Форма этого триптиха скинии, с его острым выступом и тимпаном выше, является уникальной в итальянском искусстве из-за необычного сочетания образов. Центральная панель, с ярко выраженным византийским стилем, показывает ритуальные обряды пустынников четвертого века Святого Ефрема и другие эпизоды из жизни ранних отшельников, живущих в пустыне Фив в Египте. Библейские сюжеты в тимпане более явно относятся к итальянской традиции тринадцатого века.

 Приписано Грифо ди Танкреди (итал. Grifo di Tancredi). 1280-1290

Смерть святого Ефрема и сцены из жизни отшельников (центральная панель); Сцены из Страстей Христовых (в крыльях).

Бернардо Дадди управлял большой и деятельной мастерской во Флоренции в первой половине четырнадцатого века. Он обучался у Джотто, ведущего художника того времени, чей инновационный стиль отошёл от традиционных формул к более натуралистическому описанию, в котором фигуры казались солидными и находились в заслуживающем доверия месте. Они передали эмоции с помощью жестов и мимики. Мастерская Дадди создала бы множество картин, но, похоже, специализировалась на изготовлении относительно небольших религиозных панно и алтарей. Этот изящно созданный портативный триптих, состоящий из центральной панели и двух закрывающихся крыльев или ставней использовался, вероятно, как молитвенник. В левом крыле изображены Рождество и Богоматерь с Младенцем на троне со святыми и святым Николаем, пожертвовавшим приданое (что позволило жениться на дочери бедного дворянина).

 Бернардо Дадди (итал. Bernardo Daddi). Триптих с Распятием и другие сцены. 1338

Витале да Болонья был одним из первых художников из Болоньи, идентифицированных в современных записях. Он писал большие циклы фресок, а также алтари и религиозные панно. Его ранние работы отражают влияние Джотто и художников, связанных с Римини. Он следовал обычаю приравнивать размер фигуры к их важности, а также полагался на свои собственные наблюдения за живыми жестами и выражением лица. На этой картине один из Царей указывает на звезду, которая привела их к Младенцу Христу в Вифлееме. Две женщины-святые определены по их атрибутам как святая Екатерина с колесом и святая Урсула в сопровождении нескольких из одиннадцати тысяч спутников (с которыми, согласно ее легенде, она приняла мученическую смерть). Первоначально эта картина была левой панелью из диптиха, прикрепленного посередине; другая панель с изображением Христа, оплакиваемого святыми, теперь находится в Фондионе Лонги, Флоренция.

 Витале да Болонья (итал. Vitale da Bologna). Поклонение волхвов. 1353-1355

Элегантные, вытянутые фигуры Лоренцо Монако и изящные, широкие драпировки, в которые он был одет, развились из готической традиции живописи во Флоренции. Художник родился в Сиене как Пьеро ди Джованни, но принял имя Лоренцо, когда он вошел во Флорентийский Камалдолезский монастырь Санта-Мария-дельи-Анджели в 1391 году. Возможно, он учился на художника в мастерской Аньоло Гадди. Первое упоминание о нем как о художнике датируется 1399 годом. Его работы включают алтари и фрески, и он может также иметь иллюстрированные рукописи. Каскадные складки драпировки дополняют стилизованные изгибы сидячей фигуры Богородицы и стоящего Младенца Христа. Трон с головными уборами льва и копытами, вероятно, относится к "Трону мудрости" царя Соломона. Эта панель составляла центральную часть алтаря и должна была находиться между стоящими святыми. Фрагмент малиновой драпировки от одного из них просто виден на левом краю. Роскошный цвет и изысканные декоративные узоры, предназначенные для свечения при свечах, указывают на богатство оригинального алтаря.

 Лоренцо Монако (итал. Lorenzo Monaco / Pier di Giovanni). Богоматерь с Младенцем на троне. 1415 г.

Это захватывающее изображение Богородицы и Младенца Христа представляет соблазнительный пример иллюзионистской живописи. Холст или пергамент, на котором рисует художник, кажется чудом оторванным от своего деревянного подрамника, чтобы раскрыть видение святых фигур. Эта иллюзия усиливается растрепанными краями пергамента, липкой полосой и мухой на одной из явно выступающих частей в левом нижнем углу. Элегантная, удлиненная Дева держит гранат, символ Воскресения, пока крошечный Христос Младенец спит, что указывает на его будущую Страсть.

Феррарская школа (анг. Ferrarese School). Богоматерь с младенцем и ангелами. XV век.

Тоскани наиболее известен как художник-манипулятор, то есть художник, занимающийся декоративными панно по бокам больших деревянных сундуков или кассонов. Их обычно были заказывали парами для молодоженов и многие из них были изготовлены во Флоренции с четырнадцатого века до конца шестнадцатого века. Как и некоторые флорентийские художники, Тоскани, возможно, работал над повествовательными рельефными панелями первого комплекта дверей баптистерия, разработанных Лоренцо Гиберти. Похоже, он написал несколько фресок и алтарей в дополнение к кассони, в стиле, на который влияли Гиберти и Лоренцо Монако. Эта панель иллюстрирует историю в трёх сценах слева направо. Один из главных героев, молодой человек по имени Амброджиуоло, появляется несколько раз. Бернабо, купец из Генуи, хвастался добродетелью своей жены Джиневры и делает ставку, что Амброджиуоло не удастся соблазнить её. Амброджиуоло подкупил старуху, чтобы та перенесла его сундук, в который он спрячется, в спальню Джиневры. Затем ему показли, Джиневру. Он находит родинку под её левой грудью и использует эту информацию, чтобы убедить Бернарбо в успехе своей миссии. Остальная часть кассона (сундука) является реконструкцией девятнадцатого века.

Джованни ди Франческо Тоскани (итал. Giovanni Toscani). Кассон (сундук) со сценами из 'Декамерона' Боккаччо Около 1420 - 1425 гг.

