Рембрандт Харменсзон ван Рейн (Rembrandt Harmenszoon van Rijn), более известный как Рембрандт (Rembrandt). Молодой человек с тростью. 1650.

 

Рембрандт Харменсзон ван Рейн (Rembrandt Harmenszoon van Rijn), известный как Рембрандт (Rembrandt). Автопортрет в шапке и с золотой цепочкой. Масло по дереву. 1633.

 

Рембрандт Харменсзон ван Рейн (Rembrandt Harmenszoon van Rijn), более известный как Рембрандт (Rembrandt). Портрет Титуса, сына художника. 1662. Масло по дереву.
Рембрандт Харменсзон ван Рейн (Rembrandt Harmenszoon van Rijn), более известный как Рембрандт (Rembrandt). Вирсавия в своей купальне. Письмо царя Давида. 1654. Основано на Ветхом Завете, Книге Самуила. Холст, масло. Большинство художников изображают Вирсавию соблазнительницей царя Давида. Но Рембрандт сосредотачивается на злоупотреблении властью, жертвой которого она является. Вынужденная предать мужа, Вирсавия размышляет о фатальных последствиях своего поступка. Неидеализированная красота молодой женщины – проявление силы художника.

Рембрандт Харменсзон ван Рейн (Rembrandt Harmenszoon van Rijn), известный как Рембрандт (Rembrandt). Автопортрет с непокрытой головой. 1633. Масло по дереву. Позой, которую Рембрандт принимает на этом автопортрете, художник отдает дань уважения художникам эпохи Возрождения. Золотая цепочка напоминает о подарках, которые принцы дарили своим протеже. Рембрандт писал свои собственные портреты не как упражнение в саморефлексии, а скорее как исследование телесных тонов, света, выражений лица и т. д.

 

Рембрандт Харменсзон ван Рейн (Rembrandt Harmenszoon van Rijn), известный как Рембрандт (Rembrandt) и мастерская. Портрет Рембрандта в шляпе на архитектурном фоне. 1637.

 

 

Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Поясной портрет женщины, ранее известный как Портрет Сюзанны Фоурмент (1599-1643), сестры Елены Фоурмент, второй жены Рубенса. 1620-1625. Масло по дереву.
Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Портрет Елены Фоурмент (1614-1673), жены художника, и двух её детей, Клары Иоанны и Франса. 1636. Масло по дереву. Этот милый семейный портрет примечателен своей непосредственностью, незавершенностью мазка и сентиментальной искренностью. Хотя в XVII веке детей часто рассматривали как взрослых в миниатюре, Рубенс передаёт их здесь достоверно. Обратите внимание на детали птицы: поводок, который держала Клара, никогда не красился.

 

 

Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Геракл и Омфала: Геракл прядет шерсть у Омфалы. 1-я четверть XVII в. (Возможно, написано в Генуе и датировано около 1606-1607 гг., во время пребывания художника в Италии. Религиозные художественные произведения вдохновлены библейскими историями, а когда заказы были немногочисленны, в художественных произведениях мастера преобладают мирские сюжеты. Так обстоит дело, например, с работой Рубенса "Геркулес и Омфала", созданной около 1606 года и взятой из "Метаморфоз" Овидия. Мифологический сюжет произведения предлагает того, что Жан-Франсуа Пепен называет в Encyclopaedia Universalis: "появление лика любви". Геркулес и Омфала изображены обнажёнными. Царица, доминирующая над сценой, стоит на картине справа на основании саркофага, одетая в шкуру немейского льва, и опирается на булаву героя, который, лишь слегка прикрытый женской накидкой, сидит на скамейке, поставив ноги поверх красного плаща царицы, в центре композиции, держа в одной руке прялку, в другой нить. Царица щиплет Геркулеса за ухо, в то время как рабыня в женской одежде стоит позади Геркулеса слева и прядёт, как и другие молодые рабыни, стоящие на коленях слева и смотрящие в сторону царицы. Белая собака, как символ верности, стоит справа у ног царицы. На заднем плане картины изображены античная архитектура и скульптуры (пилястра, аркада, гирлянды, бюст Пана), на переднем плане у ног героя, в основании саркофага расположен барельеф, изображающий быка, поверженного на землю.

 

Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Христос на кресте, Богородица, святой Иоанн и святая Магдалина. 1-я четверть XVII века (1617-1619).

 

Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Три короля и их свиты пришли с Востока, чтобы поприветствовать новорожденного Иисуса. Справа вы можете увидеть Марию, которая с гордостью показывает свое дитя трем волхвам. Она не находится в центре картины, но по-прежнему находится в центре внимания. Питер Пауль Рубенс представляет здесь библейскую сцену в манере оперного спектакля, с монументальными персонажами и барочными пространствами. 1626-1627.

 

Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Эскиз головы для фигуры Святого Георгия.1616-1620. Масло по дереву.

 

 

Мастерская Питера Пауля Рубенса (Pieter Paul Rubens). Воскрешение Лазаря. 1620. На основе Нового Завета, Евангелия от Иоанна. Масло по дереву.

 

Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Три судьбы, прядущие нить жизни и Триумф истины. 1622. Холст, масло.

 

 

Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Жертвоприношение Исаака Авраамом. 1620-1621.

 

Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Христос и денарий Цезаря. 1614.

 

Корнелис Корнелисзон ван Харлем (Cornelis Corneliszoon van Haarlem). Крещение Христа. 1588. Основано на Библии, Евангелий от святых Матфея и Луки.

Отто ван Веен (Otto van Veen), известный как Октавиус Вениус (Octavius Vaenius) и Питер Пауль Рубенс (Pierre-Paul Rubens). Оплакивание Христа. 1600. В 1592 году Отто ван Веен поселился в Антверпене, где в следующем году стал мастером и где с 1594 по 1600 год брал Рубенса в ученики, а затем в соавторы. Рубенс подвергнется очень сильному и длительному влиянию Вениуса во время этого ученичества. В 1599 году Вениус руководил украшением города для въезда эрцгерцогов Альберта и Изабеллы и был деканом гильдии в 1602 году. в 1620 член гильдии живописцев. На протяжении всей своей карьеры официального художника в его картинах чаще всего религиозные ("Святая Мадлен в молитве", Экс-ан-Прованс, музей Гране; Сен-Поль на пути в Дамаск, Марсель, Музей изящных искусств; "Деплорасион дю Христа", Лувр), как и в его гравюрах, в основном с эмблематическими сюжетами, для которых он выполнил замечательные небольшие масляные наброски гризайлью, из которых целая серия неизвестного происхождения появилась на французском художественном рынке в 1970 г. (23 были приобретены французскими музеями, в том числе 9 Лувром). Произведения Отто ван Веен своим вниманием к широте и балансу прямо напоминают произведения Рубенса. На картине в Лувре он изображён в 1584 году в своей мастерской со всей семьей.

В 1622 году Мария Медичи, вдова Генриха IV и мать Людовика XIII задумала украсить боковые галереи второго этажа Люксембургского дворца картинами, поместив их в простенках между окнами. В конце 1621 года Мария Медичи начала переписку с выдающимся живописцем фламандского барокко П. П. Рубенсом. В январе-феврале 1622 года художник приезжал в Париж для уточнения программы и подписания контракта. Две симметрично расположенные галереи имели длину 58 метров, небольшую ширину: 7, 6 метра и по девять окон с каждой стороны. Согласно контракту и условиям помещения Рубенс обязался выполнить две серии картин. Одна (в западном крыле) должна была представлять "События преславной жизни и героические деяния" королевы. Другая (в восточном крыле) – "Сражения и триумфы" её покойного супруга Генриха IV. Все картины должны были быть полностью написаны рукой мастера, работу предполагалось закончить к февралю 1625 года – дате бракосочетания французской принцессы Генриетты Марии и короля Англии Карла Стюарта. Рубенс выполнил только двадцать четыре картины первой серии. Вторая серия осталась неосуществлённой. Рубенс создал только эскизы и завершил пять картин, ныне рассредоточенные по разным музеям.

Сюжеты картин были определены Марией Медичи вместе с её советниками – будущим кардиналом, а тогда государственным секретарём Жан дю Плесси де Ришельё и казначеем королевы Клодом де Можи (фр. Claude Maugis), аббатом де Сент-Амбруаз. В составлении программы принимал участие Никола-Клод Фабри де Пейреск. Художнику также предоставлялась определённая свобода в выборе композиции и порядка расположения картин. С 1723 года после смерти герцога Филиппа Орлеанского здание пустовавшего дворца превратили в Люксембургский музей. Там хранились картины Рубенса, Я. Йорданса и других фламандских живописцев. Росписи в интерьерах библиотеки создал Эжен Делакруа. Архитектор Жан-Франсуа Шальгрен построил парадную лестницу, поэтому картины Рубенса были перемещены в восточный корпус. В 1802 году их перенесли в Лувр. С 1815 года их экспонировали в Большой Галерее, затем (1900-1993 годы) в дворцовом зале, пропорции которого существенно отличались от галерей Люксембургского дворца. С 1993 года цикл "Триумф Марии Медичи" выставлен в зале № 18, пропорции которого также отличны от Люксембургской галереи, но идеальны для восприятия живописи. Галерея Медичи в Лувре с достаточным пространством, верхним светом и последовательным расположением картин предоставляет оптимальные условия для восприятия выдающейся живописи, составляющей "одно из лучших достижений великого Рубенса".

Вход в галерею украшают портреты Марии Медичи и её родителей, работы Питера Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Родители изображены вполоборота, обрамляя портрет Марии Медичи. Иоанна Австрийская, младшая дочь императора Фердинанда и племянница Карла V вышла замуж за Франческо Медичи в 1565 году. Франческо Медичи изображён с крестом Ордена Святого Стефана, учреждённого его отцом, Козимо I. Портреты родителей, по всей видимости писаные с более ранних портретов, расположены над входными дверьми галереи, тогда как портрет королевы расположен над центральным камином. Портрет Марии Медичи является ядром композиции, с него начинается, и им же заканчивается история жизни королевы, рассказанная художником на находящихся в галерее полотнах. Несмотря на своё название, Мария Медичи изображена на нём в первую очередь не как богиня войны Минерва, а как торжествующий монарх, самодержица, своими деяниями принёсшая мир и процветание в королевство. Коронующие Марию Амуры изображены с крыльями бабочек – знаком бессмертия. В руках королева держит статую Победы и королевский скипетр. Эскиз этой картины хранится в Эрмитаже.

Центральное полотно цикла, и важнейшее событие в жизни Марии Медичи – убийство Генриха IV Равальяком и формальное наследие престола 9-летним Людовиком XIII, но фактически власть в стране переходит к его матери. На картине Генрих изображён возносящимся на небеса – Юпитер с Сатурном вырывают его у смерти (змея на земле). Лавровый венок на голове Генриха говорит о дарованном ему бессмертии – подобно мифическому Гераклу он принят в число богов. На переднем плане две Победы оплакивают Генриха. Справа на картине – одетая в траур Мария. Теперь уже Франция, и теперь уже надолго ("Учреждение регентства") передаёт регентше державу цветов французской монархии. Стоящие рядом с троном богини мудрости и рассудительности советуют Марии. Олицетворяющая Божественное Провидение Децима, в знак грядущего управления государством передаёт Марии судовой руль – подчёркивая тем самым божественность происхождения монаршей власти. У подножья трона изображена французская знать, умоляющая Марию Медичи взять на себя управление государством.

Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Совет богов для взаимных браков Франции и Испании или Правительство Королевы. Эта картина, посвященная захвату власти Марией Медичи как новому регенту и его желанию продвинуть мир в Европе через браки между королевскими домами. Эта картина представляет поведение королевы и ту большую осторожность, с которой она управляла своим королевством во время своего регентства, в том числе то, как она преодолела восстания и политические беспорядки в государстве, в соответствии с идеалами своего покойного мужа Генриха IV. Слева Юпитер и Юнона , богиня брака, олицетворяют любовь и мир в Европе через союз Франции и Испании, символизируемые двумя парами голубей, размещенными на земном шаре и соединенными вместе. Действительно, Мария Медичи надеялась, что ее сын, Людовик XIII, женится на инфанте Испании Анне Австрийской, а ее дочь Елизавета выйдет замуж за будущего короля Испании Филиппа IV , чтобы скрепить союз между Францией и Испанией. была одной из главных целей правления Марии Медичи. Кроме того, на картине изображены самые разные мифологические персонажи, в частности боги Олимпа, такие как Аполлон и Минерва впереди и на земле, преследующие пороки (ненависть, ярость и зависть) и, выше, Нептун, Плутон, Сатурн, Гермес и его кадуцей, Пан, Флора, Геба, Венера, которая сдерживает Марса, бога войны, который хочет помочь Фуриям, Зевсу, Гере, Купидону и Диане своим пучком стрел.

Питер Пауль Рубенс (Pieter Paul Rubens). Коронация королевы в аббатстве Сен-Дени – одна из картин цикла, не содержащая каких-либо мифологических персонажей. Первая большая картина, расположенная в задней части галереи, это одна из двух наиболее заметных работ при входе в галерею. Рубенс написал эту картину в красных тонах, чтобы она была видна издалека, например, для мантий двух кардиналов справа. Эта техника очень похожа на ту, что использовалась в другой картине, "Апофеоз Генриха IV и провозглашение регентства королевы". Эта работа представляет собой историческое событие в жизни Марии Медичи, во время которого 13 мая 1610 года королева была коронована в базилике Сен-Дени. Эти две сцены, считающиеся одной из главных картин в серии с "Апофеозом Генриха IV" и провозглашением регентства королевы , показывают Марию Медичи, получающую королевскую корону, Глобус государства. Ее ведут к алтарю кардиналы Пьер де Гонди и Франсуа д'Эскубло де Сурди, а рядом с ними – господа Максимилиан де Бетюн и Жиль де Куртенво де Сувре, церемония проводится под председательством кардинала де Жуайеза. В королевской свите также находятся дофин , принц Конти с короной, герцог Вентадур , несущий скипетр, и рыцарь Вандома с Десницей правосудия. Почетные дамы Мари де Медичис, принцесса Конти и герцогиня Монпансье (мать Мари де Бурбон-Монпансье , будущей жены Гастона де Франса , третьего сына Генриха IV и Мари де Медичи) несут поезд королевской мантии. Генрих IV расположен над помостом, как будто он судит соревнование. Толпа позади базилики поднимает руки, чтобы подбодрить новую королеву, а над Марией Медичи – олицетворения Победы и Изобилия, изливающие на голову королевы благословения мира и процветания. Кроме того, в то время как собаки Марии Медичи помещены на переднем плане картины, ее муж Генрих IV не находится в центральной группе, а находится на балконе на заднем плане.

