников, привлеченных международным арт-рынком. Сам Массис, "отец антверпенской школы живописи", стал почти легендарной фигурой. Этот триптих свидетельствует о высоком художественном мастерстве Массиса. Существует несколько вариаций центральной панели, в том числе в Национальной галерее Канады (Оттава) и Национальной галерее (Лондон). Работа из собрания музея Майера ван ден Берга является наиболее известной и старейшей в серии и поэтому выполняет важную связующую функцию.

Квинтен Метсейс (Quinten Metsys). Голгофа и два донатора. Антверпен. 1500

Мастер легенды о Магдалине. Мария с Младенцем, Екатериной и Варварой. Брюссель. 1500

Эти святые женщины в их позолоченном алтаре происходят из коллекции Микели, которую Фриц Майер ван ден Берг купил в Париже в 1898 году. В средние века большие алтари стояли в церквях. Позже состоятельные люди заказывали небольшие алтари для своих домов или частных часовен. Владелец этого ретабло выбрал очень прекрасные образцы. Мария, мать Иисуса, конечно, самая важная святая. Варвара (справа) и Екатерина (слева) – ранние христианские мученики: женщины, заплатившие за свою веру своей жизнью. Обойщики красили их одежду, напоминающую парчу. Потом была позолота ... Над боковыми панелями работал неизвестный художник. Слева мы видим Марию Магдалину, апостолку, справа Агнес, мученицу. На тыльной стороне боковых панелей изображены гербы покровителей, соединенные любовным бантом.

Мария с Младенцем, Мария Магдалина, Агнес, Екатерина и Варвара

Между 1505 и 1530 годами самой популярной темой триптихов в Антверпене было поклонение волхвов новорожденному Иисусу. Благодаря высокому спросу художественные студии смогли изготавливать их серийно. Слева стоит поразительно молодой Иосиф, посередине старейший мудрец преклоняет колени перед Марией, а второй царь стоит позади него. Справа приближается молодой король мавров и его свита. Обратите внимание на яркую или даже экстравагантную одежду: художник был так называемым "антверпенским маньеристом". Это самая дорогая картина, которую когда-либо приобретал Майер ван ден Берг: он купил её в 1891 году за 14 500 бельгийских франков (примерно 360 евро). Со своим интересом к антверпенскому маньеризму он опередил свое время.

 Мастер Хугстратена (окрестности). Поклонение вохвов. 1520

 Неизвестный художник. Рождение Иисуса, Благовещение и Гедеон. Южные Нидерланды. 1475–1499

Это произведение представляет собой диптих небольших размеров. У него интимный характер, и он должен был висеть где-нибудь, куда не приходили посетители. Заказчик, Кристиан де Хондт, изображён на правом крыле. Он был аббатом цистерцианского аббатства Тер Дуинен с 1495 по 1509 год. Кристиан де Хондт стоит на коленях в своей спальне. Такой же диптих можно различить на заднем плане. Левая панель является копией Яна ван Эйка и на ней изображена Мария, стоящая в здании церкви. Своим присутствием она наполняет всю церковь. Христос изображен очень маленьким и выглядит уязвимым. Мария одета очень богато, её голова увенчана массивной короной. Также присутствуют многочисленные символы. Реберный свод повторяет драпировку мантии Марии, выпуклые складки напоминают колонны. Ваза с цветами подчеркивает ее девственность. Дверь символизирует врата небесные и, таким образом, относится к Марии как к посреднице: через неё Бог мог стать человеком, и, наоборот, человек может войти в Царство Божье через её заступничество. Падающий свет указывает на то, что это небесное изображение: поскольку хор церкви всегда ориентирован на восток, солнце здесь должно быть на севере.

 Диптих Кристиана де Хондта (Christiaan de Hondt), аббата Тер Дуинена

 Диптих Кристиана де Хондта (Christiaan de Hondt), аббата Тер Дуинена (обратная сторона)

Христофор – покровитель шкиперов, паломников и путешественников. Согласно легенде, он помогал путешественникам пересечь бурную реку. Христофор был настолько большим, что мог легко нести людей всех на своих плечах. Однажды он увидел ребёнка, которому тоже нужно было перейти реку на другую сторону. Работа вроде бы лёгкая, но во время перехода ребенок внезапно стал невыносимо тяжелым. Когда Христофор наконец перешёл на другую сторону, ребенок сказал ему, что он только что перенёс Христа со всеми грехами мира. 

Триптих Мастера Святых фигур. Христофор, Антоний, Иероним (триптих). Брюгге. 1510-1520

Джан Мертенс ван Дурник (Jan Mertens van Dornicke).
Рождение Иисуса, Поклонение волхвов и Представление в храме (триптих). Антверпен. 1520

Поклонение волхвов. Мастер Поклонения в Антверпене. 1519

Богоматерь Млекопитательница (Мария кормящая).
Мастер легенды о Магдалине. Брюссель. 1490–1500. Ганс Мемлинг (Hans Memling). Брюгге. 4-я четверть XV века

Праздник Ирода. Хуан де Фландес. Испания. 1496–1499

Мужской портрет. Михель Зиттов (Michiel Sittow). Конец XV, начало XVI веков.