Флорентийский художник Боттичелли создал некоторые из самых знаменитых картин эпохи Возрождения. Его "Primavera" ("Весна") и "Рождение Венеры" (обе в Уффици, Флоренция) были написаны для членов влиятельной семьи Медичи. Он учился на ювелира, прежде чем присоединиться к мастерской Филиппо Липпи. Идеальная красота его грациозных мадонн и мифологических фигур подчеркивает выразительные и чувственные формы, а не анатомическую точность.  Сандро ненадолго покинул Флоренцию (1481-2), чтобы поработать над фресками в Сикстинской капелле в Риме. Его более поздние картины наполнены выразительной интенсивностью под влиянием строгой проповеди Савонаролы. Композиция Боттичелли, вдохновленная работами Филиппо Липпи, необычна в двух отношениях: полотна на холсте в то время ещё были необычны, а Младенца Христа редко показывали спящим. Этот вариант можно интерпретировать как напоминание о смерти Христа. Его будущие страдания для человечества могут также символизироваться детальными растениями и фруктами. Например, красная клубника может относиться к крови Христа. Они также дополняют прекрасную беседку из роз, которая образует "закрытый сад", символ Девы, полученный из Ветхозаветной песни Соломона. Картина, вероятно, была разработана для домашнего использования.

 Сандро Боттичелли (итал. Sangra Botticelli). Богоматерь, молящаяся на спящего ребенка Христа. 1485 г.

Картины Филиппино Липпи отражают совместное влияние его отца Фра Филиппо Липпи и художника Сандро Боттичелли. Его фигуры часто почти подавлены объемной драпировкой, но также оживляются через их развевающиеся складки. Родившийся незаконно в Прато, молодой Филиппино сделал себе имя художника примерно в 1484 году, когда завершил цикл фресок, начатый Масаччо в часовне Бранкаччи, Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция. С 1488 года он провел пять лет в Риме, работая над фресками и детально изучая классические произведения, которые вдохновляли характер его более поздних работ во Флоренции. Центральная фигура Девы Марии, преклонившая колени в поклонении Младенцу Христу, происходит от композиционного типа, изобретенного отцом Филиппино Липпи, Филиппо Липпи. Филиппино разработал тему, включив сидящую фигуру Иосифа и двух ангелов, которые поддерживают мантию Марии. Этот необычный жест подчеркивает линейные узоры, создаваемые складками драпировки. Влияние нидерландской живописи проявляется в башнях и пейзажном фоне. Пропорции этой маленькой панели позволяют предположить, что она изначально была нарисована как часть пределлы для алтаря.

Филиппино Липпи итал. Filippino Lippi). Рождество с двумя ангелами. 1490

Известный итальянский художник Франческо Бонсиньори был сыном художника-любителя Альбертуса Бонсиньори. Кроме Франческо, самого старшего и самого талантливого из его детей, трое других сыновей, включая Бернардино (ок. 1476 - ок. 1520) и Джироламо (ок. ок. 1479), также известны как художники. Всего лишь 20 картин и менее десятка рисунков были приписаны Франческо Бонсиньори. Документы его времени при дворе Гонзага в Мантуе и рассказ Вазари о его жизни являются основными источниками информации о художнике. В Вероне он находился под влиянием и попечительством миниатюриста и живописеца Либерале да Верона (итал. Liberale da Verona). В 1487 году он отправился в Мантую, где ему степени покровительствовал маркиз Франческо Гонзага и находился под влиянием Мантенья. Франческо преуспел в живописи животных. В Брере в Милане находится его Сент-Луис, а в трапезной церкви францисканцев в Мантуе – некоторые перспективные виды. Его последним произведением было "Видение Христа для монахини Озанны", датированное 1519 годом, и находится теперь в Академии в Мантуе. Картина "Богоматерь с Младенцем на троне" изображает монументальную Богородицу, сидящую на подушке мраморного трона, а младенец Христос стоит на коленях и обнимает её за шею. Обе фигуры имеют вдумчивые, меланхоличные выражения, словно созерцающие судьбу Христа. Типы фигур, тщательно сложенные драпировки и твердые мраморные поверхности интерьера демонстрируют сильное влияние Андреа Мантенья. Уроженец Вероны, Бонсиньори работал придворе Гонзага в Мантуе, где Мантенья в то время был доминирующим художником.

Франческо Бонсиньори (итал. Francesco Bonsignori). Богоматерь с Младенцем на троне. 1490 - 1500

За короткую карьеру Рафаэль создал произведения необычайной изысканности, которые оказали глубокое влияние на ход европейской живописи. Его художественное образование началось в Урбино, где отец был придворным художником; Затем он переехал во Флоренцию и, наконец, в Рим, вызванный папой Юлием II для украшения папских апартаментов (Станцы). Его фрески в Риме, пожалуй, самые знаменитые работы, но Рафаэль также преуспел в живописи больших алтарей, небольших религиозных картин и портретов. Он проектировал гобелены для Сикстинской капеллы, работал над архитектурными проектами и руководил деятельной мастерской, в которой обучались многие из наиболее известных художников следующего поколения.Тондо (круглая картина) был популярен во Флоренции во время Ренессанса для частных домов. Рафаэль тщательно спланировал свою композицию, чтобы дополнить форму с младенцем Христом в центре и создал чрезвычайно гармоничные и сбалансированные связи между тремя фигурами. Это одна из нескольких вариаций на тему Богородицы с Младенцем и Святого Семейства, которую Рафаэль изучал в течение четырех лет во Флоренции. Пальма, цветы и фонтан или колодец могут быть вдохновлены ссылками в специальных молитвах (литаниях) на Деву Марию, которые были бы уместны для частной религиозной картины.

 Рафаэль (Рафаэлло Санти / итал. Raffaello Santi). Святое семейство у пальмы. 1506-1507

Рафаэль сделал много рисунков и картин Богородицы и Младенца, отчасти вдохновленных работой Леонардо да Винчи во Флоренции. Здесь он достиг особенно изящного сочетания поз с изящным поворотом. Обмен взглядами ещё раз подчеркивает нежные отношения между прекрасной матерью и ребенком. Технический анализ показал, что художник изначально рисовал пейзажный фон. Рафаэль, возможно, решил, что тёмная обстановка была лучшим фоном для тонкого моделирования его фигур в свете и тени. Картина, вероятно, была сделана в качестве религиозного изображения для приватного богослужения.