Захват Жюльера, по окончании которого город Юльерс в Германии был возвращен немецким князьям-протестантам на 1 сентября 1610. Этот город был перевалочным пунктом для пересечения Рура и имел стратегическое значение для Франции. Рубенс представил эту французскую победу через сцену, богатую символами, которые подчеркивают величие этого славного события и придают ему больше яркости, чем оно было на самом деле. Королева, одетая в шлем и проведение персонала ее шефа в руке, увенчана лавровым листьями со стороны победы, победа, которая также символизирует присутствие, в фоновом режиме, имперского орла, который отпугивает более слабых птиц. Справа в небе персонаж, олицетворяющий Славу, объявляет об этом достижении, используя свою трубу. Королеву сопровождает женский персонаж, которого можно было бы поверить в образ Силы из-за присутствия льва рядом с ней, но который на самом деле является воплощением Щедрости или Великодушия, о чем свидетельствуют драгоценные предметы. В ладони она держит драгоценное жемчужное ожерелье, принадлежащее Королеве. Эта фигура в точности соответствует описанию Щедрости Чезаре Рипа. Рубенс играет на контрасте между капитуляцией Жюльера, нарисованной в темных тонах, на заднем плане и Марией Медичи в яркой мантии, восседающей на белом жеребце, чтобы продемонстрировать это, как покойный король. Генрих IV, он мог победить своих соперников во время войны.

Картина Рубенса, полное название которой – Обмен двух принцесс Франции и Испании на Бидасоа в Андае, посвящена двойному браку Анны Австрийской, дочери Филиппа III Испанского (справа), с Людовиком XIII и сестры дофин Елизавета Бурбонская (слева) с будущим королем Испании Филиппом IV. Событие, которое должно было заключить мир между Францией и Испанией, состоялось 9 ноября 1615 года в Андае, на барже, расположенной между берегами реки Бидасоа, вдоль франко-испанской границы. Аллегорические фигуры Испании (слева), узнаваемые по льву на его шлеме, и Франции (справа), чей плащ украшен геральдической линией, обрамляют двух юных принцесс, которые держат друг друга своими руки прямо соединены. Над ними, слева и справа, два путти размахивают факелами, когда Зефир, олицетворение ветра, дует теплый весенний ветерок и разбрасывает розы. В воздухе, в центре, кружок счастливых путти кружится, как бабочки, вокруг воплощения Блаженства с кадуцеем, чей рог изобилия сыплется золотом на будущих королев. В нижней части картины река Андайе заполнена морскими божествами, пришедшими поклониться женам: речной бог Андайе, опирающийся на бочку, нереида, увенчанная жемчугом, предлагает ожерелье из жемчуга и кораллов в качестве свадебных подарков, а Тритон дует в раковину, чтобы объявить о событии. Наконец, следует отметить, что Мария Медичи отсутствует в этой таблице, в отличие от всех тех, что в Цикле, посвященном ее истории.

Теодор ван Тюльден (Theodoor van Thulden). 1642. Воскресший Христос, Победитель смерти, Явление Деве Марии, Царице Небесной. Фламандский живописец, гравер и дизайнер гобеленов, ученик и сотрудник Рубенса. Ван Тюльден обучался у художника-портретиста из Антверпена. К 1626 году он стал мастером гильдии художников Антверпена, а позже служил ее деканом. Визит во Францию​с 1631 по 1633 год познакомил с маньеризмом, который глубоко повлиял на ранние работы Ван Тульдена. В Фонтенбло он скопировал украшения Приматиччо и Николо дель Абате. Вернувшись в Антверпен, его манера все больше отражала влияние барокко Рубенса. В 1635 году он выполнил проекты Рубенса для городских украшений, посвященных триумфальному въезду кардинала-инфанта Фердинанда Испанского. К 1644 году, несмотря на возвращение в малоизвестное место своего рождения, знаменитый Ван Тулден продолжал получать крупные заказы. Его стиль становился все более классическим: его композиции стали более спокойными, его сюжеты менее жестокими и более эмоциональными, его мазок менее ярким, а цвета приглушенными. Истинным благочестием проникнуты его религиозные произведения, в том числе гравюры, рисунки, витражи и запрестольные образы. Другие предметы включали мифологию, историю, литературу и портретную живопись, часто подражая изящной и элегантной манере Антониса ван Дейка. Между 1648 и 1651 годами он создавал украшения для голландского дворца в Гааге вместе с Якобом Йордансом и другими. Хотя, как и большинство современных художников исторических и религиозных тем, он находился под сильным влиянием Рубенса, ему удалось выработать собственный язык. Его привлекательный милый стиль принес ему многочисленные заказы как во Фландрии, так и за ее пределами, и он работал в Гааге и Париже, а также в Антверпене, где он в основном базировался. В своей родной деревне Хертогенбос Теодор ван Тюльден написал явление Иисуса Марии пасхальным утром; картина выражает чувства неба и земли. Инвокация Regina caeli обрамляет диалог между славным Сыном и сияющей Матерью.

Герард Зегерс (Geerart Seghers). 1620. Воскресение Христово. Зегерс был фламандским художником, коллекционером произведений искусства и арт-дилером. После периода учёбы и проживания в Риме вернулся во Фландрию, где стал одним из ведущих представителей фламандского движения Караваджизма. В своей более поздней карьере он отказался от караваджистского стиля и жанровых мотивов, чтобы стать важным художником больших запрестольных образов для местных церквей.
Он родился в Антверпене в семье трактирщика Яна Сегерса и его жены Иды де Неве. В 1608 году, всего в 17 лет, стал мастером Антверпенской гильдии Святого Луки. В 1611 году Зегерс присоединился к Обществу престарелых холостяков (Sodaliteit der Bejaarde Jongmans), братству холостяков, основанному орденом иезуитов.  Герард Зегерс посетил Неаполь и Рим, а также другие места. В Риме он встретил последователей Караваджо, который сам умер за несколько лет до прибытия Зегерса в Рим. В частности, один из них, Бартоломео Манфреди, оказал значительное влияние на его ранние работы. Манфреди был одним из ближайших последователей Караваджо и был на пике своей славы, когда Зегерс прибыл в Рим. Там он попал под сильное впечатление работы Манфреди. Вероятно, он также встречался с голландскими и фламандскими караваджистами, проживающими в Риме, такими как Джерард ван Хонтхорст, Дирк ван Бабурен и Ян Янсенс, а также, возможно, с Хендриком тер Бруггеном и Теодором Ромбоутсом. Вернулся в Антверпен осенью 1620 года и в следующем году помогал Рубенсу в украшении церкви Святого Карла Борромеуса в Антверпене. В 1621 году Зегерс женился на Катарине Воутерс (ум. 1656), происходившей из уважаемой семьи. У пары будет одиннадцать детей, один из которых, Ян-Баптист Зегерс (1624–1670), также стал художником. Предполагается, что в период с 1624 по 1627 год он посетил или проживал в Утрехте, где он должен был встретить ведущего карраваджиста Герарда ван Хонтхорста, которого он, вероятно, знал по Риму. В Антверпене Зегерс добился успеха как художник и торговец произведениями искусства и смог позволить себе дом на фешенебельном Меире. Ему покровительствовали многие монашеские ордена, в том числе иезуиты, которые заказывали у него запрестольные образы. Он был нанят городскими властями Антверпена и Гента в качестве одного из многих художников, работавших над праздничными украшениями для Радостного въезда кардинала-инфанта Фердинанда, нового губернатора Южных Нидерландов, в 1635 году. Зегерс был назначен придворным художником кардинала-инфанта 25 июня 1637 года. Возможно, в 1640-х годах он провел некоторое время в Амстердаме. Зегерс служил деканом Антверпенской гильдии Святого Луки в 1645 году. Он был членом риторической палаты под названием Виольерен с момента своего возвращения в Антверпен в 1620 году. Затем он присоединился к Гильдии римлян. Гильдия римлян была обществом знати и художников, действовавшим в Антверпене с 16 по 18 века. Условием членства было посещение Рима. В 1637 году Гильдия римлян избрала Зегерса своим деканом. К моменту своей смерти в Антверпене в 1651 году Зегерс был богатым человеком, владевшим комфортабельным домом и обширной коллекцией произведений искусства. У него было много учеников, в том числе его сын Ян Баптист Сегерс. Зегерс известен в основном своими монументальными жанровыми картинами и крупными религиозными и аллегорическими произведениями. Он выполнил множество запрестольных изображений для церквей в южных Нидерландах. Большинство его работ выполнены в характерном пейзажном (горизонтальном) формате.

Якоб Йорданс (Jacob Jordaens). Страшный суд. 1653. Вся карьера художника прошла в Антверпене, где его успех был таков, что он получал заказы со всей Европы. Когда умерли Рубенс (1640) и Ван Дейк (1641), Йорданс считался первым художником своего родного города. Его религиозное искусство, переполненное движением и жизнью, с множеством точек зрения, ограничивает религиозную эстетику барокко, о чём свидетельствует бурный Страшный суд или Иисус среди врачей. С 1650 года и до конца жизни ему постоянно бросали вызов баланс, итальянская грация и акцент колоссальных фигур или конвенциональный аспект. Его хроматизм остается очень ясным и светлым в Святом Иве, покровителе юристов. Триумф принца Фридриха Генриха Нассауского за Huis ten Bosch в Гааге представляет собой доказательство его последней склонности к чрезмерности, типично барочной, и к страстной патетике в выражениях, который появляется в его последних религиозных композициях: "Восхождение на Голгофу", "Христос, изгоняющий купцов из храма". В Большой советской энциклопедии автор статьи Н. Смольская отмечает: "В искусстве Йорданса с большой силой выявлены народные основы и реалистические устремления фламандской школы, такие её черты, как ярко чувственное восприятие жизни, мощная лепка форм кистью, неиссякаемый оптимизм. Вместе с тем в творчестве Йорданса значительную роль играли связи со старой нидерландской традицией и с наследием Караваджо".

Гаспар де Крайер (Gaspard de Crayer). Распятие со святой Марией Магдалиной и святым Франциском. Картина написана около 1629-1630 гг. для капуцинов Мехелена под влиянием Ван Дейка, у которого Христос на кресте (1629) ассоциируется, как и здесь, со святым Франциском, отождествляющим себя со страдающим Христом и со святой Мадлиной, кающейся грешницей, оплакивающей гроб Христа. Обычно религиозное представление, в отличие от Ван Дейка, разделяется между историей и мистикой. Фламандский живописец и рисовальщик Гаспар де Крайер работал в южных Нидерландах в то время, когда был высок спрос на декоративные схемы, воплощающие принципы Контрреформации: запрестольные образы и другие религиозные картины составляют большую часть его значительного творчества. В значительной степени он обязан своей репутацией тому факту, что был одним из первых последователей Рубенса, чей формальный язык распространил за пределы художественных кругов Антверпена. Крайер был учеником Рафаэля ван Кокси, но быстро превзошел своего учителя и был назначен художником губернатора Нидерландов в Брюсселе, получил значительную пенсию и работал в церквях и общественных зданиях этого места. Однако он оставил свой пост и переехал в Гент, где написал свои самые знаменитые работы. Говорят, что о своей картине Центуриона и Христа, написанной для трапезной аббатства в Аффлингеме, Рубенс сказал: "Крайер, никто не превзойдет тебя". Он был одним из самых выдающихся фламандских художников и, хотя и не был человеком глубокого гения, был прекрасным художником и замечательным колористом. Его сочинения просты, правильны и приятны, его колорит ясный и свежий, сравнимый только в его собственной школе с ван Дейковской. 

Бертоле Флемаль (Bertholet Flemalle). Триумф и раскрытие тайны Святого Причастия, связанной с тайной Троицы. 1646-1647. Богатая и учёная иконография, в которой, несомненно, нуждались покровители картины, августинцы монастыря, из которого происходит картина, изображающая Тело и Кровь Христа,  датируется, вероятно,  первым пребыванием художника в Париже, около 1646-1647 гг. Золотая рама начала XIX века подарена торговцем рамами из Амьена Bruno Hochart в1995. Франко-фламандский художник и архитектор Флемаль родился в семье художников, а его первое обучение было, вероятно, в Льеже у отца, Ренье Флемаля (р. 1585), художника по витражам. Позже Бертоле был учеником Анри Триппе (1600–1674), прежде чем завершить свое обучение в 1630-х годах у Жерара Дуффе. В 1638 году Флемаль отправился в Рим, а на обратном пути посетил Флоренцию и некоторое время пробыл в Париже. Он вернулся в Льеж к 1646 году. Флемаль сделал там успешную карьеру, рисуя для частных коллекционеров, однако ему также поручали работать во многих религиозных учреждениях. Покровителем художника был каноник Ламберт де Ливерлоо, канцлер принца-епископа Льежского. Кроме того, Флемаль проектировал религиозные здания и приспособления, а также свой собственный дом, но ни одно из этих архитектурных произведений не сохранилось. В 1670 году он был на пике своей карьеры. Бертоле Флемаль был художником принца-епископа Максимилиана-Генриха Баварского, а для французского Людовика XIV он написал аллегорию "Религия, защищающая Францию" для потолка зала для аудиенций в Тюильри в Париже. В том же году он был назначен профессором Королевской академии в Париже. Принц-епископ сделал его каноническим пребендарием коллегиальной церкви Святого Павла в Льеже.