 

 

 

 

 

 

В Золотой век голландская буржуазия любила демонстрировать свое процветание. Шикарные семейные портреты захватывает новый, богатый средний класс. В групповых портретах выражается приобретенное богатство, а также чувство родительской гордости за потомство и привязанность между супругами. Мейндерт Сонк (Meyndert Sonck), мужчина слева, был мэром голландского провинциального городка Хорн. Здесь изображена его семья в виде ряда строгих фигур, стоящих рядом друг с другом, и всё внимание уделяется деталям богатой одежды, в которую одеты дети: жена Агата ван Нек, держащая веер, и пятеро их детей. Младшая дочь сидит сзади, на руках у няни. Неслучайно единственный сын Альберт стоит рядом с отцом (позже у пары родился шестой ребенок.). Как мы на самом деле узнаем, что Альберт мальчик? В XVII веке мальчики носили платья до шести или семи лет. Мы можем сказать, что это мальчик, по его шляпе с перьями, его немного более угловатому воротнику, как у его отца, и медали на цепочке, которая по диагонали висит на его груди. Последний орнамент был исключительно для мальчиков.

Ян Альбертс Ротиус (Jan Albertsz Rotius). Мейндерт Сонк (Meyndert Sonck) с женой и детьми. Хорн, 1662 г.

Фриц Майер ван ден Берг купил портреты Маргареты Риччен (Margareta Riccen) и её мужа Адриана ван Бредехоффа (Adriaen van Bredehoff) непосредственно у семьи Бредехофф в Утрехте в 1897 году. Он их купил вместе с четырьмя другими портретами, все из которых, кроме одного, связаны друг с другом и показывают двух богатых сводных братьев Хорн и их семьи. Прекрасный портрет Маргареты Риччен принадлежит Яну Митенс (Jan Mijtens), одному из самых известных и плодотворных портретистов Гааги своего времени. Митенс происходит из семьи художников в Гааге и научился ремеслу у своего отца Исаака. Маргарета привлекает внимание своим взглядом и бледным лицом. Но прекрасный эффект ее одежды, украшений и прически не оставляет сомнений: эта дама происходит из обеспеченной семьи. Портрет Маргареты – типичный образец буржуазного стиля Митенса. Она изображена в современной, богатой и модной одежде с драгоценными украшениями. На молодой женщине черное платье с подкладкой поверх красной нижней юбки, переплетенной серебряной нитью. Вдобавок к этому у нее декорированный вручную воротник, который, по последней моде, способствует тонкой линии плеч. Рукава платья, разрезанные спереди, обнажая майку, скреплены красивыми бантами, немного ниже локтя, из множества полос узкой ленты. Именно это украшение женской и детской одежды можно увидеть с конца 1650-х годов. Волосы Маргареты частично зачесаны назад и скреплены шиньоном, а локоны по бокам ее головы ниспадают от висков к плечам. Верные посетители музея Майер ван ден Берг иногда называют Маргарету фламандской Моной Лизой. Слева от Маргареты вид на пейзаж с водопадом, который можно метафорически интерпретировать как символ чистоты, излюбленный образец женских портретов. Маргарета Риччен была дочерью Фредерика Риччена, члена двора Голландии и офицера Пурмеренда. В 1657 году она вышла замуж за Адриана ван Бредехоффа. Его портрет был написан годом позже, в 1659 году, Яном Альберцем Ротиусом (Jan Albertusz Rotius) написал копию этого произведения. Обычно подвесные портреты делает один и тот же художник. В этом случае клиент выбрал другого исполнителя. Возможно, потому, что Ротиус ранее изображал первую жену Адриана ван Бредехоффа. Ротиус отклоняется от композиции и фона портрета Маргареты. Ван Бредехофф стоит на темном ровном фоне и изображён в полтора раза крупнее Маргареты. Возможно, Ротиус получил размеры только для портрета Ван Бредехоффа и не видел портрет Маргареты Риччен.

Ян Митенс (Jan Mijtens), Портрет Маргареты Риччен (Margareta Riccen), 1658 г.
Ян Альбертс Ротиус (Jan Albertusz. Rotius). Портрет Адриана ван Бредехоффа (Adriaen van Bredehoff), 1659 г.

В 1625 году любой, кто смог заказать портрет своей семьи у известного антверпенского художника, был богат. Йорис Векеманс (Joris Vekemans) именно так и поступил. Он был богатым антверпенским бизнесменом. Его семья вместе с ним были изображены на шести картинах. Пять из них можно увидеть в музее. Портреты составлены по два: Йорис и его жена Мария составляют одну пару. Мария пережила мужа на сорок лет. Затем дети: четырех- или пятилетний Франс и его сестры Элизабет и Корнелия. Ян – старший сын. Вторая девушка рядом с Яном, но этой работы нет в собрании музея. 