Рафаэль (Рафаэлло Санти / итал. Raffaello Santi). Богоматерь с Младенцем ("Мадонна Бриджуотер"). 1507

Название этой работы означает "Мадонна на прогулке" и, вероятно, вдохновлено тем, как Мария и Младенец Христос встретили младенца Святого Иоанна Крестителя во время прогулки по сельской местности. Исосиф смотрит несколько отдалённо. Сцена напоминает популярные истории о жизни святого Иоанна, когда он и Христос впервые встречаются в детстве, когда Святое Семейство возвращается из Египта. Грубая накидка из звериной шкуры молодого святого, деревянный крест и свиток относятся к его взрослым ролям проповедника в пустыне и крещения Христа. Картина, которая иллюстрирует тщательное изучение типов фигур Рафаэлем, может быть написана с помощью его помощника Джанфранческо Пенни.

  Рафаэль (Рафаэлло Санти / итал. Raffaello Santi). Святое семейство встречает младенца Святого Иоанна Крестителя ("The Madonna del Passeggio"). 1515

Эта ранняя работа Тициана изображает три этапа жизни: младенчество, взрослая жизнь и старость. Амур взабрался на спящих младенцев, которые могут вырасти, чтобы быть похожими на молодых любовников справа. Их напряженные и близкие отношения в конечном итоге прервутся смертью, символизируемой двумя черепами, которые созерцает старик. Тициан приглашает нас размышлять о мимолетности или прохождении человеческой жизни и напоминает нам о вечной любви. Для его современников церковь на заднем плане, возможно, сигнализировала об обещании вечной жизни на небесах. Пышный пейзаж дополняет лирическое настроение, перекликаясь с классической и современной пасторальной поэзией.

Тициан (Тициано Вечеллио), итал. Titian (Tiziano Vecellio). Три возраста человека. 1512-1514

Тициан оказал большее влияние на европейскую живопись, чем любой другой художник из Венеции. Его использование цвета и развитие "живописного" стиля живой кисти повлияло на поколения художников. Он преуспел во всех видах живописи, включая алтари, религиозные предметы для личной набожности, темы из классической мифологии, аллегорические произведения и портреты. Яркие чистые цвета и гладкий внешний вид его ранних картин довольно сильно отличаются от более драматических тональных контрастов и ослабленной кисти его поздних работ. Он получал государственные и частные заказы внутри Венеции и от именитых покровителей в других местах. Тициан написал много своих самых знаменитых картин для испанского короля Филиппа II. Художник усовершенствовал этот тип небольшой картины, предназначенной для приватного  богослужения, изображающей Деву Марию и младенца Христа в пейзаже в сопровождении одного или нескольких святых. Яркие цвета и роскошные складки платья Марии бросаются в глаза, а интенсивный синий цвет  отражается в небе и далекой земле. На переднем плане фигура Святого Иоанна Крестителя указывает на агнца, ссылаясь на Христа как "Агнца Божьего". Младенец Христос признает другого святого на коленях, который, вероятно, имел особое значение для заказчика картины.

Тициан (Тициано Вечеллио), итал. Titian (Tiziano Vecellio). Богоматерь с младенцем, святым Иоанном Крестителем и неопознанным святым.1518-1520

Эта мощная, очень эмоциональная и богато окрашенная картина изначально была центральной панелью алтаря, по бокам которой были изображены святой Георгий и святой Христофор. Тело Христа слева было снято с креста в правом верхнем углу. Выступающий на передний план сосуд с мазью принадлежит Марии Магдалине, которая выражает свое горе в драматическом, традиционном жесте рядом с другими святыми фигурами. Двое заказчиков картины носят золотые надписи рыцарского и религиозного ордена Лебедя, основанного в 1440 году курфюрстом Бранденбургским. Орден был особенно популярен во Франконии, где работал художник.

Франконский Мастер.1515

Давид был ведущим художником в Брюгге в конце пятнадцатого века. Его скупулёзные картины маслом с их пристальным вниманием к реалистичным деталям были частично вдохновлены техникой Яна ван Эйка. Большинство картин, созданных в его оживлённой мастерской, были либо алтарями, либо маленькими религиозными картинами для приватного богослужения. Некоторые включали в себя выполненные портреты заказчиков картин. В конце своей карьеры он, возможно, работал вдругой мастерской в Антверпене, которая в начале шестнадцатого века процветала как престижный коммерческий и художественный центр. Святой Николай впервые появляется на картине как новорожденный, чудесным образом стоящий и молящийся. На центральной панели он взрослый, смотрящий в окно дома обедневшего вдовца. Его анонимный денежный подарок обеспечит приданое (брачные подарки) трём дочерям вдовца и спасёт их от нищеты. Наконец, он показан как епископ, возрождающий трёх убитых мальчиков. Святой Николай был в четвёртом веке архиепископом Мирой Малой Азии, который, прославившись своей добротой к детям, впоследствии был связан с Дедом Морозом. Три панели составляли часть пределлы более крупного алтаря (остальные панели находятся в Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в музее Толедо, штат Огайо).

 Герард Давид (нидерл. Gerard David). Три легенды святого Николая. 1500 - 1520

Эта картина является одним из изображений Мадонны с Младенцем, написанных между 1480-1510 годами, которые показывают сюжет в идентичных позах, предполагая, что они были основаны на едином общем источнике, таком как рисунок, который был распространён между несколькими мастерскими художников. Это говорит о том, что в то время был спрос на эту конкретную композицию со стороны меценатов. Предпосылки и детали каждой работы были бы различными, чтобы удовлетворить пожелания отдельных покупателей. Имя этого талантливого художника неизвестно, но он почти наверняка был фламандцем. Его прозвище отражает его характерный способ рисования переднего плана, наполненный цветами и декоративными листьями в дотошной технике, которая напоминает острие иглы. Монограмма "AD", обозначающая Альбрехта Дюрера, однако является более поздним и ложным дополнением.