Якоб Йорданс (Jacob Jordaens). Богиня Диана отдыхает после охоты Около 1640-1650 Холст, масло. Эта картина, гимн изобилию, вдохновлена римскими саркофагами, которые Йорданс, никогда не бывавший в Италии, знал по гравюрам. Действие происходит под открытым небом: Диана и ее спутники, бездельничающие среди дичи, приветствуют фавнов, играющих музыку и приносящих фрукты. Эскиз триптиха, написанного в 1609–1610 годах для главного алтаря церкви св. Вальбурги в Антверпене и ныне в соборе Антверпена. Картина находилась в различных коллекциях и была продана в Париже 16 декабря 1907 года за 175 000 франков как произведение Рубенса. Сменив несколько владельцев, картина была репатриирована в Париж тридцать шестым конвоем из Мюнхена и передана Луврскому музею (отдел живописи) в 1950 году.

Якоб Йорданс (Jacob Jordaens). Иисус изгоняет торговцев из храма. 1645–1650. По мнению историков и богословов, евреи регулярно приносили в жертву Господу быков, овец или голубей в своих храмах. Паломники обычно не могли брать с собой таких животных в свои дальние путешествия, и даже если бы они могли, прихожане должны были подвергать свои предполагаемые жертвы строгому процессу проверки, продиктованному критериями для всесожжений, изложенными в книге Левит. Это привело к тому, что перед храмом появились торговцы, которые продавали отвечающих этим требованиям животных. По мере того, как их бизнес процветал, их собиралось все больше и больше, и некоторые из них даже обосновались внутри храма. Что касается менял, то евреи, участвовавшие в праздниках, в том числе и в Песах, должны были вносить деньги в храм на его содержание. Многие евреи, жившие за пределами Иерусалима, имели только иностранные монеты, но храм отказывался принимать их в качестве приношений. Соответственно, обмен валюты перед храмом стал настолько распространенным, что некоторые менялы также поселились внутри. Сцена изгнания Христом торговцев и менял также была популярной темой среди художников эпохи Возрождения и барокко. Фламандский художник Якоб Йорданс (1593–1678), который находился под сильным влиянием мастера барокко Питера Пауля Рубенса (1577–1640), также написал этот эпизод. Работа Йорданса представляет собой типичную историческую картину в стиле барокко, с широким холстом и эффектной картиной, полной людей и животных, вовлеченных в динамичное движение и реакцию друг на друга. Продавцы скота заняты тем, что пытаются избежать бича Христа, в то время как некоторые люди справа наблюдают, как будто наслаждаясь сценой. Один мужчина в центре особенно привлекает внимание. Все еще сидя в кресле, он падает навзничь и кричит. Монеты рассыпаются повсюду рядом с ним, а бухгалтерские книги разбросаны, идентифицируя его как менялы. В 17 веке и во времена Иисуса менялы были не только торговцами валютой, но и предлагали комплексные банковские услуги. В частности, во Фландрии 17-го века, где жил Йорданс, менялы были в центре крупного развития торговли и международной торговли в регионе. Большинство из них также давали деньги взаймы, получая взамен проценты. В период барокко сохранялось негативное отношение к ростовщичеству, поэтому многие художники отражали это в своих работах.

Симон де Вос (Simon de Vos). Портреты трёх художников в образе пьющих и курящих (Саймон де Вос, Ян Косье, Йохан Герлоф). 1626. Фламандский художник Симон де Вос в 1615 году он стал учеником Корнелиса де Воса (не родственника), у которого Ян Коссье, возможно, был соучеником. К 1620 году де Вос был уже мастером антверпенской гильдии Святого Луки. В течение следующих восьми лет он мог либо работать в студии Рубенса, либо уехать за границу. Последнее более вероятно ввиду сходства творчества де Воса с творчеством Иоганна Лисса, находившегося в то время в Риме и Венеции. Эта гипотеза подтверждается чертами итальянизации, очевидными в ранних работах де Воса. На основании приписывания Симону де Восу композиции 1626 года под названием "Встреча курящих и пьющих" считается, что де Вос проживал в Экс-ан-Провансе во Франции в середине 1620-х годов. Надпись позволяет идентифицировать изображаемых персонажей: в центре сам де Вос, справа малоизвестный Йохан Герлоф, художник из Зеландии , а слева Ян Коссье, случайно встретившийся в Экс-ан-Провансе, по дороге в Италию.

Мартин де Вос (Marten de Vos). Святой Павел, укушенный гадюкой на острове Мальта. 1567. Фламандский живописец и рисовальщик начал свою карьеру в мастерской, которой руководил его отец, Питер де Вос. Около 1552 года отправился в Италию, сопровождая Питера Брюгеля Старшего, и поселился в Риме и Флоренции. В Венеции работал в мастерской Тинторетто как специалист по пейзажной живописи. По возвращении в Антверпен в 1558 году стал самым известным итальянским художником в городе. В 1552 году он отправился в Италию и учился в Риме, Флоренции и в Венеции. В 1558 году вернулся в Антверпен, где после смерти Франса Флориса в 1570 году стал ведущим итальянским художником в этом городе. Запрестольные образы, составляющие основную часть его творчества, типично маньеристские в своей напряженной, тонкой элегантности. Вместе с братьями Амброзиусом Франкеном I и Франсом Франкеном I он входит в число самых знаменитых художников запрестольных образов в Антверпене в 1590-х годах, когда отчасти из-за Контрреформации возобновился спрос на запрестольные образы взамен утраченных во время иконоборческих беспорядков 1566 года или реформистского движения 1581 года. Всего по эскизам де Воса было изготовлено около 1600 гравюр, что в три раза больше, чем у Мартена ван Хемскерка. Рисунки Де Воса хвалили за их живой, трудолюбивый и в целом положительный характер, часто с романтическими итальянскими пейзажами на заднем плане. Однако его очевидное мастерство уравновешивается некоторой рутинной формулировкой.

Франс Флорис (Frans Floris). Жертвоприношение Иисуса Христа, Сына Божия, объединяющего и защищающего человечество. 1562. Картина находилась в церкви Сен-Сюльпис в Париже до революции, когда её конфисковали. Флорис, Корнелис II и Франс, самые выдающиеся члены семьи фламандских художников; их мастерские в Антверпене внесли значительный вклад в Северное Возрождение. Корнелис был архитектором, скульптором и медалистом; Франс, художник. Оба брата учились в Риме в 1540-х годах и вскоре возглавили процветающие мастерские в Антверпене. Франс был одним из ведущих представителей католицизма в Антверпене, и его историческая живопись оказала влияние на целое поколение фламандских художников. Он был в значительной степени ответственен за создание студий, организованных в итальянском стиле, с квалифицированными помощниками – практика, впоследствии принятая другими нидерландскими художниками, в первую очередь Рубенсом. Его успех был феноменальным благодаря его способности организовать эффективную фабрику по производству картин. Его образ жизни был экстравагантным, и он умер, заваленный долгами.

Ян Массейс (Jan Massys). Давид и Вирсавия. 1562. Слуга зовет Вирсавию, жену Урии, присоединиться к царю Давиду, который увидел ее в ванне с террасы своего дворца и жаждет её. Гладкий глянцевый вид типичен для работ Яна Массейса. Два сына Квентина Массейса были художниками. Ян, ставший мастером в гильдии Антверпена в 1531 году, был изгнан в 1543 году за свои еретические взгляды, провёл 15 лет в Италии или Франции и вернулся в Антверпен в 1558 году. Поясная Юдифь с головой Олоферна более позднего времени, ныне находящаяся в Музее изящных искусств в Бостоне, показывает итальянское или французское влияние, как и Лот и его дочери (1563; Художественно-исторический музей, Вена). Корнелис Массис (1513–1579), второй сын Квентина, стал мастером живописи в 1531 году, писал пейзажи в стиле своего отца, а также выполнял гравюры.

Иоахим Бейкелар (Joachim Beuckelaer). Кухонный интерьер. 1566. Нидерландский художник больших натюрмортов, рыночных и кухонных предметов, работал в Антверпене. Беккелер был племянником и учеником Питера Артсена, и следовал предпочтениям своего дяди в отношении сцен, в которых религиозный сюжет отодвигается на задний план из-за натюрморта или жанрового содержания ("Повар", Художественно-исторический музей, Вена). Кажется, он был первым художником, нарисовавшим рыбные киоски. В этой картине Беккелер проиллюстрировал широко распространенное представление о том, что еда и тепло являются источником необузданной сексуальности и всевозможных излишеств. Жест служанки с рукой на капусте, символ чрезмерно роскошной и расточительной жизни, может дублировать развратную сцену на заднем плане.
Иоахим Бейкелар (Joachim Beuckelaer). Распятие. 1567. Основано Библии. Иисус (справа) осуждён к распятию.

Мастерская Гиллиса Мостарт (Gillis Mostaert). Хейвейн. 1500–1550 гг. Аллегория мира и семи смертных грехов. Нидерландский художник, потомок Яна Мостарта. В 1554–1555 годах он был зачислен мастером в Антверпенскую гильдию Святого Луки. В 1563 году он женился на Маргарете Баес в Санкт-Вальбургакерке, а между 1564 и 1572 годами в той же церкви крестили шестерых детей. Начиная с 1575 г. и до 1588 г. (регистры отсутствуют между 1579 и 1584 гг.) еще несколько человек были крещены в церкви Святого Йорискерка. В налоговой ведомости 1584 г. указано, что живописец тогда жил в арендованном доме рядом с этой церковью. В списках гильдий нет названных учеников Мостарта, но в 1572 году Хендрик Питерс (Hendrik Pieters), молодой художник, намеревавшийся поехать в Италию, признался, что учился у Мостарта в доме последнего более года. Несколько других художников также могут быть связаны с Мостартом: Корнелис ван Далем (Cornelis van Dalem), которому он представил Бартоломеуса Шпрангера (Bartholomaus Spranger) в качестве ученика и чьи пейзажи он иногда рисовал стаффажные фигуры; Пеэтер Балтенс (Peeter Baltens) и Криспин ван ден Брук (Crispin van den Broeck), крестные отцы детей Мостарта в 1571 и 1588 годах.
Гиллис Мостарт (Gillis Mostaert). Сцена войны и огня. 1569.

Антонис Ван Дейк (Antoon van Dyck). Портрет Изабеллы Клары Евгении (1566-1633) в религиозном платье Около 1628–1629 Холст, масло. Изабелла Клара Евгения Габсбургская – испанская принцесса, дочь короля Филиппа II (годы правления 1556–1598). Когда её муж Альберт умер в 1621 году, она приняла религиозный обряд Ордена Святой Клары и носила его до самой смерти. Она правила Южными Нидерландами, которые оставались под властью Испании.
Якоб Йорданс (Jacob Jordaens). Святой Матфей, Святой Марк, Святой Лука и Святой Иоанн, известные как Четыре евангелиста, около 1625–1630 гг. Холст, масло. 

Никола Пуссен (Nicolas Poussin). Израильтяне, собирающие манну. 1637–1639. В 1638 году он написал "Израильтяне, собирающие манну" для Поля Фреара де Шантелу, который впоследствии стал его ближайшим другом и величайшим покровителем. Эта работа является самой амбициозной исторической картиной за всю карьеру Пуссена и, по собственному признанию художника, была предназначена для "прочтения" зрителем, где каждая фигура, эпизод и действие должны были способствовать драме. Этот чрезвычайно интеллектуальный подход к живописи, направленный на то, чтобы заключить сложную последовательность событий в единый статический образ, в конечном итоге принес Пуссену прозвище "художник-философ".

 

Жорж де Латур (Georges de Latour). Св. Фома. 1625-30. Это один из шедевров "дневного света" Ла Тура. Смелое, упрощенное моделирование сочетается здесь с редкой тонкостью психологического анализа. Изысканная соболиная и сланцево-серая окраска отличает эту работу от пяти других La Tours в Лувре, где преобладает красный цвет. Французский художник, в основном изображающий предметы при свечах, который был хорошо известен в свое время, но затем был забыт вплоть до 20-го века, когда идентификация многих работ, ранее неправильно атрибутированных, установила его современную репутацию гиганта французской живописи. Сын пекаря, он впервые упоминается как художник в своем родном городе Вик во время заключения брачного контракта в 1617 году. Три года спустя он переехал в Люневиль, где, кажется, оставался до конца своей жизни. Зарегистрировано несколько заказов и контрактов на картины, но ни один из них не может с уверенностью ассоциироваться с известными сегодня изображениями. Латур стал мастером живописи. Король Людовик XIII, Генрих II Лотарингский и герцог де Ла Ферте были среди коллекционеров его работ. Хотя хронология творчества Латура неясна, ясно, что изначально он рисовал в реалистичной манере и находился под влиянием драматической светотени Караваджо или его последователей.

Жорж де Латур (Georges de Latour). Adoration of the Shepherds. 1644. Эта картина знаменует собой начало последней фазы Ла Тура. Изменения в искусстве Ла Тура за последние годы настолько велики, что их следует рассматривать с точки зрения упадка и быстрого роста участия в студии. "Поклонение пастухов" – один из наиболее часто изображаемых сюжетов в западном искусстве, но Латур уникален реалистичностью своего обращения: пастухи совершенно убедительны. Однако картины зрелости Латура отмечены поразительным геометрическим упрощением человеческой формы и изображением внутренних сцен, освещенных только светом свечей или факелов. Его религиозные картины, выполненные таким образом, отличаются монументальной простотой и тишиной, выражающей одновременно созерцательную тишину и удивление. Основная часть его работ была окончательно идентифицирована немецким историком искусства Германом Воссом и другими учеными после 1915 года. Работы Латура также демонстрируют высокую степень оригинальности цвета и композиции; характерное упрощение форм придает многим его картинам обманчиво современный вид. Среди наиболее впечатляющих сцен Ла Тура при свечах – "Новорожденный", "Св. Иосиф-плотник" и "Оплакивание святого Себастьяна". The Hurdy-gurdy Player и The Sharper – среди его менее многочисленных композиций дневного света.
Жорж де Латур (Georges de Latour). Святой Себастьян в сопровождении святой Ирины. 1634-43. Это одна из типичных картин художника, демонстрирующая сильные контрасты света и тени.

