Выставочный зал

 Джордж Стаббс (англ. George Stubbs)

Уистлджакет (Whistlejacket). 1762

Беговая лошадь – одна из самых известных британских картин восемнадцатого века, вероятно, самый известный портрет лошади. Также широко признано, чтобы стать шедевром Джорджа Стубба, аравийский каштановый жеребец одержал знаменитую победу в Йорке в 1759 году, но к 1762 году был отстранен от гонок. Он принадлежал второму маркизу Рокингема, который поручил Стаббсу нарисовать юбилейный портрет его призовой лошади в натуральную величину в масштабе, более подходящем для группового портрета или исторической живописи. Стаббс исключает любые упоминания о наезднике, амуниции для верховой езды или местоположении, изображая великолепно вскормленую лошадь на нейтральном фоне бледного золота. Несмотря на предположения о том, что наездик изначально планировался, Уистлджакет изображён без сбруи. Свободная от человеческого контроля лошадь является воплощением безудержной природной энергии, свободного духа, который предопределяет празднование романтизмом природы.

Сэр Генри Реберн (англ. Sir Henry Raeburn)

 Лучники. 1789-1790

"Лучники" – один из немногих выдающихся портретов, появившихся в начале карьеры Реберна, и, вероятно, он был написан примерно в 1789 или 1790 году, когда молодые люди были в позднем подростковом возрасте. Роберт и Рональд Фергюсон стали членами Королевской компании лучников в 1792 и 1801 годах, соответственно, и современное возрождение стрельбы из лука как модного вида спорта, похоже, вдохновило композицию. Два брата показаны в яркой и сложной геометрической композиции, которая играет на контрастах тона. Роберт с чудесно очерченным профилем освещён слева, а Рональд позади него изображен полностью в тени, глядя на зрителя в обрамлении натянутого лука, удерживаемого его старшим братом. Горизонтальная стрела точно делит холст на две части. Расположение фигур напоминает классический скульптурный фриз, соответствующий Шотландии эпохи Просвещения, когда возобновившийся интерес к древности оказал влияние на мышление и эстетику страны.

Франсуа-Юбер Друэ (фр. François-Hubert Drouais)

Мадам де Помпадур за рамкой для вышивания. 1763-1764

На картине изображена бывшая любовница Людовика XV в последний год её жизни. Жанна-Антуанетта Пуассон родилась в 1721 году, в 1741 году она вышла замуж и четыре года спустя стала королевской любовницей и маркизой Помпадурской. Она была покровителем искусства и литературы, а также проводником стиля, который оказал значительное влияние на государственную политику Франции. Холст подписан и датирован на рабочем столике началом апреля 1763 года. Голова маркизы предположительно была написана при жизни, а остальная часть картины была завершена в мае 1764 года, месяца после смерти мадам Помпадур. Картина Друэ является последним из многочисленных её портретов самых известных художников того времени, в том числе Буше и Карл ван Лоо.

 Джозеф Райт англ. Joseph Wright of Derby)

Эксперимент с птицей в воздушном насосе. 1768

Публика собралась вокруг лектора, чтобы посмотреть эксперимент. Ночь, а комната освещена единственной свечой, которая горит под большим круглым стеклом, содержащим человеческий череп. Белый какаду был помещен в стеклянный контейнер, из которого накачивается воздух для создания вакуума. Будет ли лектор полностью изгонать воздух и убивать птицу, или позволит воздуху вернуться и оживить её? Райт фокусируется на различных реакциях зрителей – от девушки, неспособной смотреть, до влюбленных, глядящих только друг на друга. Это самая большая, самая амбициозная и драматичная работа из серии "свечных" картин, написанных Райтом в 1760-х годах. В ней запечатлена драма инсценированного научного эксперимента, но он также действует как vanitas – картина, касающаяся времени, границ человеческого знания и хрупкости самой жизни.

Камиль Писсарро (фр. Camille Pissaro)

 Фокс Хилл, Верхний Норвуд . 1870

Это одна из 12 сохранившихся картин, которые Камиль Писсарро сделал во время добровольной ссылки в южном Лондоне с конца 1870 года до середины 1871 года в ходе франко-прусской войны. Возможно, первая картина, которую он написал в Лондоне, это одна из самых деревенских сцен серии, похожей на пейзажи, которые он писал возле своего дома к западу от Парижа. Сегодня всё ещё возможно определить это место – дорога в Фокс Хилл сохраняет свой небольшой изгиб. Тем не менее, Писсарро интересовался больше атмосферными эффектами света и погоды, чем точной топографией, и картина, возможно, была впервые выставлена в Лондоне под названием Effet de neige (эффект снега). Полотно выглядит так, как будто его наскоро нарисовали на площадке под открытым небом, поскольку Писсарро работал быстро и энергично, но картина была завершена в несколько этапов.