Мадонна с младенцем в саду. Нидерландский мастер "вышитой листвы" (Master of the Embroidered Foliage). Конец XV - начало XVI века.

Этот, к сожалению, сильно потёртый, но, тем не менее, поэтично наводящий образ олицетворяет многие из нововведений, введенных Джорджоне в венецианскую портретную живопись. Предположительно – хотя это и не однозначный портрет конкретного человека, картина не дает чёткого указания на социальное положение или статус натурщика, как и у Катены, современного, но гораздо более традиционного Портрета молодого человека. Вместо этого художник намеревается вызвать душевное состояние фигуры и внутреннюю индивидуальность посредством преходящего характера выражения лица, поднесения его руки к груди и наклонного представления модели. Модные длинные волосы практически невидимые, они мягко сливаются с фоном, усиливая эффект фигуры, возникающей из окружающей темноты. Особая форма перчатки, которая защищает руку и указательный палец, и даёт подвижность для других пальцев, подтверждает традиционное предположение, что модель действительно является лучником. Напротив, было бы неразумно делать вывод из стиля шляпы, которая была полностью перекрашена и которая, возможно, когда-то представляла собой металлический шлем. Тем не менее, очевидно, что, как это часто случалось с Джорджоне и его непосредственными последователями, костюм всегда выглядел как маскарадный, чтобы натурщик был представленв романтическом облике. В равной степени характерная черта стиля Джорджоне – это способ, которым блестящий нагрудник не просто улавливает отражения света, но служит зеркалом для руки. Это напоминает знаменитый отрывок из "Диалога о живописи" Паоло Пино 1548 года, в котором автор описывает картину Джорджоне со святым Георгием и пейзажем, в которой фигура отражалась в зеркалах с обеих сторон и на потоке на переднем плане. Пино ясно дает понять, что картина была задумана как вклад в дебаты о парагоне, проистекающие из Леонардо да Винчи, об относительных достоинствах искусства поэзии, живописи и скульптуры. Хотя часто предполагалось, что описание Пино было изобретением, разработанным как аккуратная демонстрация превосходства искусства Джорджоне над скульптурой, в последнее время утверждается, что картина действительно когда-то существовала и что "зеркала" на пейзаже были кусочками сияющих доспехов святого. Соблазнительно согласиться с теми экспертами, которые подтвердили традиционное приписывание "Портрета лучника" самому Джорджоне, особенно с учётом высокого качества наиболее хорошо сохранившихся частей руки и нагрудника. Следует также сказать, что ни одно из различных приписываний работы другим художникам, которые были выдвинуты, не получило никакой критической поддержки. С другой стороны, пресловутые проблемы, связанные с авторством Джорджоне, здесь усугубляются плохим состоянием картины. Если описанный Пино "Святой Георгий" действительно существовал, "Портрет лучника" может быть скорее ответом на него, а также на новаторскую портретную живопись Джорджоне, выполненную близким и очень талантливым последователем. В этом случае он может датироваться 1510-1515 гг., Вскоре после ранней смерти Джорджоне, а не в течение короткого периода его художественной зрелости (1500-1510 г.). Рентгенограмма картины предлагает интригующее свидетельство того, что изначально за фигурой был пейзажный фон, по крайней мере, слева. У картины нет определенной истории до того, как она была завещана Галерее леди Рутвен в 1885 году. Однако она вполне может быть идентична той, что была записана в коллекции Йоханнеса и Джейкоба "Ван Вёрт" (Van Veerle) в Антверпене В 1648 году Карло Ридолти описал его как портрет "молодого человека с мягкой гривой волос, в доспехах, в которых отражается его рука; картина изысканной красоты (Джорджоне) ". Она также может совпадать с картиной, приписываемой Джорджоне, перечисленной в инвентаре португальского коллекционера Диего Дуарте в Амстердаме в 1682 году, где она описана как "Портрет в половину роста человека, носящего нагрудник, на котором рука в перчатке. ‘Наконец, картина может соответствовать той, которая была продана на Christie's 30 июня 1827 года (лот 53) как "Джорджоне. Автопортрет. Офицер лучников". Если это так, то, скорее всего, она была куплен алордом и леди Рутвен из Винтонского замка, Пенсайтленд.

Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, известный как Джорджоне (итал. Giorgio Barbarelli da Castelfranco, Giorgione). Портрет лучника. 1510

Кариани был одним из замечательного поколения художников, создававших красочные алтари, религиозные картины и портреты в начале шестнадцатого века в Венеции. Он родился в Бергамо, но переехал со своей семьей в Венецию, где, вероятно, обучался в мастерской Джованни Беллини, как современник Лото и Тициана. Он вернулся в Бергамо на шесть лет (1517-1523), в течение которых написал некоторые из своих лучших работ, в том числе большой алтарь для церкви С. Готтардо (ныне в Брере, Милан). Последний раз он был отмечен в Венеции в 1547 году. На портрете моодой женщины пальмовую ветвь и женскую грудь на блюде идентифицируют молодую женщину как девственную мученицу святую Агату. Согласно легенде, Агата, красивая дворянка, которая жила в Катании, Сицилия, в третьем веке, приняла обет целомудрия. Среди её женихов был римский губернатор, который пытался заставить её повиноваться, приказав отрезать ее грудь. Она чудесным образом спаслась и, как образец мужества и добродетели, стала популярной святой. Поскольку эта чувственная картина соответствует по своему составу и характеру современной венецианской портретной живописи, она, возможно, является идеализированным подобием молодой женщины по имени Агата.