Жорж де Латур (Georges de Latour). Христос в столярной мастерской. 1645. На том же глубоком уровне, что и в Иове, в том же ключе, но более сложный по композиции, Христос в столярной мастерской в Лувре. Как и в Иове, одна из фигур выгнута над верхом холста, и снова внимание к настроению проявляется в тщательном наблюдении за световыми эффектами в определенных областях, особенно за полупрозрачностью детской руки, вырисовывающейся на фоне свеча, обнажая даже грязь на ногтях. Как обычно, Ла Тур рассказывает библейскую историю в самых простых выражениях. Включены только предметы, необходимые для идентификации предмета, в данном случае принадлежность столярной мастерской. Картина может существовать на уровне жанровой сцены без религиозного подтекста, а ее реализм делает ее одной из величайших жанровых картин XVII века, соперничающей с "Севильским водопродавцом" Веласкеса и "Еврейской невестой" Рембрандта (последняя также интерпретировалась как религиозный или мифологический сюжет).
Жорж де Латур (Georges de Latour). Кающаяся Магдалина. 1640–1645

Жорж де Латур (Georges de Latour). Шулер с бубновым тузом. 1635–1638. На картине изображена группа людей, сидящих за столом и занятых игрой в карты. Тёмный фон картины скрывает место разыгрываемого сюжета. Нельзя сказать точно, где происходит игра. Возможно, салон, трактир или даже бордель. Но явно это место, которое не афишировалось. На картине в карты играют три человека – два мужчины и одна женщина. Рядом с ними служанка, в обязанности которой входит обслуживание посетителей сего тайного места. Справа сидит молодой юноша, совсем ещё мальчик. Припухлые губы, округлость щёк указывают, что ему около 14–15 лет. Но он считает себя вполне взрослым, чтобы развлекаться в злачном месте. К тому же он, судя по одежде, богат. Деньги отца (или попечителя) позволяют ему сесть за стол игры. Рядом с ним приличная куча золотых. В руках юноши карты, на которых отчётливо видна масть. Пики! Символ несчастья и враждебности. И сразу ясно, проиграет свои денежки молодой глупышка. Потому что с таким явным негодяем, как второй мужчина на картине, ему явно не справиться. Это и есть карточный шулер, который через мгновение уже обманет наивного игрока. На руках у него бубны – символ денег и удачи. Для полного выигрыша не хватает лишь одной карты. И он её достает из-под широко черного пояса за спиной.Третий участник игры – женщина. На картине мы не видим её карт. Да они и не важны. Ведь, скорее всего, она не игрок, а сводница, которая свела юношу с шулером. За это она и получит свою долю. Женщина, по всем признакам, является куртизанкой. Об этом говорят украшения из белого жемчуга на ней – серьги, бусы, браслет. Жемчуг в символике означал продажную любовь, плотские развлечения. Она-то и завлекла юношу в место, где он не только потеряет деньги, но и не получит плотского удовлетворения, обещанного роскошной дамой. Четвертый персонаж на картине тоже интересен. На первый взгляд это всего лишь служанка, обслуживающая посетителей. Она наливает вино в бокал. Конечно же для того, чтобы усыпить бдительность юноши. Да и ее взгляд, направленный на него, многообещающий. Но это всего лишь обман. Очень уж девушка по своему виду напоминает ласку, зверька, славящегося своей хитростью. Да и некоторые детали говорят, что девушка не так уж проста. Её браслет из сердолика слишком богат для простой служанки. Да и кружево на верхней части её платье точно такое же как на костюме шулера. Не один ли мастер шил их наряды? Скорее всего, девушка находится в какой-то связи с шулером. Она сестра его или, может быть, даже невеста. Но в любом случае, три персонажа – шулер, служанка и куртизанка – тесно связаны друг с другом. Они, можно сказать, "в три руки" обманывают богатенького простачка.  

Французский или скандинавский художник, работавший в Париже в середине XVII века. Терновый венец. 1650. На основе Библии. Римские солдаты насмехаются над Иисусом Христом, надев ему на голову терновый венец. Художник известен как Мастер шествий из-за его двух картин процессий животных, одна из которых хранится в Музее Пикассо (Сковороды) в Париже, а другая – в Художественном музее Филадельфии. Ранее эту картину приписывали братьям Ленен.

 

Антуан Ленен (Antoine Le Nain). Папская месса, также известная как "Епископ, восходящий к алтарю". 1645.
Было три брата с таким именем:  Антуан, Луи и Матье, все родились в Лане, но к 1630 году все переехали в Париж и основали там общую мастерскую. Оставаясь холостыми и, как традиционно говорят, работая в гармонии, часто создавали вместе единую картину. "Проблема Ленена" с определением того, кто из них что нарисовал, сложна, потому что ни одна подписанная работа не имеет первого инициала и ни одна работа, завершенная после 1648 года, не датирована. Таким образом, оценка трёх личностей в начале XX века основывалась на сомнительном установлении трёх стилистических групп. Сегодня искусствоведы больше не пытаются атрибутировать отдельные работы, и трое братьев рассматриваются как один художник. Самые прекрасные и оригинальные произведения, связанные с братьями, – мощные и достойные жанровые сцены крестьян – условно отдаются Людовику; Антуану приписывают группу небольших и богато раскрашенных семейных сцен, в основном на меди; а в третьей группе, приписываемой Матье, представлены картины более эклектичного стиля, в основном портреты и групповые портреты в манере, предполагающей влияние Голландии. Говорят также, что братья сотрудничали в религиозных работах. Примеры всех трёх типов находятся в Лувре. 

Луи Ленен (Louis Le Nain). Крестьянская семья. 1642. На этой своеобразной жанровой картине изображены три поколения крестьянской семьи, отдыхающие вечером у камина за столом. Свет из окна освещает их лица и складки их простой одежды. Благодаря своему размеру, качеству и характеру он считается одним из шедевров Ленена. Эта большая картина написана одним или несколькими французскими братьями Ленен, Луи или Антуаном. Братья Ленен, Антуан Ленен (1600–1648), Луи Ленен (1603–1648) и Матье Ленен (1607–1677) создавали жанровые произведения, портреты и портретные миниатюры во Франции 17 века. Из-за схожести их стилей живописи и того факта, что они подписывали свои картины только своими фамилиями, их обычно называют Ле Нэн.
Луи Ленен (Louis Le Nain). Крестьянская трапеза. 1642. В Лувре есть две картины Ленена с изображением крестьянских семей. Это одна из них – строгая и мужественная работа. Другой же несет в себе нотку глубокой интимности, душевной теплоты, как атмосфера домашнего праздника.

Луи Ленен (Louis Le Nain). Кузнец в своей кузнице. 1640. Реймская Венера и Кузница близки по стилю, в последней художник просто убрал Венеру и нарисовал незамысловатую жанровую картину, в которой мог сконцентрироваться на наиболее симпатичном изображении мужчин, работающих в кузнице. Сам кузнец смотрит на зрителя так, словно его побеспокоил художник и попросил постоять в позе, пока делается фотография. Другие фигуры смотрят в разные стороны, точно так же, как сегодня будет делать группа людей, застигнутая врасплох камерой. Особенно проницательным является изображение сидящего старика справа – он смотрит в пространство, как и многие старики, особенно когда они заняты чем-то, что не является частью происходящего перед ними. Взгляды троих детей насторожены, но им не хватает концентрации, как у взрослых. Таким образом, художники этой картины впервые во французской живописи наблюдали "кусочек жизни". Изображение зажиточных крестьян интересно с социологической точки зрения, потому что изображений этого класса очень мало, но, что еще важнее, оно показало, что шедевры могут быть созданы из скромного материала. Такого реалистического обращения с "низкими" предметами не было во французском искусстве до Курбе в девятнадцатом веке.
Луи Ленен (Louis Le Nain). Аллегория победу или Благочестие, победившее протестантизм. 1635. 

Матье Ленен (Mathieu Le Nain). Тайная вечеря. 1650. Основано на Библии. Тайная вечеря Иисуса Христа с апостолами.

 

 

Луи Ленен (Louis Le Nain). Курилка, так же известна как Гвардейский корпус. 1643

 

Луи Ленен (Louis Le Nain). Счастливое семейство. 1642

 

 

Луи Ленен (Louis Le Nain). Возвращение с сенокоса. 1641

 

 

Матье Ленен (Mathieu Le Nain). Отречение Святого Петра. 1648. Основано на Библии. Обвиненный служанкой и двумя солдатами, апостол Петр отрекается от Христа. Картина иллюстрирует момент шокирующего откровения для апостола Петра. Незадолго до ареста Иисус предупредил самого старшего из своих учеников, что тот трижды отречется от него до рассвета: и, несмотря на его заверения в верности, Петр только что трижды ответил, что не знает его. При крике петуха он обнаруживает свою трусость и плачет. Художник как бы берёт зрителя в свидетели. Эта тема была поднята Караваджо в конце его карьеры. После него излюбленной темой стали художники: Бабюрен, Манфреди, Турнье, а позже Жорж де Латур и Рембрандт.

 

Жан Мишелин (Jean Michelin). Булочник и разносчицы воды. 1653–1656. Ученик Антуана и Луи Ленена, Мишлен начал свою карьеру в качестве художника-бамбошада (bambochades), изображающего деревенские сцены, оживляемые дерзкими и карикатурными персонажами, прежде чем перейти к религиозным темам. Среди его известных работ – изображение "Поклонение пастухов", которое в настоящее время находится в Лувре. Его уличные жанровые сцены, где скромные, простые люди старой французской деревни выстроены чопорно, фронтально, как бы в позе, кажутся еще более наивными, чем интерьерные или фермерские сцены его вдохновений.

 

 

Академия, также известная как собрание знатоков. 1640

 

 

 

Исаак ван Остаде (Isaack van Ostade). Телега, едущая по берегу замерзшего канала.

 

Ян ван Гойен (Jan van Goyen). Речной пейзаж с мельницей и разрушенным замком. 1644.

 

 

Питер де Хох (Pieter de Hooch). Карточные игроки в роскошной обстановке. 1663–1665

 

Питер де Хох (Pieter de Hooch). "Выпивка", известная как "Женщина, пьющая с двумя мужчинами". 1658. Жанровые сцены де Хоха, на улице или в помещении, изображают людей и предметы, расположенные в строгой геометрической композиции. Здесь упоминаются несколько разных художников: Ян Стен (Jan Steen) для курения табака и напитков и Геррит Доу (Gerrit Dou) для собаки.
Гаспар Нетшер (Gaspard Netscher). Бас-альтист, также известный как урок игры на бас-альте. 1664–1665. Голландский живописец не оставил точных сведений о месте своего рождения, упоминая и Гейдельберг, и Прагу, и есть аналогичные сомнения относительно даты его рождения. Большую часть своей карьеры он провел в Гааге, где он поселился в 1661/62 году, но тренировался в Девентере у Терборха. От своего мастера он перенял пристрастие к изображению дорогих материалов, особенно белого атласа. Он писал жанровые сцены и некоторые религиозные и мифологические сюжеты, но примерно с 1670 года посвятил себя почти исключительно портретам, часто для придворных кругов в Гааге. Его репутация была такова, что Карл II пригласил его в Англию. Его работы, элегантные, французские, небольшие по размеру и изысканно законченные, оказали влияние на голландскую портретную живопись 18 века, на его последователей, включая его сыновей Константина и Теодора (1661–1732).

Герард Терборх (Gerard ter Borch). Паж обслуживает двух юных музицирующих дам, известный как Концерт. 1657. Было бы ошибкой видеть в этом дуэте простую сцену увлечения или утверждение специфически женской обстановки или культуры. Наверняка они ждут посетителя мужского пола, будь то музыкант или жених. Мальчик, одетый по французской моде, появляется на нескольких картинах Терборха.
Ян Вермеер (Johannes Vermeer). Астроном. 1668. XVII век – век научной революции. Астроном изучает небесный глобус, а на столе лежит астролябия, возможно, персидского происхождения. На мужчине халат, похожий на кимоно. Нидерланды играли центральную роль в международной торговле, что объясняет, как Вермеер мог получить доступ к таким товарам.

Ян Вермеер (Johannes Vermeer). Кружевница. 1669–1670. На этой картине со всей утонченностью миниатюры, но в более крупном масштабе, изображена женщина с высоким положением, а не обычная работница. Слева из игольницы свисают пучки цветных ниток. Внимание привлекают руки, которые почти абстрактны. Нисходящий взгляд женщины придает картине довольно созерцательный вид.
Габриель Метсю (Gabriel Metsu). Женщина, чистящая яблоки, или Голландский повар. 1650.

Габриель Метсю (Gabriel Metsu). Овощной рынок в Амстердаме так же известный как Травяной рынок. 1661-1662. Садоводство было таким же мощным источником гордости и средств к существованию в Голландской республике, как и домашний скот. Овощной рынок, нарисованный Габриэлем Метсю, демонстрирует впечатляющее разнообразие капусты и корнеплодов на фоне Принсенграхта, одного из лучших каналов Амстердама. Метсю отдал почетное место моркови Хорн (апельсиновый корень в корзине из тростника) и цветной капусте, оба из которых являются дорогими овощами, недавно выведенными голландскими производителями; они контрастируют с репой и другими продуктами голландской кухни. Канал привлекает внимание к благоприятствующему фактору экономики Амстердама: его легкий доступ к сети водных путей Голландии. В декорациях и мотивах картина рассказывает о процветающей растительной и экономической культурах Амстердама, которые являются предметом многочисленных хвалебных описаний. Хотя у таких специфических рыночных изображений были некоторые общие прецеденты, их сочетание реальных мест с лучшими местными продуктами составляет их новизну и даже их голландскую принадлежность семнадцатого века.