Камиль Писсарро (англ. Camille Pissarro)

Авеню, Сиденхэм. 1871

Это одна из 12 картин, которые Писсарро написал во время добровольной ссылки в Лондоне с 1870 по 1871 год во время франко-прусской войны. Авеню представляла собой широкую, усаженную деревьями улицу в Сиденхаме, модном пригороде в пригороде недалеко от Кристал Пэлас в южном Лондоне. Сегодня это место можно идентифицировать как Лоури Парк Авеню с церковью Святого Варфоломея, построенной в 1832 году, на расстоянии. Эта весенняя сцена была написана в апреле или мае 1871 года, незадолго до возвращения Писсарро во Францию. Несмотря на то, что картина на открытом воздухе, Писсарро завершил её в своей мастерской. За исключением неба, он смешал большую часть краски с белым, чтобы уменьшить цветовые контрасты и создать постоянную светлую тональность во всём. Традиционное использование перспективы, приемлемой степени отделки и живописных мотивов, возможно, предназначалось для того, чтобы обратиться к английским покупателям, которые настороженно относятся к быстрой обработке импрессионистской живописи.

Камиль Писсарро (фр. Camille Pissaro)

Бульвар Монмартр ночью. 1897

К концу своей жизни Писсарро все чаще обращался к представлению городских сцен в Париже, Руане, Дьеппе, Гавре и Лондоне, в основном расписанных из окон отелей и апартаментов. В феврале 1897 года он снял комнату в Париже в Hôtel de Russie на углу бульвара Италии и улицы Друо, а также создал серию картин на бульваре Монмартр в разное время суток. Писсарро, возможно, был под влиянием серии картин, на которых Моне был занят в это время, и ранних городских сцен Мане. Эта картина – единственная ночная сцена из этой серии, и она представляет собой мастерское исполнение игры света на темных и мокрых улицах. Писсарро не подписывал и не выставлял его при жизни.

Камиль Писсарро (фр. Camille Pissaro)

Лувр под снегом.1902

В более поздние годы Писсарро написал несколько серий картин, основанных на видах Парижа. Каждая серия была посвящена определенному месту в городе, написанному в разное время суток, в разные времена года и в разных погодных условиях. Эта зимняя сцена, вероятно, созданная в первые месяцы 1902 года, является частью серии, которую он написал в своей квартире в Дофине на Иль-де-ла-Сите. Взор направлен прямо на запад вдоль Сены. Мост искусств находится на среднем расстоянии, а Лувр – большое здание справа. Слева, Писсарро включил часть площади дю Верт-Галан, небольшой общественный парк, названный в честь Анри IV, в котором видна конная статуя девятнадцатого века. Картина показывает увлечение Писсарро преходящими атмосферными эффектами, но он заключил их в тщательно структурированную композицию.

 Камиль Писсарро (фр. Camille Pissaro)

Портрет Сезанна. 1874

Влияние Писсарро глубоко изменило направление искусства Сезанна, когда они работали вместе в Понтуазе в начале 1870-х годов. На этом портрете Сезанна в нижнем правом углу висит картина Писсарро. На двух печатных рисунках изображены государственный деятель Адольф Тьер слева и художник Курбе справа, известные люди того времени, которые, похоже, признательны Сезанну. Портрет является свидетельством поддержки и дружбы наставника для блестящего протеже, а также юмористическим предсказанием того, что слава и известность однажды обретут его. Портрет висел в мастерской Писсарро до его смерти в 1903 году.

 Камиль Писсарро (англ. Camille Pissarro)

Кот-де-Бюф в Эрмитаже. 1877

Этот лесистый склон холма, называемый Кот-де-Бюф, находился недалеко от дома Писсарро в поселке Эрмитаж, недалеко от рыночного городка Понтуаз, где жил художник большую часть времени между 1866 и 1883 годами. Хотя Писсарро был ведущим импрессионистом, эта картина сигнализирует о его уходе от мимолетных атмосферных эффектов импрессионизма. Вместо этого он в первую очередь сосредоточен на структуре композиции, которую тщательно выстроил, используя уравновешенные вертикальные и горизонтальные линии. Густо нанесенная краска и плотно обработанная поверхность, которую он построил несколькими небольшими мазками, также весьма отличны от быстрой жидкой мазки и наброскоподобных качеств импрессионизма. Этот переход к более структурированной версии импрессионизма предвещает проблемы следующего поколения художников постимпрессионизма, в частности, Сезанна и Сеурата.