Корнелис де Вос (Cornelis de Vos). Портрет Йорис Векеманс (Joris Vekemans) и Марии ван Гиндердерен (Maria van Ghinderdeuren). 1625

Фигуры каждой пары портретов принимают одну и ту же позу. Фоны совпадают и художник использовал аналогичную палитру. Взгляните на портрет Элизабет Векеманс или её сестры Корнелии. Она смотрит на нас одновременно гордо и застенчиво. Ей должно быть около восьми лет, и она показана в полный рост; это очень необычно для детского портрета. На заднем плане видно, что работа не закончена, и её стильное платье также немного бегло раскрашено. Вероятно, это связано с тем, что отец, Йорис, заказавший работы, умер в 1625 году, когда художник был ещё занят работой над портретом. Элизабет умерла через три года; ей тогда было одиннадцать. Корнелис де Вос не был обычным художником: он работал с Рубенсом и другими художниками, но, прежде всего, был одним из самых известных портретистов Антверпена, в том числе детских. Де Вос даже стал мастером профессионального объединения художников – Гильдии Святого Луки.

Корнелис де Вос (Cornelis de Vos). Портреты детей из семьи Векерманс-ван Гиндердерен (Vekemans-van Ghinderdeuren). 1625

Это один из трех больших семейных портретов в этой комнате. Все трое демонстрируют значительную вариативность жанра в один и тот же период, когда голландские семьи всё чаще можно было увидеть на открытом воздухе, как в данном случае: это примерно 33-летний Виллем ван дер До из Гааги, который позже стал мэром своего города вместе со своей жена Вильгельминой ван ден Хонерт и их семеро детей. Старшему ребенку, Джейкобу, девять лет, он стоит справа с собаками. Некоторые из вещей, которые носят члены семьи, причудливы, но их прически модны для того времени. Художник Йоханнес Мийтенс написал десятки семейных портретов в пейзажной обстановке.

 Йоханнес Митенс (Jan Mijtens). Виллем ван дер До (Willem van der Does) с женой и детьми. Гаага, 1650 г.

Семейный портрет с более фантастическим уклоном, на котором родители и дети изображены героями легендарного рассказа, а представление реальности уступает место живописному эффекту барочной композиции.

 Кристиан ван Кувенберг (Christiaen van Couwenbergh). Аллегорический семейный портрет. Делфт, 1642

Портрет голландского художника Золотого века Йоханнеса Митенса (Johannes Mytens) стройной молодой женщины, предположительно Маргареты ван Раэфорст (Margaretha van Raephorst), жены голландского адмирала Корнелиса Тромпа (Cornelis Tromp), одетой как Диана, богиня охоты.

Портрет дамы из Гааги в образе Дианы (Якоба ван Орлиен). Йоханнес Митенс (Johannes Mijtens). Гаага. XVII век.

Неизвестный художник. Двойной портрет мальчика и девочки. 1600

Ян Баптист Веникс (Jan-Baptist Weenix). Папийон и мертвая птица. Амстердам. XVII век.

Охотничий натюрморт Сэмюэля Хофманна (Samuel Hofmann). 1642–1644

В воскресенье утром мы любим свежие булочки и кофейные пирожные. Их с большим мастерством готовят в пекарне, где они на прилавке с раннего утра. Раньше было иначе. На этом портрете изображен пекарь XVII века, трубящий в рог. В то время все семьи сами замешивали хлебное тесто и относили его пекарю. Он пёк буханки хлеба в большой печи. Когда булки были готовы, пекарь громко трубил в рог. Это был сигнал забирать хлеб!

Кристиан ван Кувенберг (Christiaen van Couwenbergh). Пекарь, трубящий в рог. 1650

Коллекция живописи содержит прекрасное фламандское барокко "Поклонение пастухов" (ок. 1618 г.) Якоба Йорданса. Йорданс был безусловно самым долгоживущим художником из трёх великих мастеров Антверпена: Рубенса, Ван Дейка и Йорданса. Будучи протестантом, он заполнил свои религиозные и мифологические сцены обычными людьми, как в "Поклонении пастухов", около 1618 года. Йорданс использует сильный свето-теневой эффект, когда ребенок видится в полном свете. Поразительно, что среди пастухов есть и пастушки. Это реалистичные персонажи, включая детское личико самого Христа.

Якоб Йорданс. Поклонение пастухов. 1618

Есть много исторических картин, которые представляют собой сюжеты с рассказами. Они могут быть как из Библии, так и из классической мифологии. Классическая античность, в частности, давала возможность показать поразительное количество обнаженных тел, женских и мужских. Ведь эти произведения служили и для назидания, и для развлечения. Майер ван ден Берг купил у Жерара де Лересса: Венера дарит оружие Энею, сцена из греческой мифологии. Венера – очаровательная белокурая молодая женщина, которая парит над своим сыном Аэном, когда она показывает ему его новое оружие, сделанное её мужем Вулканом, богом огня. 