 

Бартоломей Бреенберг (Bartholomeus Breenbergh). Портрет молодого человека двадцати лет с письмом в руках. 1641. Cначала Бреенберг был учеником в Амстердаме, но его годы в Италии стали решающими. Он принадлежал к первому поколению голландских итальянцев, художников, которые путешествовали по Италии в 1620-х годах и были вдохновлены ее светом и атмосферой. Вместе с Корнелисом ван Пуленбургом (Cornelis van Poelenburgh), чей ранний стиль очень похож, Бреенберг помог перенести итальянскую традицию пейзажа в Нидерланды, отражая увлечение североевропейских художников итальянскими пейзажами, а не местной топографией. В Голландии к 1633 году Бреенберг специализировался на сценах, включая римские руины, на основе своих рисунков Италии. В 1630-х годах он начал представлять библейские и мифологические персонажи, и его композиции стали крупнее и амбициознее. Бренберг часто рисовал темы Ветхого Завета, но сами сцены он помещал далеко на задний план своего пейзажа. Его выразительные типы фигур обнаруживают сходство с типами Питера Ластмана. После 1645 года он перешел от пейзажа к повествовательным сценам, а позже и к портретам. К 1652 году его продуктивность значительно упала; возможно, он стал торговцем.

Эгберт ван Хемскерк (Egbert van Heemskerck). Деревенский интерьер. 1660–1670. Художник специализировался на жанровой живописи , он представил деревенские игры, таверны и крестьянские хозяйства в грубом стиле Адриана Брауэра. Он также писал фантастические сцены с колдунами и монстрами, акцентируя внимание на элементах гротеска и странностей. Во время своего пребывания в Англии он также писал групповые портреты большого формата.
Корнелис Питерс Бега (Cornelis Pieterszoon Bega). Пара в деревенском интерьере, также известном как Домочадцы. 1662. Бега учился у Адриана ван Остаде; известно, что до 24 апреля 1653 г. Бега присоединился к Винсенту Лорентсу ван дер Винне во Франкфурте, вместе с которым они отправились путешествовать по Германии, Швейцарии и Франции. К 1 сентября 1654 г. Бега вернулся в Гарлем, так как в этот день он вступил в Гильдию Святого Луки; судя по первым сохранившимся датированным рисункам Бега, "Интерьер дома с кормящей матерью", и знаменитому двойному портрету (Амстердам, Рейксмузеум), написанным им и Лендертом ван дер Когеном в 1654г., к этому времени он уже был сложившимся художником.

Филипп де Шампань (Philippe de Champaigne). Успение Богородицы. 1629. При­двор­ный ху­дож­ник Ма­рии Ме­ди­чи, кар­ди­на­ла А. Ж. Ри­ше­льё, ко­ро­лей Лю­до­ви­ка XIII и Лю­до­ви­ка XIV. Вы­пол­нял де­ко­ра­ци­он­ные ра­бо­ты в двор­цах и церк­вах Па­ри­жа. В пси­хо­ло­ги­чески за­ост­рён­ных, стро­гих по сти­лю порт­ре­тах со­че­тал чер­ты фламандского реа­лиз­ма и ран­не­го французского клас­си­циз­ма. По­пав под влия­ние ян­се­низ­ма (с 1640), пи­сал ас­ке­ти­че­ски сдер­жан­ные ре­лигиозные кар­ти­ны ("Тай­ная ве­че­ря", 1648), порт­ре­ты ("Ex voto", 1662) и на­тюр­мор­ты. Его пле­мян­ник и уче­ник – ху­дож­ник-де­ко­ра­тор Жан Ба­тист де Шам­пень (1631–81).

 

Гаспар де Крайер (Gaspar de Crayer). Богородица с младенцем Иисусом со святыми Домиником, Антонием, Августином и святыми Моникой, Дорофеей и Варварой. 1625-1650.

 

Филипп де Шампань (Philippe de Champaigne). В 1640-х годах Шампань попал под сильное влияние янсенизма, строгого римско-католического реформаторского движения с центром в Порт-Рояле. После этого он писал портреты лидеров янсенистов в холодном, сдержанном, рациональном французском духе. Выдающимся является Ex Voto de 1662 (1662, Лувр), изображающий его дочь, монахиню-янсенистку, излеченную от паралича молитвой. На картине изображены настоятельница Екатерина-Аньес Арно (Catherine-Agnès Arnauld) и сестра Екатерина де Сент-Сюзанна Catherine de Sainte Suzanne Champaigne), дочь художника. Святая Мария Египетская, творящая чудеса. 1656. Холст был захвачен во время революции в аббатстве Порт-Рояль-де-Париа, 1793 г. Как видно из названия (Ex-voto, "согласно данному обету" на латыни), эта картина была написана художником в благодарность Богу после чудесного исцеления его дочери, монахини в монастыре Порт-Рояль в Париже. Художник подарил ее в том же году монастырю.

Филипп де Шампань (Philippe de Champaigne). Тайная Вечеря. 1652. Эта сцена была написана для главного алтаря церкви аббатства Пор-Рояль-де-Шан в долине Шеврез, недалеко от Парижа. В этом изображении художник сочетает северную трактовку (реализм лиц, точная передача предметов) с монументальным языком мастеров итальянского Возрождения (крупный горизонтальный формат, широкие жесты и драпировки).

 

 

 

 

Габриель Метсю (Gabriel Metsu). Голландский Типплер или Сидящая женщина с кувшином вина и бокалом. 1657–1658. Сын художника Жака Метсю, фламандца по происхождению, Габриэль проявил интерес преимущественно к жанровой картине. Первые произведения художника выдают влияние Яна Стена и Дирка Халса, работавших в 1640-50-е годы в Лейдене, и свидетельствуют о том, что Метсю внимательно присматривался к творчеству этих мастеров. В 1657 году художник переехал в Амстердам. Соприкосновение с амстердамской художественной средой, знакомство с творчеством Г. Терборха, с произведениями мастеров делфтской школы завершило формирование художника. Произведения последних десяти лет относятся к лучшим созданиям Метсю, в которых выбор сюжетов, композиция, живописное мастерство достигают отточенного совершенства. Художник прожил короткую жизнь, но успел вписать яркую страницу в голландское искусство XVII века.

Каспар Нетшер (Caspar Netscher). Прерванный дуэт, или Певица и теорбист. 1664. Работая в Гааге, Нетшер писал элегантные жанровые сцены. Здесь всюду роскошь: фрукты на серебряном блюде, бутылки, остывающие в тазу, итальянская статуя, сад и т. д. Тема настолько же любовь, как и светские львицы, которые наслаждались такими изысканными занятиями.

Квирин ван Брекеленкам (Quiringh Gerritszoon van Brekelenkam). Визит доктора. 1665. Имя Квирина ван Брекеленкама впервые упоминается в записях Гильдии Святого Луки в Лейдене, к которой он присоединился в 1648 году. Его самая ранняя известная картина датирована 1644 годом. Он женился в Лейдене и жил там непрерывно до своей смерти в 1668 году. Есть предположения о том, что Квирин ван Брекеленкам был учеником Геррита Доу.
Герард Дау (Gerard Dou). Чтение Библии. 1645. Некогда оцененный чрезвычайно высоко, потом почти забытый, а в XX веке снова вернувшийся в ряды великих. Его работами интересовались европейские монархи, и каждая из них стоила баснословных денег – Рембрандт проигрывал в этом своему ученику. Герард (Геррит) Доу родился в 1613 году в городе Лейдене. Отец был мастером по изготовлению витражей, он и дал сыну первые навыки рисования и гравюры. С девяти лет мальчик был отдан на обучение к граверу Варфоломею Долендо, затем повышал мастерство у художника по стеклу Петера Коухорна. Когда же Доу исполнилось пятнадцать, его преподавателем стал Рембрандт, тоже житель Лейдена. Рембрандту на тот момент было всего лишь двадцать два, и сам он лишь искал свой стиль. Доу вместе со своим наставником участвовал в этих поисках. Первые работы Герарда Доу действительно несут на себе отпечаток ранней манеры Рембрандта. Считается, что на картине "Женщина, читающая Библию" Доу изобразил мать своего учителя, хотя не все искусствоведы придерживаются этого мнения. В 1631 году Рембрандт уехал из родного города в Амстердам, и Доу продолжил свой самостоятельный путь в искусстве.

Йоханнес (Ян) ван Хенсберген (Jan van Haensbergen). Женщина, кормящая грудью ребёнка. 1650-1700. По словам современника художника, Хенсберген родился в Утрехте. Поскольку он подписал некоторые картины с "Джо. Haensberg Gorco fecit", некоторые историки заключают, что он приехал из Горинхема, а другие – что он работал там какое-то время. В 1668 году Хенсберген был зарегистрирован в гильдии Святого Луки Утрехтского. В 1669 году его зачислили в Confrerie Pictura в Гааге, где он писал портреты для элиты. Йоханнес ван Хенсберген был учеником Корнелиуса ван Пеленбурга и, хотя неплохо рисовал в стиле своего учителя, переключился на портретную живопись, потому что мог лучше зарабатывать на жизнь льстивыми портретами белокожих женщин.
Герард Доу (Gerard Dou). Голландский повар. 1647. В 1628 году Доу стал первым учеником молодого Рембрандта, основывая свои ранние работы на работах своего учителя. После того, как Рембрандт переехал в Амстердам, Доу разработал свой собственный стиль, рисуя, как правило, в небольшом масштабе, с поверхностью почти эмалированной гладкости. Он был поразительно требователен к своим инструментам и условиям работы, с особым ужасом относился к пыли. Некоторые из его картин были написаны с помощью увеличительного стекла. Он рисовал множество предметов, но наиболее известен домашними интерьерами. Обычно они содержат лишь несколько фигур, обрамленных окном или драпировкой занавески и окруженных книгами, музыкальными инструментами или предметами домашнего обихода, и все они детально изображены. Лучше всего он проявляет себя в сценах, освещенных искусственным светом. Вместе с Яном Стеном Доу был одним из основателей Гильдии Святого Луки в Лейдене в 1648 году. В отличие от Стена, он был преуспевающим и уважаемым на протяжении всей своей жизни, и его картины продолжали продаваться по высоким ценам (постоянно выше, чем те, что платили за работы Рембрандта) до тех пор, пока появление импрессионизма повлияло на вкус против аккуратности и точности его стиля.

Якоб ван Шпреувен (Jacob van Spreuven). Учёный в своём кабинете. 1630. Якоб ван Шпреувен – малоизвестный художник из круга Рембрандта. В старой литературе его часто называют учеником Рембрандта, но современные исследования считают это маловероятным. Хотя в его работах есть стилистические элементы, напоминающие Рембрандта, они и близко не приближаются к его творческой силе. Если он работал на Рембрандта, то предполагается, что это было в 1630/31 годах. С 1940-х годов Шпреувен, кажется, больше ориентируется на Жерара Доу, потому что с этого момента он специализировался на изображении жанров в своем стиле.С этой ссылкой на Доу его работы заметно выигрывают в качестве.
Питер Якобс Кодде (Pieter Jacobsz Codde). Дама за туалетом. 1623. Жанрист, близкий к кругу Ф. Халса, Питер Кодде работал в основном в Амстердаме. Расцвет его творчества падает на 1630-1640 годы. Изображал интерьерные сцены с группами галантных дам и кавалеров, с отды­хающими офицерами и солдатами. Для интерьеров Кодде ха­рактерно почти полное отсутствие реквизита. В то же время он стремится достичь единства человека и среды, используя для этой цели – первым среди жанристов – тональный колорит. Обращался также к мифологическим и библейским сюжетам, писал портреты.

Виллем ван Мирис (Willem van Mieris) родился в Лейдене в 1662 году. Он упоминается как второй сын уже известного в то время жанриста Франса ван Мириса Старшего. Учится художественному ремеслу в мастерской своего отца, копируя его картины и, таким образом, технически перенимал виртуозный стиль. После завершения обучения Виллем ван Миерис стал членом Гильдии Святого Луки в своем родном городе в 1685 году. В своих ранних работах Виллем ван Миерис также работал с высококонтрастными светотеневыми эффектами, позже его основное внимание уделялось деталям изображения: Виллем ван Миерис выполнял даже мельчайшие части картины с большой дотошностью и, таким образом, создавал картины с очень особенный эффект. В соответствии со вкусом времени Виллем ван Миерис часто ориентировался на сюжеты античной мифологии и буколические мотивы. Помимо живописи, Виллем ван Миерис также работал гравером и мастером восковых фигур. Небольшие восковые скульптуры Виллема ван Мириса пользовались большим спросом при его жизни, но не были сохранены для потомков по причинам, связанным с материалом. В середине 1730-х годов художник теряет зрение и больше не может работать. Виллем ван Мирис умер полностью слепым в Лейдене в 1747 году.

Карел Дюжарден (Karel Dujardin). Христос испускает последний вздох в окружении хорошего вора Дисмаса и плохого вора Гестаса. У подножия Креста стоят святые жены: Богородица, припавшая к земле, и Мария Магдалина, взирающая на Иисуса. Дюжарден преуспел в больших религиозных сценах с гармоничными цветами; это произведение обстоятельно и трагично.
Барент Фабрициус (D'apres Barent Fabritius). Читающий человек. 1650. Голландский художник и рисовальщик, брат Карела Фабрициуса. Как и Карела, его учил рисованию отец, хотя неизвестно, был ли он, как и его брат, учеником Рембрандта. Его работы напоминают стиль его брата, который явно повлиял на него и, возможно, также наставлял его. Тем не менее, его стиль похож на стиль школы Рембрандта. Барент написал групповой портрет городского мастера-строителя Виллема Лендерстзон ван дер Хельм и его семьи в Лейдене (1656; Амстердам, Рейксмузеум), а в 1660–1661 годах получил дополнительные заказы для лютеранской церкви в Лейдене. Лучшие из его произведений: "Апостол Пётр в доме Корнелия" (Брауншвейгская галерея), "Меркурий и Аргус" (Кассельская галерея), "Семейство за столом" (маленькая картина в Стокгольмском музее), "Поясной портрет пастуха" (Венская академия художеств), "Сретение Господне" (в Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне), "Поклонение пастухов" (Лондонская Национальная галерея) и "Рождество Иоанна Крестителя" (там же).