 Камиль Писсарро (англ. Camille Pissarro)

Портрет Феликса Писсарро (фрагмент). 1881

Феликс-Камиль (1874 - 1897), также известный как Тити, был третьим сыном Камиля и Джулии Писсарро. Этот портрет, показывающий его в возрасте семи лет, является одной из нескольких картин и рисунков отца. Перед своей преждевременной смертью в Лондоне в 1897 году Феликс работал художником, гравером и карикатуристом под псевдонимом Жан Рох.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Купальщицы в Ла-Гренуйерe. 1869

На этой картине изображено популярное лодочно-купальное заведение с прилегающим плавучим кафе на Сене, недалеко от Буживаля, к западу от Парижа. Летом 1869 года Моне жил рядом с Ла-Гренуйер со своей любовницей Камиллой и их сыном. Работая вместе с Ренуаром, он рисовал эскизы сцены очень свежим и прямым способом, возможно, в рамках подготовки к значительно большему холсту, который сейчас утерян.  Исключительно свободный подход к созданию картины Моне может быть отчасти связана с тем, что холст представляет собой эскиз для более амбициозной композиции, нарисованной в студии. Он использует широкие цветные области, чтобы указать лодки, пришвартованные в тени, в то время как точки в светлой воде на заднем плане представляют группу купальщиков в реке.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Музей в Гавре. 1873

В 1870-х годах, когдаМоне жил в Аржантее, на окраине Парижа, он совершил несколько поездок обратно в Гавр, в котором вырос. Город был процветающим торговым и промышленным центром, а также важнейшим трансатлантическим портом Франции с множеством портов и оживленных доков. Для этой картины Моне расположился на стене во внутренней гавани, напротив городского музея изобразительных искусств и публичной библиотеки, впечатляющего здания, построенного в 1845 году. Несмотря на то, что здание относительно большое, картина обладает эскизным качеством небольших полотен Моне. Ослабленная кисть передает легкое движение рябь воды и фрагментированные отражения лодок; паруса, которые почти затемняют архитектуру, спешно зачищены. Приглушенная палитра, состоящая в основном из сероватого синего и коричневого цветов, облегченная от прикосновений более теплого апельсина, вызывает в воображении атмосферу северного порта под пасмурным небом.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Пляж в Трувиле. 1870

Ранние картины Моне о побережье Нормандии показывают морской пейзаж, населенный рыбаками, которым приходилось сталкиваться с холодным климатом, неспокойным морем и грозовым небом. Но эта картина и восемь других, которые он сделал летом 1870 года, изображают берег как место отдыха, с широкими песчаными пляжами, бодрящим воздухом и впечатляющей морской архитектурой. Моне нарисовал пеляж в течение нескольких недель, которые он провел в Трувиле со своей женой Камиллой и их сыном Джином. Камилла со собеседницей показаны крупным планом, их фигуры расположены и обрезаны рамкой рисунка, скорее как снимок. Песчинки в краске говорят о том, что холст был написан хотя бы частично на месте. Черты лица и детали костюма кратко очерчены плоскими мазками краски: основное внимание здесь уделяется игре света и тени. Яркий солнечный свет передаётся яркими белыми мазками, а женщины закрывают свои лица зонтиками.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Снежная сцена в Аржантёе. 1875

В 1871 году Моне переехал со своей семьей в Аржантей, пригород к северо-западу от Парижа. Во время своего шестилетнего пребывания он написал около 200 картин города и его окрестностей. Эта картина – одно из 18 полотен Аржантей, на которых запечатлена снежная зима 1874/5 года. Фигуры, идущие по дороге, могут пробираться к ближайшей железнодорожной станции или от неё, в то время как волнистые коричневые повозки тянутся змейкой вдаль, притягивая взгляд к горизонту. Моне фокусируется на атмосферных условиях: это пасмурный день, когда солнце уходит с неба. Его палитра почти монохроматична, белые, голубые и серые цвета согреты розовыми тонами и акцентированы случайными штрихами более яркого цвета. Краска на дороге на переднем плане более густая, чем где-либо на картине, возможно, потому, что Моне пытался изобразить глубокий снег.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Лавакурт (фр. Lavacourt) под снегом. 1878-1881