Герард де Лересс (Gerard de Lairesse). Венера передает свое оружие Энею. 1668

Тема "фавн (или сатир) и нимфа" популярна в искусстве с древних времен. Он располагается в дионисийской атмосфере выпивки, мужской смелости и похоти. Его также часто представляли в период барокко. Это пример из мастерской Рубенса, где дома висело несколько сцен Бахуса. Фавн – персонаж из древней мифологии, получеловек и полукозел. Фавны жили в сельской местности и в лесах, часто в компании пастухов и их животных. Также они входили в разношёрстную свиту бога Диониса (или Вакха). Нимфы, в свою очередь, были мифическими молодыми женщинами, которые жили в воде, в лесах и в сельской местности. Они составляли компанию богам и богиням, и в мифах они переживали любовные приключения, желаемые ими или нет, с богами, иногда также с человеческими мальчиками и такими существами, как Пан, Приап, сатиры и фавны. Нимфы часто символизируют плодородие. Это тема также из мастерской Рубенса, о чём свидетельствует богато заполненная корзина – сама по себе натюрморт. Обнажённый бородатый фавн сжимает корзину, а робко краснеющая и в то же время озорная нимфа держит виноградную лозу. Может, она его дразнит. Фавн слегка склоняет голову и смотрит на зрителя. Кто говорит виноград, тот говорит вино, и мы получаем в итоге древнего бога вина Диониса. Виноград также символизировал девственность и плодородие одновременно, в зависимости от контекста. Если совместить жест нимфы с наводящим взглядом фавна, становится ясно, каков мотив этой работы: отсылка к плотской и эротической похоти, телесным дионисийским удовольствиям. Мифологические фигуры со всеми их ассоциациями представлены здесь как люди из плоти и крови. В мастерской Рубенса было изготовлено не менее двадцати копий этой сцены. Версия в Вене (коллекция Шенборн-Буххайм) проходит за оригинал. Если это правда, то данная работа в мастерской послужила образцом. Тот же фавн (или сатир) появляется и в других произведениях Рубенса. Некоторые исследователи предполагают, что Франс Снайдерс был ответственен за покраску корзины и её содержимого. Известно, что сам художник украсил свой дом на Ваппере, в том числе, вакхическими сценами. Они отдали дань жизненной силе природы – необходимому условию человеческого счастья. В этом смысле такие картины – ода жизни, любви и плодородию. Похоже, это было их более глубоким значением для художника-гуманиста, такого как Рубенс.

Фавн и нимфа (Faun and nymph). Мастерская Питера Пауля Рубенса. XVI век

XVII век был золотым веком натюрмортов и Антверпен не стал исключением. Такие художники, как Ян Брейгель I, Франс Снейдерс, иезуит Даниэль Сегерс и менее известные, но высоко ценимые в свое время, Авраам Миньон создавали богатые, виртуозные и пышные сцены с яркими цветами. В центре внимания были цветы и виноград, а второстепенные роли исполняли различные фрукты и маленькие животные. Натюрморты в первую очередь демонстрируют, насколько искусно художник изобразил действительность. В то же время они обманчивы, потому что они однозначно искусственны. Например, у многих нарисованных букетов цветы не распускаются в одно и то же время года.

Виноград в нише. Авраам Миньон (Abraham Mignon). Утрехт. Вторая половина XVII века

Ян Филипп ван Тилен (Jan Filips van Thielen) и Ян Эйкен (Jan Eykens).
Цветочная гирлянда и картуш вокруг портретного бюста Великого Конде (Le Grand Condé).

Ян Альбертс Ротиус (Jan Albertsz Rotius). Портрет Мейндерта Сонка (Meyndert Sonck). 1643

 Питер Пауль Рубенс. Портрет Елизаветы де Бурбон

Говерт Флинк (Govert Flinck). Портрет мужчины. Антверпен. 1654

Адриан ван Остаде (Adrian van Ostade). Боевая крестьянская компания. Харлем. XVII век.

Питер Симонс Поттер (Pieter Symonsz. Potter). У сельского хирурга. Амстердам. 1633

Давид Младший Тенирс (David Teniers II). Искушение святого Антония. Антверпен, середина XVII века.

Последователь Питера Пауля Рубенса. Праздник Ирода. Антверпен. XVII век.

Последователь Питера Пауля Рубенса. Иов на куче навоза. Нидерланды. 1650

Порт Антверпена и рынок. Антверпен. 1600

Карл Брейдель (Karel Breydel). Грабёж крестьянского подворья. 1710

Франс Франкен Старший (Frans Francken I). Свадьба готовится к танцу. Конец XVI – начало XVII века.