Вибранд Симонс. де Гест (Wybrand Symonsz. de Geest). Портрет двенадцатилетнего мальчика. 1645. Де Гест был самым известным художником-портретистом Фрисландии и написал множество портретов зажиточных граждан своего времени, многие из которых сохранились в Музее Фриза. Возможно, самые интимные портреты, которые он написал, были портреты его ближайших родственников.
Николя Франсуа Октав Тассарт (Nicolas François Octave Tassaert). Портрет Антуана Беса Младшего в детстве (прежнее название: Ребёнок с козой). 1841. Модель является племянником мастера глубокой печати и торговца гравюрами М. Дюбрея, чей портрет, написанный Тассэртом, находится в Лувре. Тассарт был французским художником портретов и жанровых, религиозных, исторических и аллегорических картин, а также литографом и гравером. Его работы на Всемирной выставке 1855 года были хорошо встречены критиками, но Октав перестал выставляться после Салона 1857 года, все больше и больше уходя из формального мира искусства. Среди коллекционеров его работ были Альфред Брюяс и Александр Дюма, сыновья, но в 1863 году Октав вообще перестал рисовать и попытался стать поэтом (хотя ни одна из его работ не сохранилась), продав все оставшиеся картины дилеру Перу Мартену, впал в алкоголизм, повредив зрение и, наконец, покончил жизнь самоубийством, вдохнув угольный газ в 1874 году.

Иоганн Рассо Януариус Цик (Januarius Johann Rasso Zick). Интерьер, или Утро. Немецкий художник, сын Иоганна Цика. Начал учиться ремеслу у своего отца, известного живописца, к которому пошёл в ученики, чтобы научиться писать фрески. Закончив ученичество, вместе с отцом работал в резиденции принца-епископа Вюрцбургского, а затем, до середины 1750-х годов, в резиденции принца-епископа Шпейера в Брухзале. В 1756 году Януарий Цик отправился в Париж для дальнейшего образования. Там он познакомился с художниками и ценителями искусства из Рима, Базеля и Аугсбурга, которые расширили его кругозор в отношении искусства и оказали на него значительное влияние. После того, как в 1760 году украсил фресками замок Энгерс недалеко от Нойвида, Януариус Цик был назначен придворным художником курфюрста Трира, архиепископа Трира. Там он женился и поселился в Эренбрайтштайне. С конца 1770-х годов Януарий Цик много работал в Верхней Швабии, украсив ряд монастырских и приходских церквей фресками и запрестольными образами. С середины 1780-х годов до своей смерти работал на территориях курфюрста Трира и курфюрста Майнца.
Иоганн Ернст Гейнзиус (Johann Ernst Heinsius). Портрет супружеской пары с женщиной. Портретист и миниатюрист, получивший образование в Голландии, писал портреты для жилого дворца в Рудольштадте около 1765, затем работал в Утрехте и Лилле. В 1772 назначен кабинетным художником фюрста и хранителем большой герцогской галереи в Веймаре. В 1779 стал придворным живописцем дочерей Людовига XV в Париже. Портреты Гейнзиуса впечатляют тонкой психологической характеристикой и виртуозной передачей различных вещей.

Якоб Ван Велзен (Jacob Van Velsen). Гадалка. Голландский живописец. О раннем периоде его жизни почти ничего не известно. Он был сыном некоего Яна Якобса ван Велсена и Яннтегена Янсдра ван дер Хоха и родился около 1597 года. В следующий раз он упоминается в 1625 году, когда он вступил в гильдию Святого Луки в Делфте. Судя по всему, его семья была настолько бедна, что его матери пришлось платить тремя частями регистрационный взнос и первый ежегодный членский взнос. Ему никогда не приходилось зарабатывать на жизнь своей живописью, так как в 1626 году он женился на Гертгене Янс Кроле, богатой вдове-католичке. Ван Вельзен провел всю свою жизнь в Делфте, но умер в Амстердаме во время путешествия. Несмотря на наивную анатомию и кукольную тень, сильное моделирование и яркий дневной свет на этой картине напоминают эффекты в работах нескольких утрехтских художников, таких как Хендрик Тербругген (Hendrick Terbrugghen), Ян ван Бийлерт (Jan van Bijlert), Йоханнес Морелсе (Johannes Moreelse) и Якоб Дук (Jacob Duck). Бледно-зеленая стена и тонкие оттенки драпировки напоминают Тербрюггена и других жанровых художников того периода.
Геррит Люнденс (Gerrit Lundens) и Якоб ван Рёйсдал (Jacob Ruysdael). Игра в жмурки. Геррит Лунденс – голландский художник, специализировался на миниатюрной живописи. Основными темами, которыми он занимался, были натюрморты и портреты. Художника эпохи барокко, Рейсдала часто считают величайшим голландским художником-пейзажистом. Вероятно, он был учеником своего отца, рамщика и художника Исаака де Гойера, который позже называл себя Рейсдалом. Ни одна из картин Исаака не была идентифицирована с уверенностью, и невозможно определить характер и степень его влияния на Рейсдала. Якоб приходился племянником известному художнику Саломону ван Рейсдалу (это различие в написании последовательно встречается в их собственных подписях).

Николаус Кнюпфер (Nicolaus Knupfer). Явление святой Цецилии супружеской чете. 1655. Голландский художник немецкого происхождения. Почти все, что известно о его жизни, основано на надписи на единственном гравированном портрете, датированном 1642 годом. После начального обучения в Лейпциге и других местах Кнюпфер переехал в 1630 году в Утрехт, где учился у художника-маньериста Авраама Блумарта. В 1637 году вступил в гильдию Святого Луки, женился и получил важный королевский заказ на три батальных сцены, которые теперь утеряны. Написал несколько жанровых сцен и портретов, но сосредоточился в основном на небольших исторических картинах. Кнюпфер часто создавал сценические композиции со ступенями, ведущими к возвышению, где восседал правитель или судья. Он специализировался на исторических картинах, создавая работы, основанные на историях из Библии, греческой и римской мифологии. В свое время Кнюпфер пользовался значительной известностью и часто получал заказы от покровителей. Для его стиля характерна распущенность кисти, живость изображений и богатая палитра. Его теплые тона и драматическая светотень напоминают ранний стиль Рембрандта ван Рейна. Судя по стилистическому сходству, Кнюпфер, вероятно, был учителем Яна Стена.

Хендрик ван Стенвейк Младший (Hendrick II van Steenwyk). Воображаемый интерьер церкви. 1610–1620. Родился в Антверпене. Отец Стенвейка, художник Хендрик ван Стенвейк Старший, один из создателей жанра интерьеров, перевез семью из Антверпена в Франкфурт-на-Майне в 1585 году. Своего сына он обучал ремеслу художника уже на новом месте жительства. После смерти отца в 1603 году Стейнвик Младший стал владельцем мастерской во Франкфурте, но с 1604 по 1615 г. жил в Антверпене, где он сотрудничал с такими известными мастерами, как Франс Франкен Старший (Frans Francken the Elder) и Ян Брейгель Старший (Jan Brueghel the Elder). Известность он получил изображениями вымышленных интерьеров, основанных на интерьере собора Богоматери в Антверпене.

 

Никола Бертуцци (Nicola Bertuzzi). Мане, Фецель, Фарес: пир Валтасара и осквернение священных сосудов, разграбленных из храма в Иерусалиме. 1760. Бертуччи, или Бертуцци, известный как Никола Анконский или Л'Анконетано Бертуччи был итальянским художником в стиле рококо XVIII века. В основном писал фигуры в пейзажах или религиозных сценах. В 1732 году стал учеником Витторио Бигари в Академии Клементина и в 1752 году был избран членом Академии. Много работал в Болонье, написав, среди прочего, четырнадцать картин для Крестного пути в церкви больницы Сан-Бьяджо. После 1753 года он начал долгое и плодотворное сотрудничество с художником Карло Лоди. Его сотрудничество с учеником Лоди, художником-пейзажистом Винченцо Мартинелли, началось примерно в 1766 году. Результатом совместной деятельности стали многочисленные работы темперой в Казино Марсильи и в Casa Zani, который позже был разрушен. Среди последних достижений Бертуччи – двери, сделанные с помощью квадратуриста Гаспаро Просперо Пеши, фрески в базилике Санта-Мария-деи-Серви и картина под названием "Обед у Саймона / Le Repas chez Simon" в ныне разрушенном монастыре Сан-Доменико в Болонье. Многие из его работ можно найти в Анконе, в коллекции Ферретти, и в Болонье, в Академии и Национальной пинакотеке. 

Дирк Халс (Dirck Hals). Галантная встреча. Дирк был младшим братом Франса Хальса, который, вероятно, также был его учителем, но художниками, оказавшими влияние на Дирка, были Эсайас ван де Вельде (Esaias van de Velde) и Виллем Буйтевех (Willem Buytewech). Помимо нескольких портретов, он посвятил себя исключительно написанию сюжетов – веселой домашней жизни зажиточных горожан в их домах или садах. Его не интересовала серьезная сторона жизни; в своих работах он изображал людей, разговаривающих или флиртующих, музицирующих и танцующих, едящих и пьющих. Его интерьеры почти не проработаны, весь акцент делается на модном платье и красочном представлении. Ему удалось передать приподнятое настроение людей с помощью выражения лица, дорогой одежды, позы и свободной группировки.

Адриан Питерс ван де Венне (Adriaen Pietersz van de Venne). 1616. Аллегория перемирия 1609 года между эрцгерцогом Австрии, губернатором Южных Нидерландов и Северных Нидерландов. Эта картина признана одной из самых значительных работ того первого периода – "Празднования по случаю перемирия 1609 года" – замечательна по своей живописной изысканности и реалистичной утонченности, в некоторых деталях проявляются характерные черты лиричного голландского реализма.

Георг Флегель (Georg Flegel). Натюрморт с кувшином вина, буханкой хлеба и мелкой рыбой. 1637. Немецкий живописец родился в Ольмютце, Моравия. Около 1580 года он переехал в Вену, где стал помощником Лукаса ван Фалькенборха I, живописца и рисовальщика. В 1597 году получил права гражданина во Франкфурте, который в то время был известным центром искусства, и оставался там до самой смерти. Флегель считается важнейшим представителем немецких натюрмортов раннего Нового времени. Он специализировался на так называемых трапезах, банкетах, завтраках и цветочных натюрмортах. За период около 30 лет (ок. 1600–1630) он создал 110 картин акварелью и маслом, в основном натюрморты, на которых часто изображались столы, накрытые для еды и покрытые едой, цветами и случайными животными. Среди его учеников были два его собственных сына, Фридрих (1596/1597–1616) и Якоб (вероятно, Леонхард, 1602–1623), а также художник–флорист Якоб Маррель.

Денис ван Алслот (Denys Van Alstloot). Зимний пейзаж. 1610. Фламандский художник. Самый ранний документ, относящийся к нему, – это квитанция от 26 мая 1593 года за позолоту и украшение памятника семье Гарнье в Нотр-Дам-дю-Саблон в Брюсселе. В записях брюссельской гильдии художников, которые сохранились только с 1599 года, ничего не упоминается о его приёме в качестве мастера, но показано, что в период с 1599 по 1625 год он брал четырех учеников, последним из которых был Питер ван дер Борхт. В 1599–1600 годах ван Алслот поступил на службу к эрцгерцогу Альберту и эрцгерцогине Изабелле, которые доверили ему множество важных работ. В 1603 и 1604 годах ван Алслот получил от них два платежа за дизайн и плетение двух с половиной кругов гобелена с гротесками. Эта работа часто ошибочно принималось как указание на то, что он занимал видное место в развитии производства гобеленов в Брюсселе.

Питер Нифс Старший (Pieter Neefs the Elder). Внутренний вид церкви, инспирированный собором Антверпена. 1644. Фламандский мастер из семьи художников, работавших в Антверпене. Все трое членов семьи, Питер Нифс Старший и его сыновья Людовикус Нифс и Питер Нифс Младший, специализировались на росписях архитектурных интерьеров. Их наиболее частой темой был интерьер Антверпенского собора; детали скульптуры, алтарей и росписей различаются по точности, и иногда сюжет кажется очень вольно истолкованным. Мастера также любили изображать эффекты искусственного освещения в пространствах, похожих на склеп. Их картины, как правило, небольшие, написаны на меди и выполнены точно и аккуратно. Работы, датированные до 1640 г. (когда к мастерской подключился Питр Младший) превосходят по качеству; возможно, что картины, приписываемые либо Питеру Старшему, либо Питеру Младшему, на самом деле принадлежат Людовикусу, наименее известному члену семьи.
Питер Нифс Старший (Pieter Neefs the Elder). Освобождение Святого Петра. 1620–1630

Гиллис ван Фалькенборх (Gillis van Valckenborgh). Сцена битвы. Фламандский художник, член семьи художников, работающих в Германии. Он был сыном Мартена ван Фалькенборха, племянника Лукаса ван Фалькенборха и брата Фредерика ван Фалькенборха. К 1586 году Мартен и два его сына поселились во Франкфурте-на-Майне, где Лукас присоединился к ним в 1592-93 годах. Большинство из немногих сохранившихся работ Гиллиса написаны на больших полотнах продолговатого формата, которые также любил его дядя Лукас. Его маньеристский стиль, известный своим точным рисунком, яркими цветами и панорамными пейзажами, хорошо подходил для мифологических сцен с участием больших анимированных групп фигур и драматических действий.
Анонимный художник из Италии. Венецианская школа. Вакханалия. Начало XVI века.

Джобст Харрич (Jobst Harrich). Христос и прелюбодейка. 1617. Иисус учит народ в храме, когда книжники и фарисеи, его заклятые враги, приводят к нему женщину, "взятую в прелюбодеянии"". Её ставят перед Иисусом, искушая и желая испытать его. Ему напоминают: в законе Моисеевом сказано, что таких надо побивать камнями, а что скажет об этом Иисус? Как им поступить – забить её камнями до смерти или пощадить? Конечно, это западня. Если Иисус велит отпустить женщину, его обвинят в нарушении закона Божьего, если скажет, что её надо побить камнями, ему напомнят, что он же сам учит любви, милосердию и прощению. Иисус отвечает не сразу: вместо этого он, наклонившись, пишет пальцем на земле. Но расспросы продолжаются, и он предлагает: "Кто из вас без греха, первый брось на нее камень"

Гендрик де Клерк (Hendrick De Clerck). Свадьба Фетиды и Пелея, или Пир богов. 1606–1609. Картина выполнена в сотрудничестве с Яном Брейгелем Старшим. Клерк был фламандским художником. Большую часть своей успешной карьеры он провел в Брюсселе. Будучи учеником Мартена де Воса и пронёс традицию маньеризма далеко в XVII век. В 1606 году его назначили придворным художником эрцгерцога Альберта. Прежде всего, Клерк был художником запрестольных образов, и характерным примером его стиля является Семья Богородицы (Musées Royaux, Брюссель. 1590) с его итальянскими фигурами, одетыми в беспокойные драпировки и помещенными в холодное классическое здание.