Лавакурт Lavacourt – это деревня на другой стороне Сены от Ветейя, где Моне поселился в 1878 году. Хотя эта работа датирована 1881 годом, она, вероятно, была написана несколько раньше. Художник часто подписывал свои работы задолго до их завершения, добавляя даты, которые иногда были неточными.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Паводковые воды. 1896

Проливной дождь осенью 1896 года вызвал сильное наводнение возле дома Моне в Живерни. Река Эпте, приток Сены, вырвалась на берег и вышла на луг рядом с садом Моне. Вынужденный оставаться рядом с домом, Моне нарисовал вид заболоченного ландшафта, который он видел перед собой, включая ряд пыльцовых ив, которые стояли на краю луга. Ветви деревьев покрыты тонкими, быстрыми мазками, а вода раскрывает его интерес к атмосферной гармонии. Картина кажется незаконченной и, возможно, была нарисована на месте. Холст был оставлен незавершённым в верхней и нижней областях, создавая впечатление быстро сделанного эскиза. Для этого может может быть сделано исследование написанной в студии картины, которая сейчас находится в частной коллекции в Швейцарии.

Клод Моне (фр. Claude Monet)

Водяные лилии, заходящее солнце. 1907

В последние два десятилетия своей жизни Моне посвятил себя живописи водного сада, который он создал в своем доме в Живерни, написав около 250 инновационных картин. Его полотна становились все более экспериментальными, поскольку он постепенно отказывался от изображений берегов пруда, его японского моста и традиционной линии горизонта, чтобы сосредоточиться на тонких модуляциях света, когда он трансформировал воду и отражения листвы и облаков. В этой картине единственный намёк, который поможет разместить зрителя, – скопление растений в левом нижнем углу, которое указывает приблизительное положение берега. Розовые и желтые лучи заходящего солнца переливаются на пруду. Наше видение колеблется между поверхностью воды и глубиной пруда; между горизонтальными лилиями и темными вертикальными отражениями плачущих ив.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Пуэнт-де-ла Хеве (La Pointe de la Hève), Сент-Адресс. 1864

Моне было за двадцать, когда он написал этот вид через волнорезы к мысу Ла-Хеве, недалеко от Сент-Адрессе на побережье Нормандии. Он хорошо знал этот район, так как провёл свое детство в соседнем Гавре. Картина, вероятно, была сделана на месте как набросок для более масштабной студийной картины "La Pointe de la Hève" в "Отливе" (Художественный музей Кимбелла, Форт-Уэрт), которую он показал в парижском Салоне в 1865 году. Пустой галечный пляж и зимний, пустынный воздух. Три фигуры в лодке, плывущей к нам, отвернулись от холода, и дым изтрубы хижины у скалы. На горизонте мчатся парусные лодки, их темные паруса на фоне солнечного света стоят под кромкой серого облака. Яркие мазки краски, напоминающие гальку на пляже, и широкие плоские мазки, окружающие лодку, намекают на будущее направление искусства Моне.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Водяные лилии. 1899

В 1893 году Моне купил участок земли рядом со своим домом в Живерни. Там он посадил красочный цветник, но теперь хотел создать водный сад – как для удовольствия глаз, так и для того, чтобы сюжеты рисовать. Моне расширил существующий пруд, наполнив его новыми экзотическими гибридными водяными лилиями, и построил горбатый мост, вдохновленный примерами японских гравюр. Водный сад стал главной навязчивой идеей более поздней карьеры Моне и предметом около 250 картин. Здесь мост охватывает ширину холста, но обрезается по краям, так что кажется, что он плавает над водой, его форма отражается в темной дуге в нижней части рисунка. Перспектива, кажется, меняется; это как если бы мы смотрели не на мост, а вниз на водяные лилии, которые плывут. Вертикальные отражения деревьев обеспечивают противоположность горизонтальным скоплениям лилий.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Тополя на Эпте. 1891

Хотя эта работа датирована 1890 годом, она была написана в следующем году. Весной 1891 года Моне начал работу над серией из 23 картин с изображением тополей, которые располагались на левом берегу реки Эпте, недалеко от Лиметца, к югу от Живерни. 18 июня город решил провести аукцион по продаже деревьев. Моне уговорил торговца лесом купить их при условии, что они останутся стоять ещё несколько месяцев, чтобы позволить художнику закончить свою серию. Работы были написаны на лодке с плоским дном, которую Моне позаимствовал у приятеля художника Гюстава Кайботта. С этой низкой точки зрения деревья видны на фоне неба и подчеркиваются их симметричные качества.