Питер Баут (Pieter Bout). Деревенская ярмарка. Брюссель. конец XVII – начало XVIII века.

Такой ретабло был коллективной работой, и многие мастера работали вместе. Плотник сделал алтарь из дуба, резчик по дереву вырезал украшение. Отдельные статуи из ореха серийно производились в Мехелене. Так что покупатели могли выбирать своих любимых святых. Их одежду красил драпировщик. А потом был позолота. 

Богоматерь с Младенцем, Екатарина, Варвара, Мария Магдалина и Агнесса. Мехелен. 1500

Это оборотная сторона картины. Она показывает скрытую историю её создания. Вы можете увидеть структуру дерева и то, как панель закреплена в раме, а также отметки или другие следы, которые раскрывают что-то о "жизни" произведения искусства. Обычно задняя часть предназначена только для музейных работников. Но вы тоже можете полюбоваться оборотной стороной. Над боковыми панелями работал неизвестный художник, нанесший на обратную сторону гербы меценатов. Таким образом, этот запрестольный образ представляет собой комбинацию индивидуальной и серийной работы.

Вутренняя сторона ретабло

Оплакивание Христа (Пьета). 1455–1459
Мастер искупления Прадо (псевдоним Вранке ван дер Стокт / Vrancke van der Stockt) или мастерская.

В XVI-XVII веках пошлые и плутовские застолья были не только привилегией крестьян. Их также украшали галантными сценами, воспевающими плотские удовольствия. Вначале художники связывали эти изображения с "блудным сыном" в библейском контексте. На заднем плане часто можно было видеть деликатные сцены. Картина "Притча о блудном сыне", приписываемая Франсу Поурбусу, является прекрасным примером такой "галантной сцены".

Притча о блудном сыне. Франс Пурбус Старший (Frans Pourbus I)

Питер Артсен (1507 / 1575) – недооцененный художник, который заново изобрёл натюрморт и жанровую живопись во время рисования. Возможно, он основывался на произведениях художников классической античности. Полный сатиры, он показывает людей, гуляющих в повседневной жизни. С иронией и насмешкой над собой он показывает зеркало общества XVI века. На передний план Артсен ставит своих монументальных и реалистично изображенных крестьян. Они предаются наслаждению едой и питьем. Питер Брейгель Старший поднимает эту тему в своих более поздних крестьянских сценах. На переднем плане Аэрцен представляет компанию у костра. Справа – на стуле с тремя ножками "смотрящий за кувшинами", пресловутый пьяница. Старик удрученно смотрит в свою пустую кружку. Он откидывается на накрытый стол. С его пояса свисают меч и нож. Справа от него склоняется молодая женщина. В правой руке она держит черпак и сжатый кулак левой руки на уровне ножа своего соседа. Молодой человек сзади обнимает её за талию. Под молодым человеком с бумажной короной спереди слева подпись и дата: P (трезубец) A – 17 апреля 1556 года. Питер Аэрцен так гордился этой работой, что даже увековечил день, когда он ее завершил. Это уникально. Продукты питания выставлены по всему интерьеру. Сыр, хлеб, вафли и выпечка на столе и на прилавке перед входом, мясо на вертеле, колбаса, пустые ракушки из мидий, несколько бутербродов и чайник для жира на чайнике на первом этаже, морковь, пастернак и сыр на настенная полка сзади. Кухня и посуда состоят из тарелок, кувшинов и стаканов. Спереди – корзина с дровами, привязанная к ней, а дальше – стопка брёвен. Птица в клетке висит на внешней стороне открытой двери рядом с камином. Мы видим зелёный цветущий пейзаж. Две пары идут сзади рука об руку через открытое крыльцо. Некоторые элементы картины указывают на распутное поведение. Птичья клетка у двери говорит о том, что мы находимся в борделе. Жесты большинства персонажей также предполагают вожделение: крестьянская девушка тянется к "ножу", рука молодого человека лежит у неё на коленях, женихи подходят к борделю. Окрашенные продукты являются либо афродизиаками, такими как морковь и пастернак, либо, как кухонная утварь и другие предметы, они относятся к соответствующим мужским и женским гениталиям, таким как меч и нож, сосиски, булочки, раковины мидий, кувшины и корзины или даже прямо к половому акту, как мясо на вертеле. Поразительно центральное место, которое занимает горничная. Её окружают трое мужчин разного возраста. Это может быть аллегорическое изображение трёх эпох. Карнавальная корона и барабан, подвешенный к стене сзади, символизируют глупое поведение. Картина явно имеет моральное значение. Это визуальный аналог письменной сатиры гуманистов. "Похвала глупости" Эразма – самый известный ее вариант. В этом жанре в развлекательной форме обсуждались вопросы морали. Картина Аэрцена, вероятно, была заказана или куплена богатым представителем среднего класса или гуманистом. Она отлично подойдет в качестве украшения столовой в городском или загородном доме. Во время "идеального банкета" хозяин и его компания, вероятно, смеялись над стереотипным крестьянским поведением сельских жителей. Они, несомненно, чувствовали своё превосходство как представители буржуазии. В этом отношении картина определила и укрепила их классовую идентичность. Раскрашенная сатира также побуждает к саморефлексии: предостерегает от обжорства и алкоголизма, глупости, неумеренного и аморального поведения.