 

Франс Младший Пурбус (Frans II Pourbus). Тайная вечеря. Картина была написана в 1618 году для главного алтаря церкви Сен-Лё-Сен-Жерве в Париже. Монументальная простота симметричной композиции, соразмерная архитектуре, сдержанная выразительность фигур произвели фурор в художественных кругах столицы. Фламандский художник, сын Франса Пурбуса Старшего. Вполне вероятно, что он обучался в студии своего деда Петера Пурбус (Pieter Pourbus) в Брюгге, автора Тайной вечери 1548 года, которая является самой ранней известной картиной художника. Картина показывает слабость художника к необычным иконографическим программам, с некоторым сходством с аллегориями, излюбленными современными залами риторики. Чудовищная фигура с когтями и черепом (Алчность, Предательство?) входит в комнату справа, в сторону Иуды, который выходит с кошельком в руке. В 1591 году Франс Младший Пурбус стал мастером Антверпенской гильдии Святого Луки.

Франс Младший Пурбус (Frans II Pourbus). Мария Медичи, королева Франции. 1609–1610. В своем парадном портрете Марии Медичи (1573–1642), королевы Франции 1600 года, Пурбус продемонстрировал реалистичный, строгий стиль, типичный для итало-испанской традиции шестнадцатого века. Он следовал семейной традиции и выполнял портреты, портретные группы и, иногда, религиозные сюжеты. В 1594 он работал в Брюсселе, а в 1599 провел год, работая при дворе эрцгерцогов Альберта и Изабеллы. Его ранние работы, например, портрет Петруса Рикардуса, были близки гладкому и блестящему стилю его деда, но также испытали влияние реализма Адриана Ки (Adriaen Key). В сентябре 1599 года Винченцо Гонзага I, 4–й герцог Мантуи, был в Брюсселе и назначил Франса Младшего своим главным портретистом. Франс уехал в Мантую в 1600 году (где также работал Рубенс); записано, что он выполнил ряд портретов герцогской семьи, но это не помешало ему работать для других важных покровителей: император Рудольф II подумывал о женитьбе, и Пурбус отправился в Инсбрук (1603 г.) и Грац (1604), чтобы написать портреты предполагаемые невесты. Сын Винченцо Гонзаги Франческо отправил Поурбуса в Турин с тем же поручением, и Поурбус написал дочерей Карла-Эмануэля I, 11–го герцога Савойского (в 1608 году Франческо женился на Маргарет Савойской). В 1606 году Пурбус отправился в Париж, чтобы написать французскую королевскую семью по случаю крещения дофина его тети и крёстной матери, герцогини Элеоноры Гонзага. В 1609 году Пурбус стал художником Марии Медичи при французском дворе.
Франс Младший Пурбус (Frans II Pourbus). Святой Франциск Ассизский. Получение стигматов (раны распятого Христа). 1620.

Питер Поттер (Pieter Potter). Портрет художника в кирасе и берете с перьями. Мастер принадлежал к голландской семье живописцев, рисовальщиков и офортистов. Питер Поттер создавал картины во всех основных жанрах; позднее его затмил сын Паулюс Поттер, авторство работ которых часто путали. Питер подписывал свои картины П. Поттером, тогда как Паулюс обычно подписывал Паулюс Поттер. Питер Симонс.  Предположительно, Питер обучался вместе со своим отцом-стеклодувом Симоном росписям по стеклу в Энкхейзене, где работал до 1628 года, когда он вошел в лейденскую гильдию стеклодувов в качестве мастера, став её главой в 1629 году. В конце 1620-х годов, когда его интересы постепенно сместились от живописи по стеклу к станковой живописи, его стиль становился все более натуралистичным. В то время как его первые исторические сцены отражают манерный стиль удлиненных фигур и наклонного пространства, характерный для более консервативной области живописи по стеклу, весёлая компания и исторические сцены, которые он создал после 1630 года, представляют собой фигуры и натюрморты с более естественными пропорциями, тщательно расположенные в простых коробчатых пространствах. Его четкое определение пространства с точки зрения трехмерных объемов также характеризует его натюрморты. 

 

Лодевик де Дейстер (Lodewijk de Deyster). Ангелы и аллегорические фигуры искусства и науки, представляющие диссертацию Иоганна де Воса, жителя Брюгге. 1695. Фламандский художник, офортист и создатель музыкальных инструментов Дейстер был учеником Яна Маеса (Jan Maes). Вместе с художником Антуном ван ден Экхуттом (Antoon van den Eeckhoutte), на сестре которого Доротее женится, отправился в Италию. В дополнение к своим художественным талантам (живописец, рисовальщик, офортист и музыкант) он или его жена также владели магазином тканей. Помимо ряда портретов, в том числе опекунов больницы Святого Иоанна в Брюгге, Дейстер писал в основном  религиозные сцены. Эти картины были выполнены в стиле высокого барокко с явным влиянием итальянских мастеров (Джордано, Маратта, Бароччи) и южных нидерландских художников (Рубенс, Ван Дейк, Боекхорст). Его работы можно найти в церквях и монастырях Брюгге, Кортрейка, Гистеля и Гента, а также в Лувре в Париже. Де Дейстер также был мастером по изготовлению клавесина, скрипки и органа. В 1707 году ему было поручено завершить орган Якоба ван Эйнде в Синт-Аннакерке в Брюгге. Он также построил органы для церкви Святого Креста и часовни Богарден. Его сменил органный мастер Якоб II Бергер, который завершил создание органа для Синт-Петрус-ан-Паулюскерк в Остенде под руководством вдовы Де Дейстер.

 

Луис де Колери (Louis de Caulery). Воображаемый вид на сады виллы Медичи в Риме (Италия). 1610. Фламандский живописец, пионер жанра придворных посиделок во фламандской живописи XVII века. Вероятно, он приехал из деревни Коллери недалеко от Камбре, но переехал в Антверпен в 1594 году, чтобы учиться у Йооса де Момпер (Joos de Momper), и был принят там в 1602 году в качестве мастера. Хотя дата его отъезда в Италию неизвестна, работы Момпера показывают, что художник провел время в Венеции, Флоренции и Риме. Он особенно интересовался жанровой живописью и имел дело с самыми разнообразными сюжетами: карнавалами на льду, фейерверками, корридой, развлечениями под открытым небом, аллегориями пяти чувств и посиделками в духе школы Фонтенбло. Его фигуры особенно вытянуты, принимают изящные позы и обычно характеризуются гладкими бледными лицами и широкими лбами. В его цветовой палитре чувствуется влияние итальянских художников: полутона, охристо-желтый, веронский зеленый и бордовый красный. Момпер особенно интересовался изображением архитектуры и умел изображать свои фигуры и их расположение в перспективе.

Питер I Брюгель (Poeter I Bruegel), известный как Старший (Vieux). Калеки. 1568. Несмотря на небольшой масштаб, эта работа лаконично выражает саркастический, мучительный, но в конечном счете сочувствующий взгляд Брейгеля на состояние человека. Было высказано предположение, что он изображает простую сцену отправления прокаженных из Лазаретто на карнавал и что калеки имеют политическое, социологическое или моральное значение, но в любом случае художник производит сильное впечатление физические страдания и моральная изоляция этих изгоев. На этой поздней картине Брюгель изображает калек изолированно. Женщина удаляется, предположительно принесла им еду. Калеки кажутся возбужденными; мы не можем определить, почему. Различные головные уборы могли указывать на различные социальные статусы: митра (духовенство), меховая шапка (гражданин), шапка (крестьянин), каска (солдат), корона (аристократ). "Ложь ходит, как калека на костылях", – гласит голландская пословица. Это означало бы, что все общество лицемерно. Однако сегодня нас интересует не эта аллегория, а взгляд Брюгеля на увечных людей.

Копия работы Питера I Брюгеля (Poeter I Bruegel), известного как Старший (Vieux). Притча о слепых. 1568 гг. Согласно Библии, Евангелию от Луки. Упрощение формы привлекло Брейгеля к произведениям итальянского искусства, которые он видел и изучал во время своего заграничного путешествия и которые оказали на него влияние после его переезда в Брюссель в 1563 году. Во многих его более поздних картинах фигуры большие, они доминируют над сценой, но их единственная реальная связь с итальянским Возрождением заключается в их массивной простоте. Только позже картины Брейгеля получили свои названия; с тех пор они претерпели изменения на протяжении веков, и большинство произведений сегодня известно под разными именами. Это произведение, также известное как "Падение слепых", относится к притче Христа о фарисеях (Матфея 15:14): "И если слепой ведет слепого, то оба упадут в яму". В притче о слепом, ведущем слепого, Христос иллюстрировал в легко ощутимой физической форме духовное состояние – внутреннюю слепоту к истинной религии. В этом поистине трагическом образе Брейгель дает визуальное выражение словам Христа. Фризовое шествие крупных фигур шести слепцов достигает мучительной кульминации в испуганном выражении падающего второго. В отличие от этой ошеломляющей линии человечества за ними стоит церковь, сильная и прочная, представляющая веру, дающую истинное видение. И снова в поздней работе Брейгель дает особую и реалистическую интерпретацию христианской морали. Слепые были предметом особого восхищения Брейгеля. Он представил группу в "Борьбе между карнавалом и Великим постом", а на рисунке 1562 года в Берлине также изображена группа из трех слепых. Другие картины Брейгеля, изображающие слепых, упоминаются в ранних описях. Его обращение с ними сочувственно, но ни на мгновение не покровительственно.

Ян Брюгель Старший (Jan I Brueghel), прозванный также Бархатным. Воображаемый вид: храм Сивиллы в Тиволи (Италия). 1610. Фламандский живописец и рисовальщик, второй сын Питера Брюгеля Старшего (Отец писал свое имя Брюгель до 1559 года, а его сыновья сохранили букву «h» в написании своих имен). В начале своей карьеры он посетил Кёльн и Италию, прежде чем поселиться в Антверпене в 1597 году. Сделал там карьеру, став деканом гильдии, работал на эрцгерцога Альберта и инфанту Изабеллу и часто посещал двор Брюсселя. Его специализацией были натюрморты, особенно цветочные картины и пейзажи, но он работал в совершенно ином духе, чем его отец, изображая ярко окрашенные пышные лесные сцены, часто с мифологическими фигурами, в манере Конингсло и Бриля. Его изысканные цветочные картины были признаны лучшими на тот момент, а его виртуозное мастерство в изображении тонких текстур принесло ему прозвище "Бархатный Брюгель (Velvet Brueghel). Брюгель часто он сотрудничал с другими художниками (особенно со своим близким другом Рубенсом), рисуя для них фоны, животных или цветы. Он имел значительное влияние, особенно на своего ученика Даниэля Сегерса, его сыновей Яна II и Амброзиуса и внука Яна ван Кесселя. Дальнейшие потомки и подражатели перенесли его стиль в XVIII век.
Копия с оригинала Яна I Брюгеля (Jan I Brueghel) по прозвищу Бархатный (Velours). Вода. 1613–1616.

Ян I Брюгель Старший (копия с оригинала). Огонь. 1613–1616. Эта работа, несомненно, самая яркая из четырех картин, и та, в которой воображение художника разыгралось наиболее свободно, приняв почти бесконечное количество творческих решений. Стихия огня проявляется прежде всего в огромном пламени, которое, как неукротимая сила природы, пожирает здание на горе на среднем расстоянии. Но художник работал и над темой огня, изображая огромную мастерскую, где рабочие (которых кардинал называет мифическими циклопами) производят огромное количество предметов: доспехи, стеклянную посуду, кувшины, предметы домашнего обихода. инвентарь и инструменты для ремесленной мастерской. Для производства этого огромного количества предметов нужна сила огня, уже не как подавляющая, разрушительная сила, а укрощенная человеком и подчиненная его воле в печи, которую мы видим с левой стороны. Картина подписана и датирована 1608 годом и была первой из четырех написанных.
Ян I Брюгель (Jan I Brueghel) по прозвищу Бархатный (Velours). Земля (Земной рай). 1607–1608. Эта картина принадлежит к серии "Четыре элемента", заказанной в 1607 году кардиналом-епископом Милана Федерико Борромео. Остальные три картины ("Воздух", "Вода", "Огонь") находятся в Амброзианской библиотеке в Милане.

Ян II Брюгель (Jan I Brueghel), известный как Младший. Скотный двор. 1620-1630. Художник был сыном Яна Брюгеля Старшего. Вероятно, он обучался в студии своего отца, а затем отправился в Милан, чтобы встретиться с покровителем своего отца, кардиналом Федерико Борромео. Весной 1624 года Ян Младший отправился в Палермо, Сицилия, со своим другом детства Антонисом ван Дейком. После внезапной смерти отца во время эпидемии холеры в Антверпене Ян вернулся в Нидерланды, а к началу августа 1625 года приехал в Антверпен, где занял мастерскую своего отца. Ян продавал картины, оставленные отцом, и успешно завершал наработки. В 1625 году он вступил в Антверпенскую гильдию Святого Луки, а в 1626 году женился на Анне-Марии, дочери Авраама Янссенса; у них было одиннадцать детей. Ян Младший возглавлял большую студию со студентами и помощниками, а в 1630-31 годах стал деканом антверпенской гильдии. В том же году ему было поручено написать цикл Адама для французского двора. После этого студия пришла в упадок, и Ян написал несколько небольших картин в манере своего отца, которые больше не продавались по высоким ценам. Согласно надписи, приписываемой одному из его сыновей на последней странице дневника Яна, которая заканчивается в 1651 году, Ян Младший также был во Франции в 1650-х годах, работая в Париже, хотя до сих пор не появилось никакой информации, указывающей, как долго он оставался там и то, что он рисовал. В 1651 году Ян Младший работал при австрийском дворе.  В Антверпене он упоминается в 1657 году, а различные источники указывают, что он оставался там до самой смерти.