Джованни Буси по прозвищу Кариани (итал. Giovanni Busi, called Cariani). Портрет молодой женщины в образе святой Агаты. 1512-1518

Многогранное искусство Леонардо не поддаются простой классификации. Поистине "универсальный" в своих увлечениях, он был чрезвычайно одаренным художником, скульптором, архитектором, инженером, изобретателем, писателем, музыкантом и естествоиспытателем. Его тетради и рисунки отражают ненасытное любопытство к миру природы. Он отправился из Флоренции, пройдя обучение в мастерской Андреа дель Верроккьо, в Милан, а затем переехал во Францию, где был художником и инженером короля Франциска I. Стремление Леонардо добиться совершенства во всём и экспериментальные методы привели к нескольким реализованным проектам. Его "Мона Лиза" (Лувр, Париж) и "Тайная вечеря" (Санта-Мария делле Грацие, Милан) являются одними из самых известных когда-либо созданных картин. Необычайно большой Младенец Христос сидит на скалистой глыбе рядом со своей матерью и пристально смотрит на пряжу в форме креста, словно уже зная о своем будущем распятии. Нежное выражение лица Богоматери и нерешительный жест усиливают остроту сцены. Эта панель, вероятно, идентична той, которая описана в письме 1501 года, присланном Изабелле д'Эсте, маркизе Мантуи, от ее агента во Флоренции. Это говорит о том, что Леонардо писал его для Флоримонда Робертета, французского министра и дипломата, который имел тесные связи с Италией. Неизвестно, завершил ли Леонардо работу сам и была ли картина когда-либо фактически доставлена ​​Робертте. Учёные расходятся во мнениях по поводу основного участия Леонардо в живописи, но вполне вероятно, что общий дизайн, а также исполнение фигур и камней переднего плана, полностью его. Пейзаж позади, вероятно, был добавлен другим художником, охватывающий один набросок Леонардо, но так и не законченный. В 2003 году картина была украдена из замка Драмланриг, резиденции герцога Букклюха в Дамфрисшире, но, к счастью, была восстановлена ​​в 2007 году.

 Леонардо да Винчи (итал. Leonardo da Vinci). Мадонна с веретеном. 1520-1530

Во время охоты Актеон случайно обнаружил тайное место купания Дианы, богини луны и охоты. Тициан освоил это драматическое воздействие вторжения через динамическое расположение фигур, сверкающего света, интенсивного цвета и анимированной кисти. Череп оленя на постаменте предвещает судьбу Актеона, потому что возмущенная богиня превратила его в оленя, чтобы быть поглощенным его собственными собаками, Картина является одной из серии знаменитых мифологических картин Тициана "Поэзия", созданных для испанского короля Филиппа II. Предметы были основаны на Метаморфозах древнеримского поэта Овидия. Тициан спланировал полотна попарно, сделав "Диану и Каллисто" партнерами этой работы.

Тициан (Тициано Вечеллио), итал. Titian (Tiziano Vecellio). Диана и Актеон. 1556 - 1559

Якопо даль Понте был назван Бассано в честь его родного города Бассано дель Граппа, недалеко от Венеции. Родившись в семье художников, он получил начальное образование от своего отца, а затем учился в Венеции. Там он подружился с Тинторетто и Веронезе. Якопо вернулся в Бассано и руководил семейной мастерской по изготовлению алтарей, картин библейских историй, некоторых портретов и дизайнов для широкого спектра предметов, включая знамёна с церковными книгами. Художник собирал и широко использовал гравюры в качестве ресурса для своих композиций. Бассано предпочитал живые, многолюдные сцены, полные натуралистических деталей. Святое Семейство выражает благодарность посещающим королям и их дарам. Центральная фигура в картине, однако, король в полосатом дублете. Он может быть идентифицирован как портрет покровителя картины, Якопо Гизи. Двое пижонов позади него также могут быть портретами его сыновей. Интерес Бассано к сложным ракурсам предстает в плотно упакованной группе, особенно в фигурах и животных, видимых сзади. Многие детали были основаны на его предыдущих композициях и на его исследованиях с натуры, хотя разрушенная архитектура основана на гравюре Дюрера.

Якопо Бассано (итал. Jacopo Bassano / Jacopo dal Ponte). Поклонение волхвов. 1540

Живопись Бордона сочетает в себе богатый цвет венецианских художников с сознательно витиеватыми композициями художников-маньеристов. Он родился в Тревизо, но учился в Венеции, возможно, в студии Тициана. Там Парис познакомился с центрально-итальянским манерным стилем через таких художников, как Вазари, которые приехали в Венецию для работы над различными проектами. Помимо нескольких лет в Милане и при французском дворе в Фонтенбло, Бордон провел большую часть своей трудовой жизни в Венеции, прежде чем уехать в Тревизо. Он рисовал некоторые религиозные сюжеты, но международную репутацию ему обеспечили мягкие эротические светские картины. На этой картине изображено Святое Семейство, которое отдыхает на обратном пути в Святую Землю после их бегства в Египет, и включает в себя легендарный эпизод первой встречи младенцев Христа и Иоанна Крестителя. Картина, написанная около 1550 года, была высоко оценена в стихах венецианским писателем по искусству Марко Боскини (1660), когда она принадлежала семье патрициев Веньера. Поразительный панорамный пейзаж повторяется в нескольких других зрелых работах художника.

Парис Бордоне (итал. Paris Bordon). Отдых при возвращении из Египта. 1550

Выставочный зал

Якопо Робусти прозвали Тинторетто "маленьким красавчиком" в честь его отца, который был красителем ткани. Он стал одним из самых плодовитых художников Венеции, специализирующихся на масштабных религиозных повествовательных сценах, алтарных картинах, мифологических сюжетах и портретах. Его поразительные сочинения часто бросали вызов условностям из-за преувеличенной перспективы и смелых ракурсов фигур, а его быструю работу иногда критиковали за отсутствие завершенности. Возможно, он учился у Тициана в течение короткого времени. Тинторетто управлял своей мастерской как семейным бизнесом, в котором работали два его сына и дочь. Приглушенная палитра и энергичный мазок на этом портрете типичны для Тинторетто. Как и многие другие портреты художника, он был, по всей вероятности, написан за один присест. Это относительно ранняя работа, датируемая 1550-ми годами.