Питер Артсен (Pieter Aertsen). Крестьянская компания у камина, 1556 г.

Фриц Майер ван ден Берг приобрел эту рождественскую кроватку как часть коллекции Micheli из Парижа. Он исследовал и обнаружил, что это была рождественская кроватка. Монахини, особенно в Нидерландах, использовали их во время рождественских праздников, чтобы молиться и медитировать. Сестры установили кроватку в хоре своей церкви и поместили в нее куклу Иисуса. Чтобы пробудить в них любовь к Младенцу Христу, они раскачивали кроватку. Внизу зазвенели серебряные колокольчики. Напоминание о песне ангелов при рождении Христа. В этой кроватке под богато расшитым одеялом лежала серебряная кукла. Она утрачена. У горожан иногда также были рождественские детские кроватки. Башня-ретабло с младенческим циклом – одно из редких сохранившихся башенных ретабло, созданное неизвестным художником, знакомым с искусством южных Нидерландов в конце XIV века. Майер приобрел это произведение в 1898 году, когда он купил полную коллекцию коллекционера и реставратора Карло Микели в Париже. По словам более раннего владельца XIX века, он стоял в картезианском монастыре в Шампмоле недалеко от Дижона, замке бургундского герцога Филиппа Смелого, где также находилась герцогская погребальная часовня. Доказательств этого нет, но ясно, что ретабло башни было сделано для самых высоких кругов. На это указывает дорогое и технически сложное исполнение, как росписи, так и декоративных мотивов. Работа входит в список шедевров фламандского сообщества. Высота почти 1,5 метра. Башня может покинуть музей только в исключительных случаях и с разрешения фламандского сообщества. 

Выставочный зал

Неизвестный художник. Дижон. Башня с циклами младенчества. 1395-1400

Интригующий шедевр позднего средневековья – главная изюминка коллекции музея. Мадонна в окружении Серафимов и Херувимов, написанная французским придворным художником Жаном Фуке в середине XV века, выглядит удивительно современно. Работа была заказана Этьеном Шевалье, казначеем французского короля Карла VII. Фуке представляет Деву Марию как Царицу Небесную, превознесённую Богородицу. Необычное, интенсивное использование цвета и смелое изображение делают картину завораживающей. Мария сидит на троне строго и неподвижно. Её окружают девять ангелов. Три синих херувима олицетворяют чистоту и воздух, шесть красных серафимов – любовь и огонь. Мария одета в аристократическом стиле XV века. Плащ и корона подчеркивают её величие. Узкая талия подчеркивает её полную обнаженную грудь, что придает картине почти эротический оттенок. Агнесса Сорель, вероятно, была прообразом для Мадонны. Любовница и советница Карла VII была известна своей красотой. Кормящая Мадонна, Сорель смогла воплотить преобладающий идеал красоты. Мадонна в окружении Серафимов и Херувимов – одно из двух панелей Диптиха Мелун – одного из лучших произведений Фуке. Левая панель сейчас находится в Gemäldegalerie в Берлине. На ней в деловой, острой как бритва манере изображены двое сдержанных мужчин. Один из них – заказчик работы: Этьен Шевалье, казначей французского короля Карла VII. Его сопровождает святой покровитель Стефан, первый христианский мученик. Фуке нарушил традицию изображать Мадонну чувственной и модной женщиной. Характерные черты – стеклянная отстраненность и отсутствующий взгляд, который он придавал своим фигурам. Ребёнок на коленях, кажется, совершенно не интересуется её грудью, и Мария на самом деле не намерена его кормить. Младенец Христос сосредоточен на другом. Он указывает на второе крыло диптиха, а точнее на покровителя художника, Этьена Шевалье, словно говоря матери: "Этот человек заслуживает места на небесах. Вы замолвите за него словечко?". Красные и синие ангелы в Мадонне в окружении Серафимов и Херувимов типичны для итальянской живописи XIV-XV веков. Другими словами, их цвет – это не "изобретение" самого художника, а устоявшийся для того времени способ изображения. Синий и красный также были цветами муниципального герба Парижа, в то время как белый символизировал королевскую семью. Более того, поверх платья Мария носит плащ из горностая – королевского меха. Таким образом, картина имеет и политическое измерение, как прославление Франции и её монархов.