 Альфред Сислей (фр. Alfred Sisley)

Водопой в Марли-ле-Руа. 1875

Сислей написал эту зимнюю сцену в маленькой деревне Марли-ле-Руа в начале 1875 года, вскоре после того, как туда переехал. Деревня была местом Шато-де-Марли, которое построили в конце семнадцатого века для Людовика XIV, короля Франции, как ответвление из Версаля. Позже замок снесли. Водопой на переднем плане картины был одним из последних остатков великих водных садов замка. Сислей жил очень близко и написал почти 20 картин, которые включают и эту. Скорее всего, он работал над картиной на улице всего за один присест: похоже, она была написана быстро с использованием ограниченной цветовой гаммы. Краска нанесена тонким слоем и хорошо видна быстрая кисть, особенно на переднем плане. Несколько деталей и цветных бликов были добавлены после высыхания краски.

  Альфред Сислей (фр. Alfred Sisley)

Лужайки весной

В 1880 году финансовые трудности заставили Сислея покинуть Севр, в пригороде Парижа, и перебраться в район Сены и Марны, к юго-востоку от города. Он жил в этом районе до конца своей жизни. Этот шаг стал поворотным моментом в карьере художника, и он написал речной пейзаж с новой жизненной силой и свежестью видения. На этой картине изображен "Le Chemin des Petits Prés", лесистая тропа, которая шла вдоль левого берега Сены, соединяя деревни Венё и Бы. Теперь он заменен асфальтированной дорожкой. Деревня, видимая на противоположном берегу, – Шампань. Молодая девушка, в которой узнали дочь художника, Жанна, появляется как воплощение весны.

 Поль Гоген (фр. Paul Gauguin)

Урожай: Ле-Пульду. 1890

В 1890 году Гоген жил в пансионе Мари Генри в Ле-Пульду, Бретань. Мыс на этой картине находится в западном конце пляжа, примерно в миле от самой деревни. Гоген написал разные версии этого пейзажа, которые характеризуются строго определенными формами и ровными площадями цвета его синтетического стиля. Художник также использовал его в упрощенном виде для фона своей работы "Утрата девственности", написанной в Париже зимой 1890-91 годов (Норфолк, Вирджиния, Музей Крайслера).

 Поль Гоген (фр. Paul Gauguin)

Faa Iheihe. 1898

В 1891 году Гоген отправился на острова южной части Тихого океана, где он оставался почти до конца своей жизни, в основном на острове Таити. Название этой картины почти наверняка является неправильным пониманием со стороны художника таитянского слова "fa`ai`ei`e", которое означает "украшать, приукрашать, служить украшением", в смысле создания себя красивым для особого случая. Как и многие другие его картины того периода, например, "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?" 1897 (Бостон, Музей изобразительных искусств), Гоген использовал горизонтальный формат, вдохновленный яванскими скульптурными фризами. Некоторые из отдельных фигур, такие как центральная женщина, также взяты из этих фризов. Три женщины слева и всадник снова появляются в "Рупе Рупе (Роскошь)" 1899 года (Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина).

Поль Гоген (фр. Paul Gauguin)

Ваза с цветами. 1896

Эта картина была написана на Таити после переезда Гогена из Франции. Она была продана его другом Даниэлем де Монфрайдом в 1898 году одному из первых поклонников искусства Гогена Дегу. Цветочные картины были распространены среди художников этого периода; Дега и Ван Гог являются одними из величайших представителей этого типа. Ваза украшена узором только из золотых линий и размещена практически в центре картины, на деревянном уступе, куда упали розовые и красные лепестки. Цветы образуют относительно симметричный узор с широкими синими листьями по бокам кремового и красного цветов. Приглушенные тона фоновой стены и полки воздействуют как фольга на экзотические цветы, которые являются центральным предметом картины.