Якопо Робусти или Тинторетто (итал Tintoretto (Jacopo Robusti). Портрет венецианского джентльмена. 1550-1560

Эта картина Тинторетто была сделана для алтаря часовни семьи Даль Бассо в венецианской церкви Сан-Франческо-делла-Винья. Оттиск алтарного образа в его первоначальном виде был сделан до того, как картину вырезали из рамы. Форма её была выше и изогнута, с летающим ангелом на вершине, держащим терновый венец. Ноги ангела видны в верхней части холста. Ниже вытянутого тела Христа в центре находится тело его обморочной, опечаленной матери. Окрашенный мерцающий свет факела усиливает настроение отчаяния.

Якопо Робусти или Тинторетто (итал Tintoretto (Jacopo Robusti). Мёртвый Христос в гробу. 1563 - 1565

Карраччи были семьей болонских художников, братьев Агостино (1557-1602), Аннибале (1560-1609) и их двоюродного брата Лодовико (1555-1619), которые слыли выдающимися фигурами в конце XVI века в движении против господствующей маньеристской итальянской живописи. В начале своей карьеры они работали вместе, и нелегко выделить их доли, например, в цикле фресок в Палаццо Фава в Болонье (1583-1584). По темпераменту Лодовико был довольно застенчивым человеком, который никогда не добивался реального успеха, в отличие от своего кузена Аннибале. Помимо путешествий в молодости в ходе учебы, недолгого и довольно неприятного пребывания в Риме, Лодовико провёл всю свою жизнь в уютной атмосфере Болоньи, где остается до сих пор большая часть его работ. Тем не менее, он должен быть признан первым художником, который систематически отказывается от стиля позднего маньеризма в пользу нового вида морального и религиозного стиля живописи. Интерпретируя предложения, сделанные кардиналом Палеотти, который проявлял особый интерес к реформе религиозного искусства, Лодовико Карраччи заблаговременно возглавил его обновление. Это было достигнуто путем переоценки природы точно такой, какая она есть, даже когда она кажется простой или неинтересной, но не прибегая к уловкам мозга, использовавшимся последним из маньеристов. Чтобы достичь своей цели, а также рисования, Лодовико уделял большое внимание преподаванию. В 1580-х годах он и его двое двоюродных братьев Аннибале и Агостино открыли свою "Академию деи Дезидерози" (Академия тех, кто желает добиться прогресса). Позже она была переименована в "Academia degli Incamminati" (Академия тех, кто делает прогресс), но всегда была известна просто как Академия Карраччи. Она была ответственна за формирование целого поколения эмильских художников. Доказательство того, насколько сплоченной была группа, стало видно, когда трое двоюродных братьев Карраччи вместе нарисовали фрески в Палаццо Фава. Простота их композиций напоминает стиль Федерико Бароччи, а сладость их выражения напоминает Корреджо. Лодовико покидал Болонью только на короткое время и руководил Академией Карраччи сам после того, как его двоюродные братья уехали в Рим. Его картины очень личные. Живописные и выразительные соображения всегда перевешивают стабильность и спокойный классицизм в его работах, и в его лучшем проявлении есть страстное и поэтическое качество, свидетельствующее о предпочтении Тинторетто и Якопо Бассано. Самый плодотворный период художника был в 1585-1595 годы, но ближе к концу своей карьеры он всё ещё создавал замечательные картины почти экспрессионистской силы, такие как распятый Христос  (Sta Francesca Romana, Ferrara, 1614). Чувствительность Лодовико вытекает из его глубоких познаний венецианской живописи. Его стиль состоял из тонких жестов, застенчивых взглядов и большого количества повествовательной драмы. Особенно в его средних и маленьких картинах этот стиль легко стал лирической поэзией. Среди наиболее важных работ следует упомянуть его юное Благовещение и благородную Мадонну деи Барджеллини (обе в Национальной Пинакотеке  Болоньи). Позже он написал фрески в монастырях С. Мхаила в Боско, недалеко от Болоньи (1604). После смерти своих двоюродных братьев Лодовико написал несколько крупных и довольно печальных композиций, таких как "Похороны Мадонны" в Национальной галерее Пармы и фреска Благовещения на триумфальной арке в Метрополитенской церкви Св. Пьетро в Болонье, законченная в год его смерти.  Картина "Преображение" иллюстрирует мистический эпизод, описанный в трёх Евангелиях, когда Христос продемонстрировал свою божественную природу своим ученикам Петру, Иакову и Иоанну. На далекой горе он преобразился, появляясь в видении, беседующем с ветхозаветными пророками Моисеем и Илией, его лицо излучало свет, а его одежда была ослепительно белой. Ошеломленные апостолы лежат на земле в сложных позах. Это типично духовное произведение ранней зрелости Лодовико Карраччи, написанное примерно в 1588-1590 гг.

Лодовико Карраччи итал. Lodovico Carracci). Преображение. 1588-1590

Несмотря на то, что Агостино Карраччи был высоко оценен как художник, он известен также как один из ведущих печатников своего поколения. Он выполнял репродукции исключительного качества по произведениям многих художников прошлого и современности, в частности Веронезе и Тинторетто, а также на многочисленных гравюрах своего собственного изобретения. Вместе со своим младшим братом Аннибале и их двоюродным братом Людовико, эти три художника были ответственны за глубокое возрождение итальянской живописи в конце шестнадцатого века. Частично это произошло благодаря неформальной академии, которую они основали в Болонье около 1580 года. Карьера Агостиона была прервана его преждевременной смертью в 1602 году. Его картина "Похищение Европы"  написана по "Метаморфозам" Овидия, где Европа, принцесса Тирская, была похищена во время игры на берегу со своими девами всемогущим богом Юпитером в облике быка. Карраччи показывает езду на спине быка в сопровождении тритонов и летающих путти в волшебном пейзаже.Работа была выполнена для члена благородной семьи Фарнезе и некоторые ученые приписывают её более знаменитому брату Агостино Аннибале.