 Дева Мария с Младенцем в окружении серафимов и херувимов. Правая створка Меленского диптиха. 1450

Этот диптих имеет высоту всего 9 см, а возраст – более 400 лет. На нём изображена супружеская пара из высшего сословия. Но их личность неизвестна. Возможно, покровителями были не сами изображённые люди, а кто-то из их близких родственников, ведь небольшой размер было легко взять с собой в поездку. Каждый портрет заключён в позолоченную рамку. Створки можно закрыть, и тогда они примут вид книжки.

Мастер портретов Бенсона, Портрет мужчины и его жены. 1540–1545

В промежуточной комнате висят прекрасные натюрморты, в том числе Авраама Миньона (Abraham Mignon), Даниэля Сегерса (Daniël Seghers) и Корнелиса Маху (Cornelis Mahu), которые близки к всемирно известным работам гарлемского мастера Виллема Хеды (Willem Heda). В то время были созданы многочисленные картины. Жанр любили, потому что он был красивым и возбуждающим, а также моралистическим: почти всегда речь идёт о непостоянстве или о том, чтобы напомнить, что изобилие вредно. К тому же натюрморты были дешевле пейзажей или портретов. Эти мастера Золотого века хотели сделать так, чтобы различные материалы сияли как можно реальнее. Лучшие работы этого жанра до сих пор встречаются на современных фотографиях из поваренных книг.

Хендрик де Фромантью (Henri de Fromantiou. Натюрморт с персиками, грецкими орехами, мышью и венецианским бокалом для вина, после 1661 года.

Сочетание особых, часто экзотических блюд с изысканнми драгоценными стеклянными предметами или посудой. Важно воспроизвести это как можно более "реально" в гармоничной композиции. Это задача художника-натюрморта. Хендрик де Фромантью из Гааги уникальным образом изобразил это на этой небольшой картине. Она отражаат богатство буржуазии, для которой была создана. Но часто натюрморт наполняют аллегорическими символами, потому что независимо от того, насколько люди богаты, неизбежно наступит упадок. Устрицы в меню многих любителей. Они считаются выдающимся афродизиаком. Казанова назвал их "стимулятором ума, чувств и любви". 

Хендрик де Фромантью (Henri de Fromantiou. Натюрморт с устрицами, хлебом и венецианским винным бокалом. 1661

Эта картина Иоахима Патинира (Joachim Patinir) показывает мир в небольшом формате. Художник сочетает скалы Арденн с деревней Брабант, туманное итальянское побережье и вдалеке альпийские вершины. Крутые скалы перед пещерой – место проживания духовного отшельника Святого Иеронима. Патинир всегда работает с высоким горизонтом. Он часто рисует причудливые скалы, напоминающие его родной регион недалеко от Динанта.

Скальный пейзаж со святым Иеронимом. Иоахим Патинир (Joahim Paninir). Антверпен. Первая четверть XVI века.

Герард Давид (Gerard David). Отдых во время бегства в Египет. Конец XV века.

Лукас ван Фалькенборх (Lucas van Valckenborch). Вид на Хай из Ахина. Последняя четверть XVI века.

Херри мет де Блес (Herri met de Bles). Пейзаж со Христом и путниками в Эммаус. Середина XVI века.

Этот серьезный молодой человек выглядит воспитанным, спокойным, достойным и надежным. Портрет без изысков и хвастовства. В XVI веке больше не было необходимости в религиозных сценах, как в прошлом. Мужчина хочет, чтобы его имидж говорил сам за себя. И это было очень успешно, потому что список слишком мал для его Эго, он так застенчиво смотрит на Вас!

Мартен ван Хемскерк (Maarten van Heemskerck). Портрет мужчины. Середина XVI века.

Квентин Массейс (Quinten Massijs). Святая Мария Магдалина. Антверпен. 1514–1524

Квентин Массейс (Quinten Massijs). Питер Гиллис (Pieter Gillis). Антверпен. 1517

Маринус ван Реймерсвале (Marinus van Reymerswale). Городской сборщик. Первая половина XVI века

Выставочный зал

Эта всемирно известная работа в виде монументальной статуи была вырезана незадолго до 1300 года мастером Генрихом фон Констанцем (Heinrich von Konstanz)  для доминиканского монастыря в Санкт-Катариненталь в Швейцарии. Статуя Христа и его молодого апостола Иоанна в натуральную величину показывает особенно интимный момент. Учитель и ученик – Бог и человек – как бы слиты воедино. Складки мантий ещё больше усиливают это единство. Апостол Иоанн кладет голову на грудь Иисусу и вкладывает правую руку в руку своего Учителя. Иисус обнимает Иоанна за плечи. Эта спокойная, эмоциональная группа статуй прекрасно показывает, что Иоанн был любимым апостолом Христа.

Генрих фон Констанц (Heinrich von Konstanz). Христос и святой апостол Иоанн Богослов. 1280–1290

Два ангела с подсвечниками. Клеве, начало XV века.

Святой Георгий на коне. Клеве-Гельре. Конец XV века.