Йоос де Момпер (Joos De Momper). Горный пейзаж с крестьянской семьей, отдыхающей у тропы. 1620–1630. Йоос де Момпер II был ведущим членом антверпенской семьи художников и дилеров. Его обучал отец, но он, вероятно, в 1580-х годах отправился в Италию и увидел там Альпы: Йоос жил в Антверпене, но его работы неизменно изображают большие горы, иногда под влиянием Брюгеля, и они образуют переход между маньеристским пейзажем и реалистическим типом, развитым в Нидерландах в XVII веке, напр. Ван Гойен. На его картинах обычно голубые горы на заднем плане с желтовато-зеленым центром и более темным передним планом, населенным маленькими фигурками, часто нарисованными самим Момпером. Атрибуция затруднена из-за того, что другие члены семьи работали в похожем стиле. Есть несколько работ в Вадуце (собрание Лихтенштейна) и четыре сезона в Брансуике; другие находятся в Амстердаме, Антверпене, Берлине, Манчестере (Уитворт) и Оксфорде.

Адриан ван Сталбемт (Adriaen van Stalbemt). Вид на окрестности Брюсселя (воображаемый вид). Фламандский живописец и офортист. После падения Антверпена (1585 г.) его протестантская семья эмигрировала в Мидделбург, но позже Адриан вернулся в Антверпен. Его первая работа – "Пейзаж с охотниками" – датирована 1604 годом. В 1609 или 1610 году стал мастером; обучил трех учеников. В 1633-04 годах провёл десять месяцев в Англии, где, среди прочего, написал два вида на Гринвич. Помимо пейзажей, Адриан писал религиозные, мифологические и аллегорические сцены и был гравёром. Его творчество демонстрирует большое стилистическое разнообразие, но из-за небольшого количества датированных работ его с трудом можно каталогизировать в хронологическом порядке. Некоторые работы обнаруживают влияние Яна Брюгеля Старшего, в то время как другие более тусклые по цвету и не демонстрируют такой же тщательной техники кисти. Давид, убивающий Голиафа – это совместная работа с Питером Брюгелем Младшим, в которой фигуры, несомненно, являются работой ван Сталбемта. Группа работ, ранее приписываемая Адаму Эльсхаймеру, теперь приписывается ван Сталбемту. Влияние Эльсхаймера, особенно заметное в композиции, предположительно передалось через Давида Тенирса Старшего, который какое-то время работал в студии Эльсхаймера. Более поздние работы Ван Сталбемта также обнаруживают явное сходство с искусством Хендрика ван Балена.
Ян II Брюгель (Jan I Brueghel), известный как Младший. Битва при Иссе, ранее называвшаяся битвой при Арбеле. 1602

Ян Фейт (Jan Fyt). Орлы, нападающие на уток. 1651. Фламандский художник и офортист, преимущественно создающий натюрморты и охотничьи произведения. В основном Ян работал в своем родном Антверпене, где был учеником Снайдерса, но в ходе своей успешной и плодотворной карьеры он также путешествовал по Франции, Нидерландам и Италии. Как и Снайдерс, Фейт писал сложные декоративные натюрморты, связанные с кругом Рубенса. Его наиболее характерные картины изображают охотничьи трофеи, мертвых оленей, зайцев и птиц, обработанных с чувством текстуры и деталей, сродни тому, что часто можно увидеть в голландских натюрмортах. Редкие цветочные картины Фита исключительно прекрасны и, пожалуй, более соответствуют современному вкусу. Среди его последователей Питер Боэль и Давид де Конинк были его самыми влиятельными преемниками.
Ян Фейт (Jan Fyt). Собака рядом с мертвой дичью и скульптурным барельефом. 1651.

Ян Фейт (Jan Fyt). Дичь – куропатка и заяц – и корзина с виноградом под присмотром кота. 1645–1650. Фейт был разносторонним специалистом по натюрмортам. Хотя он более известен своими охотничьими работами, изображениями дичи и животных, он также писал красивые натюрморты с цветами и фруктами. Он был очень плодовитым и, как полагают, создал около 280 картин, многие из которых были подписаны и датированы. Его работы были востребованы крупными коллекционерами произведений искусства того времени и сейчас находятся в коллекциях многих ведущих международных музеев. Натюрморты животных Фита, как правило, более изысканны, чем у Франса Снайдерса, поскольку он обслуживал в первую очередь вкусы аристократической клиентуры. На его палитру, вероятно, повлияло его знакомство с итальянским искусством, и она была более яркой, чем у Снайдерса. В его работах постепенно появляются более динамичные движения и асимметрия. Неистовые нервные мазки Фейта и его свободный и барочный композиционный стиль также отличались от стиля Снайдерса. Фейт был особенно искусен в тонкой передаче различных текстур меха и оперения животных, которых он изображал.

Самуэль Гофман (Samuel Hoffmann). Натюрморт: фрукты и овощи. 1640–1642. Художник был сыном реформатского пастора, который рано распознал таланты мальчика и познакомил его с художественной карьерой Готхардом Ринггли (Gotthard Ringgli), художником, получившим признание в Цюрихе и Берне. Завершив свое ученичество, Самуэль отправился в Антверпен; туда его привлекла репутация школы Рубенса, куда ему удалось быть принятым. Следуя учению Рубенса и замечая его уловки, Гофман вскоре стал хорошим художником. Позже он поселился в Амстердаме, откуда в 1624 году вернулся в Цюрих и здесь открыл сферу деятельности, которую немногие из его соотечественников нашли у себя на родине. Его достижения в области портрета получили признание в высоких и широких кругах. Портреты Гофмана не просто воспроизводят внешние облики, но выражают в них всю глубину душевной жизни. В остальном его палитра теплая, местами даже светлая. С тщательно составленными натюрмортами, основанными на его голландских современниках, Хофман показывает, что знаком с последними этапами развития фламандской живописи. Его кухонные и охотничьи произведения представляли совершенно новый для Швейцарии в то время жанр, где Хофманн смог наилучшим образом совместить друг с другом две свои особые области, портреты и натюрморты.

Корнелис де Бальер (Cornelis de Baellieur). Кабинет коллекционера. 1637. Фламандский художник. В 1617 году поступил в ученики к Антону Лизарту и только девять лет спустя стал мастером Антверпенской гильдии Святого Луки, деканом которой он был в 1644-45 годах. Его сын с таким же именем тоже стал художником, но конкретных свидетельств его творчества нет. Корнелис де Белье Старший был художником маленьких фигур и был тесно связан с Франсом Франкеном II; возможно, он даже работал в своей студии. Единственная известная подписанная и датированная работа де Бельера – это "Интерьер коллекционного кабинета". Эта картина, на которой изображен роскошно украшенный интерьер с посетителями, любующимися картинами маслом и предметами искусства, подтверждает мастерство малоизвестного художника. Влияние Франкена проявляется в часто подписываемых библейских картинах де Бальера. Тем не менее, рисунки де Бальера поражают своей тщательностью. Однако понять, насколько высоко его ценили современники, невозможно из-за отсутствия исходного материала. Современному зрителю его композиции кажутся несколько кричащими, поскольку в своих библейских картинах он предпочитал сопоставление беловато-жёлтых, фиолетовых и розовых тонов. Его стиль легко узнаваем: стереотипные фигуры с кукольными лицами, чуть навыкате глазами и круто покатыми плечами. 

Гиллис ван Тильборг (Gillis van Tilborch). Семейная вечеринка на открытом воздухе. 1670. фламандский художник. Говорят, он научился рисовать у своего отца, затем учился у Давида Тенирса Младшего. В 1654 году Гиллис стал членом гильдии художников в Брюсселе и с тех пор руководил мастерской, хотя можно идентифицировать лишь немногих из его учеников. Картины Тильборга в основном подписаны монограммой TB и датированы между 1650 и 1671 годами. Он писал жанровые сцены крестьянской жизни, такие как сцены кермеса и таверны, в манере своего мастера и Йоса ван Красбек. Ван Тилборг использует цвета с красными и синими оттенками, напоминающими Тенирса. Часто изображал пары в поясе, как в ряде аллегорических серий, которые он сделал из пяти чувств. Тильборг также специализировался на групповых портретах городских граждан с несколько жесткими фигурами и всегда яркой палитрой. Иногда он писал библейские сцены, но после июня 1666 года, когда был назначен хранителем коллекции картин в замке Тервюрен, недалеко от Брюсселя, писал в основном интерьеры Кунсткамеры. Около 1670 года ван Тилборг отправился в Англию; предположительно посетил Тичборн-Хаус, Олресфорд, Хантс, где в 1671 году изобразил сэра Генри Тичборна и его семью, подающих милостыню.

Жак Стелла (Jacques Stella). Богиня Минерва с музами. 1640-1650 гг. Искусство Стеллы, хотя иногда и находилось под влиянием Пуссена с точки зрения композиции, часто было гораздо более беззаботным. При том что он иногда использовал пуссинские фигуры в своих больших композициях, Стелла никогда не интересовался моральной и интеллектуальной стороной искусства Пуссена. Мифологическая история, изображенная на этой картине, такова. Минерва (греч. Афина Паллада) была одним из главных божеств Древней Греции и Рима и, подобно Аполлону, имела благожелательное и цивилизующее влияние. В греческой мифологии она была дочерью Юпитера (Зевса) и во всеоружии выпрыгнула из его головы. Знакомая фигура в доспехах с копьем, щитом и шлемом, покровительница учебных заведений и искусств, встречающаяся в гражданской геральдике, скульптуре и живописи, – лишь один из многих ее аспектов. В ранней форме она была богиней войны, отсюда и её оружие. Она была покровительницей Афин, а Парфенон был её храмом. Овидий описывает, как Минерва посетила Муз на горе Геликон, их доме, чтобы послушать их песню и историю и увидеть священный источник Гиппокрена, который вытекал из скалы после того, как в неё ударили копытом крылатого коня Пегаса. Сцена представляет собой лесистый склон горы, где компания муз играет на своих инструментах или просматривает книги. На заднем плане виден Пегас. Ассоциация Минервы и муз соответствовала традиции, согласно которой она была покровительницей искусств.

Эсташ Лесюэр (Eustache Le Sueur). Эскизы центральной части потолка Кабинета любви в отеле Ламбер в Париже. Слева направо: Венера представляет Купидона Юпитеру. Купидон, поруганный матерью, ищет убежища в объятиях Цереры. Рождение Купидона.  Купидон приказывает Меркурию объявить о своей силе Вселенной. Купидон принимает дань уважения Диане, Аполлону и Меркурию. Французские дворянские дома следовали трехкомнатному принципу: прихожая, спальня и "кабинет". Эта последняя была самой интимной, но не обязательно самой маленькой комнатой, обычно украшенной нарочито и оригинально. Декоративная программа была задумана как содержательная. В отеле Lambert Le Sueur последовательно украсили три комнаты, все в стиле Карраччи, все с красноречивыми темами: Кабинет любви (1645-47), Комната муз (1652-54) и скрытая ванная комната. с очень изысканным потолком (1652-55). 

По Ван Дейку (VAN DYCK). Голова юноши Копия одной из фигур Христа, благословляющего детей в Оттавском музее (картина первого антверпенского периода художника, около 1618 г.).

По Ван Дейку (VAN DYCK). Приготовления к мученической кончине святого Себастьяна. Уменьшенная копия картины в Мюнхенском музее (написана около 1620-1621 гг.).

 

Давид Тенирс Младший (David Teniers the Younger). Колодец или фламандские крестьяне. 1640-1645. Фламандский живописец эпохи барокко, известный своими жанровыми сценами из крестьянской жизни,  был сыном и учеником Давида Тенирса Старшего. В 1637 году женился на Анне, дочери художника Яна Брюгеля Старшего. Тенирс писал почти все виды картин, но главным образом жанровые сцены крестьянской жизни, многие из которых впоследствии использовались для гобеленовых рисунков XVIII века. Его пейзажи атмосферны, а детали натюрморта точны. Тенирс сделал вторую карьеру в 1651 году, когда  переехал в Брюссель, став придворным художником и хранителем коллекций произведений искусства регента Нидерландов эрцгерцога Леопольда Вильгельма. 

 

Давид Тенирс Младший (David Teniers le Jeune). Интерьеры кабаре с курильщиками. Датируется серединой 1640-х годов и все еще находится под влиянием Брауэра. Работы Адриана Брауэра (Adriaen Brouwer) оказали влияние на таких художников, как Ян Стен (Jan Steen) и Давид Тенирс Младший, хотя их сцены в таверне имеют более беззаботный и расслабленный характер, чем у Брауэра. Тенирс сосредоточился на изображении бытовых сцен и интерьеров, к которым он применил свои чудесные способности описания. "Курильщики в интерьере" очень реалистичны как в изображении фигур, так и в скромной и грубой обстановке; художник с удовольствием воспроизводит такие предметы, как кувшин, ступка и кувшин на переднем плане.

 

Давид Тенирс Младший (David Teniers the Younger). Пейзаж с быком. 1675-1690. Он написал несколько видов картинной галереи эрцгерцога, сделал много мелких индивидуальных копий картин из коллекции герцога иностранных художников, особенно итальянцев. Из них 244 были выгравированы в 1660 году под названием Theatrum Pictorium. Эта книга гравюр, представляющая собой иллюстрированный инвентарь великой коллекции XVII века, была уникальной для своего времени и до сих пор представляет собой ценный источник для искусствоведа. Тенирс также был придворным художником дона Иоанна Австрийского и был одним из инициаторов основания Брюссельской академии изящных искусств (1663), а затем Академии в Антверпене (1665). Сын Тенирса, которого также звали Давид (1638–1685), часто подражал работе отца. В церквях Бельгии есть несколько его запрестольных образов.