Агостино Карраччи (итал. Agostino Carracci). Похищение Европы. 1595-1600

Бернардино Бутиноне был из Тревильо; и работал в Милане совместно с Бернардо Зенале. Известны только две подписанные работы Бутиноне. На его стиль повлиял Мантенья, затем Фоппа и другие. Это одна из шестнадцати сохранившихся сцен из жизни Христа, похожих по размеру и стилю, которые изначально должны были составлять часть одного алтаря или религиозного образа. Переносной триптих такого типа от Бутиноне, в котором также представлены сцены из жизни Христа, находится в Кастелло Сфорцеско в Милане. Необычный спиральный трон, на котором сидит Христос, может быть намёком на Вавилонскую башню и путаницу связанных с ней языков, над которыми торжествует божественная мудрость Христа.

 Бернардино Бутиноне (итал. Bernardino Butinone). Христос спорит с врачами. 1480 - 1485

Итальянский просветитель, художник и гравер Мармитта жил в Парме и, cогласно Вазари, после обучения живописи, стал гравёром по обработке драгоценных камней, "близко подражая древним". Его картина "Бичевание Христа" отражает действие, которое происходит на возвышении, украшенном низкими рельефами, в то время как в нижних углах два святых созерцают ужасную сцену. Святой Эром, в сопровождении своего льва, схватил камень, которым он в раскаянии бил себя в грудь. Колючие ветки, вырисовываемые на фоне святого Бенедикта, намекают на легенду о том, что в молодости он катался голым в терновой ложе, чтобы избавиться от развратных мыслей.

Франческо Мармитта (итал. Francesco Marmitta). Бичевание Христа со святыми Иеронимом и Бенедиктом. 1495 - 1500

Гертген приехал, вероятно, из Лейдена и поселился в Харлеме, где жил с рыцарями ордена Святого Иоанна. Он не присоединился к Ордену, но взял имя "tot Sint Jans" (у Святого Иоанна) из его монастыря. В редких и очень отличительных картинах Гертген обращается со светом с большой чувствительностью и стилизирует свои фигуры и животных, упрощая их формы и особенности. На этой очень маленькой панели изображен Христос на кресте с мучительными фигурами Девы Марии и святого Иоанна Богослова. Ниже на коленях стоят святой Иероним и святой Доминик, который держит четки. За пейзажем находятся сцены из Страстей Христовых (событий, ведущих к распятию), а справа – пустая гробница. Это даёт надежду и указывает на воскресшего Христа. Панно представляло собой половину диптиха (другая часть находится в Музее Бойманса, Роттердам), отличительная иконография которого связана с доминиканским культом Розария.

Гертген тот Синт Янс (нидерл. Geertgen tot Sint Jans). Распятие со Св. Иеронимом, Св. Домиником и сценами Страстей Христовых. Конец XV - начало XVI веков.

Гольбейн известен в Великобритании своими великолепными портретами Генриха VIII, жён короля и выдающихся деятелей Тюдоровского двора. Его международное признание как художника и рисовальщика было основано на портретах, которые он сделал для голландского ученого Эразма. Гольбейн также писал религиозные и аллегорические сюжеты и работал над большими декоративными проектами. Он родился в Аугсбурге, затем переехал в Базель. Религиозные разногласия в Базеле, возникшие в результате Реформации, и разрушение творчества художников послужили основанием для первого путешествия Гольбейна в Великобританию в 1526 году. Он вернулся навсегда в 1532 году и был назначен придворным художником. Изображения и надписи в Аллегории Ветхого и Нового Заветов содержат нарисованную проповедь. Центральной темой, поощряемой Реформацией, является контраст между неумолимым Законом Ветхого Завета (LEX) слева и прощающей Милостью Нового Завета (GRATIA) справа. Неспособность человека (HOMO) подчиняться заповедям, которые Бог дал Моисею, привела к греху (PECCATUM) и смерти (MORS – скелет). Однако, человек прощен и достигает спасения (VICTORIA NOSTRA) через Распятие и Воскресение Христа. Человек сидит между ветхозаветным пророком Исаией и Иоанном Крестителем, который указывает путь к Христу "Агнцу Божьему" (AGNUS DEI).

Ганс Гольбейн (нем. Hans Holbein the Younger). Аллегория Ветхого и Нового Заветов. Начало 1530-х годов.

Ланино был членом семьи художников Верчелли. Он записан как ученик в 1528 году. Ряд его картин сохранился в Ломбардии. Современный писатель связывает его с художником Гауденцио Феррари, который, возможно, был его учителем. Ланино продолжает традицию Леонардо, переданную Луини. Св. Иоанн указывает на ленту, намотанную вокруг креста, на котором написаны слова "Ecce Agnus Dei" ("вот Агнец Божий") в отношении Христа как жертвенного Агнца Божьего. Сам Агнец появляется справа в сиянии славы. Поза Святого Иоанна основана на дизайне Леонардо да Винчи (1452 - 1519).

Бернардино Ланино (итал. Bernardino Lanino). Святой Иоанн Креститель в пустыне. 1550

Воспитанником Вазари был так же и академик Якопо, сын мастера Пьеро Цукки, флорентийский юноша, которому минуло не то двадцать пять, не то двадцать шесть лет. После того как он, помогая Вазари в большей части дворцовых росписей и, в частности, в росписи главной залы, настолько преуспел в рисунке и умении обращаться с красками, потратив на изучение своего искусства немало трудов и настойчивости, его смело можно причислить к первым из молодых живописцев Академии. Произведения, которые он выполнил самостоятельно для похорон Микеланджело, для свадебных торжеств светлейшего синьора князя, а также для разных своих друзей и в которых он проявил ум, смелость, находчивость, грацию и хороший вкус, заставили всех признать в нем талантливого юношу и мастера своего дела, но еще большее признание обеспечат ему те произведения, которые он создаст в будущем и которые прославят его родину так, как ни один другой живописец никогда ее не прославлял. Эта сцена показывает,как Вулкан и его помощники Циклопы ковали оружие для богов, а Минерва стояла справа. Алмаз, увенчивающий щит Минервы, является эмблемой семьи Медичи, и эта картина, возможно, была написана около 1565 года для Франческо Медичи (великого князя с 1574 года), который увлекался металлургией и алхимией.