Святая Луция. Хендрик Доуверман (Hendrik Douverman). Клеве-Гельре. 1515-1525

Святой Лука. Германские Нидерланды. Первая половина XVI века.

Святая женщина. Мастер из Сотербека. Северный Брабант. 1470–1480

Иов. Клеве-Гельре. 1510–1520

Молодой человек в доспехах. Нидерланды. 1520–1530

Святой Рох. Клеве-Гельре. 1490–1495

Святая Сивилла. Северный Брабант. 1525–1530

Даниэль Маух (Daniel Mauch). 1530
Мученичество Святой Екатерины. Погребение Екатерины ангелами (съемные ставни).

Пленение Христа. Христос перед Пилатом. Париж. 1-я четверть XIV века.

Представление в храме. Въезд в Иерусалим. Христос в масличном саду. Франция. 1-я четверть XIV века.

Бегство в Египет. Франция. 2-я четверть XIV века.

Избиение младенцев в Вифлееме. Франция. 1-я половина XIV века.

Эпитафия Филиппа де Мезьера (Phillippe de Mezieres). Париж, конец XIV века

Голгофа. Лимож (Limoges), окружение Нардона Пенико (Nardon Penicaud), 1530–1535

 Страшный суд. Лимож (Limoges), окружение Нардона Пенико (Nardon Penicaud), 1530–1535

Марцелл Кофферманс (Marcellus Coffermans). Мария с Младенцем на троне. Антверпен. 3-я четверь XVI века.

В южных голландских провинциях мало что сохранилось от каменной скульптуры. То, что до сих пор присутствует, часто относится к украшениям фасадов зданий и со временем подверглось повреждениям или реставрации. Эта статуя Девы Марии уникальна тем, что сохранила свою первоначальную роспись. Она интересна еще и потому, что что он происходит из разрушенной церкви Святого Донааса в Брюгге, так что её можно с уверенностью разместить во Фландрии. Скульптора свидетельствует о новом реализме, что соответствует самой прогрессивной скульптуре своего времени во Фландрии и далеко за ее пределами.

Мария с Младенцем. Брюгге. 4-я четверть XIV века.

 Выставочный зал

 

 

 

 

 

 

Эта белокаменная статуя над камином представляет собой архангела Гавриила. Статую создал неизвестный французский художник во второй четверти XVI века. Архангел Гавриил становится на колени и держит в руках свиток с радостной вестью о том, что Мария станет матерью сына Божьего. Тема Благовещения – одна из самых популярных в истории западного искусства. Эта статуя высотой почти один метр украшает камин в комнате Брейгеля. Фриц купил её в 1899 году в Руане. Сопровождающая статую Дева Мария является частью коллекции Ротшильдов и хранится во дворце поместья Уоддесдон (Waddesdon).

 Выставочный зал

Питер Брюгель Младший (Pieter Bruegel The Younger). Перепись в Вифлееме. 1601

Питер Брюгель Младший (Pieter Bruehgel II). Зимний пейзаж с ловушкой для птиц. Антверпен. 1602

Питер Брюгель Старший (Pieter Bruehgel I). Карнавал и Великий пост. 1600.

Питер Брюгель Старший (Pieter Bruehgel I). Безумная Грета. 1563

Питер Брюгель Старший (Pieter Bruehgel I). Цикл картин "Двенадцать месяцев". 1558

Мартин ван Клиф (Marten van Cleef). Свадьба в загородном доме во дворе. Антверпен. Вторая половина XVI века.

Мартен де Вос (Maerten des Vos / последователь). Искушение святого Антонияа. Антверпен, конец XVI века.

Иероним Босх (Jheronimus Bosch). Битва между Карнавалом и Великим постом. 2-я половина XVI века

Иероним Босх (Jheronimus Bosch). Христос несущий крест. Нидерланды. 1540

Ян Брюгель Старший (Jan Brueghel I). Поклонение волхвов. Антверпен. Начало XVII века.

Ян Брюгель Старший (Jan Brueghel I). Поклонение волхвов. Начало XVII века.

Ян Брюгель Старший (Jan Brueghel I). Свадебный танец. Начало XVII века.

Ян Брюгель Старший (Jan Brueghel I). Деревня на берегу реки с паромом. Первая половина XVII века.

Кристоффель ван ден Берге (Christoffel van den Berghe). Зимний пейзаж с развлечениями на льду. Мидделбург. 1-я половина XVII века.

Корнелис Массейс (Cornelis Massijs). Холмистый пейзаж. Антверпен. 1565

Маттеус Адолфс Моланус (Mattheus Adolfsz. Molanus). Холмистый пейзаж с охотниками. Мидделбург. ервая половина XVII века.

Николас Перель (Nicolas Perelle). Пейзаж с замковым хозяйством на набережной. Франция. Конец XVII века.

Питер Хайс (Pieter Huys). Искушение святого Антония. Антверпен. 1577

 

Продолжение следует.