Якопо Цукки (итал. Jacopo Zucchi). Минерва в Кузнице Вулкана. 1565

Вазари имел весьма успешную и плодотворную карьеру в качестве художника, рисовальщика, дизайнера и архитектора, но сегодня он наиболее известен как автор новаторской "Жизни самых прекрасных художников, скульпторов и архитекторов" (1550; расширенное издание, 1568). Эта повествование заработало ему репутацию отца истории искусства. Он был одним из ключевых представителей высокого маньеризма в Италии в середине шестнадцатого века и ему приписывают основание своего официального стиля двора Козимо Медичи во Флоренции. Вазари  работал как в Риме на Папу, так и на ряд частных заказчиков. В течение своей жизни Вазари пользовался репутацией счастливого и великого художника, однако сегодня его работы не пользуются таким же уважением. Эта панель представляет собой небольшую точнцю копию алтаря, написанного в 1566-7 годах для вновь избранного Папы Римского Пия V, предназначенного для погребальной часовни Папы в церкви Санта-Кроче в его родном городе Боско Маренго в Пьемонте. Эскиэ для него находится в Уффици, Флоренция. Недавние исследования показали, что эта небольшая версия была почти наверняка написана для близкого друга Вазари Винченцо Боргини, до этого во Флоренции, в больнице под названием Феделинг.

 Джорджо Вазари (итал. Giorgio Vasari). Поклонение волхвов. 1566 - 1567

Морандини был художником-маньеристом, работавшим во Флоренции, который получил имя Il Poppi за сво место рождения. Обучающийся и сотрудничающий с художником и биографом, Джорджо Вазари (1511 - 1574), он также был учеником Винченцо Боргини. Морандини помогал обоим учителям в их работе в Студии Франческо I в Палаццо Веккьо во Флоренции. Он сделал вклад в два холста "Александр Великий и Кампаспе в студии" и "Литейный цех".Среди других его задокументированных работ – алтарь в церкви Сан-Франческо в Прато и работа с Джованни Баттиста Налдини (1537 - 1591) в часовне Сальвиати в церковном комплексе Сан-Марко во Флоренции. Его работа в часовне включала полотно "Христос исцеляет прокаженных". Из работ Морандини в галерее Уффици можно видеть "Три грации". В классической мифологии Золотой Век был первым и самым идиллическим из четырёх веков мира, за которым следовали Серебряный, Бронзовый и Железный. Вверху этой панели Четыре Сезона находятся по бокам от символа Овна, первого знака зодиака. Ниже множество фигур пользуются преимуществами этой обильной и гармоничной эпохи. Композиция следует за рисунком Джорджо Вазари, находящимся в Лувре, который в свою очередь иллюстрирует программу, написанную Винченцо Боргини. Картина была сделана по заказу великого князя Франческо Медичи, Поппи, который был одним из самых талантливых учеников Вазари. Правление Медичи, как говорили, принесло второй Золотой Век во Флоренцию.

Франческо Морандини по прозвищу Поппи (итал. Francesco Morandini, called Poppi). Золотой век. 1567 - 1568

Голландским художник Блумарт учился в Утрехте и Париже, а в 1597 году стал гражданином Амстердама, с 1611 года он работал в Утрехте, где, предположительно, жил до своей смерти. Работал в разных жанрах, от религиозной живописи до натюрморта, и был очень знаменит. Блумарт оказал большое влияние на развитие голландской живописи. Среди его многочисленных учеников Ян Боут со своим братом Андриесом, Джейкобом Кейп, его сын Альберт Кейп, Ян Баптист Веникс и Николаус Кнупфер. Соединив в своем творчестве традиции голландской и фламандской школ живописи, он писал картины на исторические темы, портреты, жанровые сцены и пейзажи. Многочисленные гравюры и гравюры на дереве, созданные по его произведениям, отражают художественные устремления художника. Манера работы художника с цветом напоминают работы маньеристов шестнадцатого века. Большая часть сохранившихся картин Блумерта хранится в Музее изобразительных искусств Сан-Франциско, в художественных галереях Берлина и Лувра. Блумарт написал эту недавно обнаруженную работу "Чудо с хлебами", вероятно, вскоре после своего пребывания в Амстердаме в 1591- 1592. Типичная картина маньеризма, главная сцена разворачивается на среднем расстоянии. История описана во всех четырех Евангелиях. Христос чудесным образом накормил пять тысяч своих последователей всего пятью хлебами и двумя рыбами. Сцена обрамлена и частично скрыта монументальными витыми фигурами на переднем плане, смоделированными в резких контрастах света и тени и кислотных цветов. Картина имеет необычную структуру, так как оригинальный холст был приклеен к дереву, вокруг которого пронумерованы надрезы (видны внизу слева). Вероятно, они предназначались к передаче композиции для печати.

 Авраам Блумарт нидерл. Abraham Bloemaert). Чудо с хлебами (Иисус кормит пять тысяч). 1593

Голландский художник Пауль Бриль работал в Риме, где он стал известным благодаря своим творческим пейзажам. Он прибыл в город в 1582 году, отправившись из Антверпена, чтобы присоединиться к своему старшему брату Маттию. Пауль последовал примеру Маттиса, делая подробные наброски классической архитектуры, которые он включил в свои картины. Бриль работал на различных материалах, в том числе фресках и небольших картинах на меди. Он вдохновил многих североевропейских художников посетить Рим, распространяя свое влияние на них и на отпечатки, сделанные после его работы. Иногда Бриль использовал визуальный каламбур пары очков («bril» на голландском языке) в качестве своей подписи. Эта небольшая картина на меди является прекрасным примером воображаемых пейзажей Бриля. Он использовал установленное соглашение о разделении далекой перспективы на цветные полосы, чтобы предложить идею отступления от теплого коричневатого переднего плана до более светлого зеленоватого среднего и более холодного синего фона. Бриль также сочетал в себе элементы своей родной нидерландской ландшафтной традиции, такие как извилистые стволы деревьев, скалистые обнажения и крутая долина реки, с его интересом к классическим фрагментам и архитектурным руинам. Живые фигуры обеспечивают яркие акценты и некоторый человеческий интерес.

Пауль Бриль (нидерл. Paul Bril). Фантастический пейзаж. 1598