 Поль Гоген (фр. Paul Gauguin)

Ваза с фруктами и кружкой перед окном. 1890

Этот натюрморт – прежде всего, дань уважения картине, которую Гоген приобрел около 10 лет назад, "Натюрморт с композитором, стаканом и яблоками" Сезанна (Музей современного искусства, Нью-Йорк). Он повторяет многие элементы этой картины, такие как фрукты, керамика, помятая скатерть и нож в правом нижнем углу. На более широком уровне это также свидетельствует о том, что Гоген перешёл от импрессионизма к более структурно строгому искусству, примером которого является работа Сезанна. Есть напоминания о Бретани, где в это время находился Гоген. Возможно, кружка местного производства. Полоса городского пейзажа наверху, вероятно, основана на фотографии Пон-Авена. Знаменитая примитивная подпись Гогена, которую он начал использовать примерно в это же время, находится здесь вверх ногами, возможно, чтобы погрузить её в общий рисунок поверхности картины.

Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Автопортрет. 1880-1881

Сезанн много раз рисовал свой портрет на протяжении всей своей карьеры. Начиная с его появления здесь, этот портрет датируется примерно временем его пастельного портрета Ренуара, датируемого 1880 годом (частный). Обои с ромбовидным рисунком встречаются в ряде натюрмортов Сезанна.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Парк у Шато Нуар. 1900-1904

Художник часто изображал местность возле Экс вокруг Шато Нуар в родном Провансе Сезанна. В этой мрачной поздней картине он фокусируется на отдалённом и скалистом горном хребте к северо-востоку от дома. Холм настолько крутой и настолько густо заросший кущей, что на небе видны лишь пятна бледно-голубого цвета. До недавних пожаров в этом районе и на этом месте всё ещё стояло раздвоенное дерево, которое Сезанн изобразил справа.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Печь в студии. 1865

Этот вид мастерской художника, вероятно, был написан в Париже. В течение этого периода Сезанн разделил своё время между его родным Экс-ан-Провансом и Парижем, и картина вызывает чувсто недостатка его богемного существования в столице. Справа в вазе на столе стоит один цветок. За печью виден холстовый подрамник, а на стене слева висит палитра и, возможно, небольшая картина. Первым владельцем этой работы был друг детства Сезанна, писатель Эмиль Золя.

  Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Старая женщина с чётками. 1895-1896

По словам поэта и писателя Иоахима Гаске, няня на этой картине была бывшей монахиней, сбежавшей из монастыря и бесцельно бродившей, пока художник не взял ее в качестве служанки. Гаске нашел эту картину в 1896 году в семейном доме Сезанна недалеко от Экс-ан-Прованса, лежавшей на полу мастерской художника с капающейся на ней трубой. Нижний левый угол отмечен брызгами воды или пара.

Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Отец художника, Луи-Огюст Сезанн. 1865

Портрет отца Сезанна (1798-1886) был написан, вероятно, в начале шестидесятых. Он был написан прямо на нише стены в Салоне Жас-де-Буффан, загородной резиденции за пределами Экс-ан-Прованса, которую его отец купил в 1859 году. 

Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Пейзаж с тополями.1885-1887

Это один из группы из пяти пейзажей, которые, вероятно, были написаны в этот период, когда Сезанн экспериментировал с регулярным параллельным диагональным и вертикальным мазками, чтобы предложить мерцающий солнечный свет, играющий на различных текстурах листвы. Место было определено как родной художнику Прованс, на юге Франции.

Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Аллея в Шантийи. 1888

Это одна из нескольких картин, датируемых посещением Сезанна Шантильи к северу от Парижа в 1888 году, и написанных, вероятно, в парке, окружающем замок. Основной рисунок сначала был сделан карандашом, а затем наложен свободно окрашенными мазками краски. Теплый серый грунт, видимый в некоторых местах, является неотъемлемой частью общей цветовой гаммы. Более темные оттенки синего и зеленого помогают определить деревья и заборы; Окончательный эффект зависит от тонких оттенков цветов, оживляющих поверхность.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Аллея в Жас-де-Буффан. 1868-1870

Чередующиеся полосы светлой и темно-зеленой краски показывают солнечный свет, играющий на деревьях поздним летним днем. Вид был обрезан сверху, чтобы дать картине ощущение глубины, несмотря на её небольшой размер. Эта аллея каштанов в загородном доме отца Сезанна была одним из любимых мотивов художника.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Море в Эстаке. 1876

Стремясь "писать, как Пуссен, но природу", Сезанн прекрасно сознавал, сколь недолговечны внешние впечатления, фиксируемые только глазом, – впечатления, так ценимые Моне и художниками его круга. Для всех этих работ характерны плотная живописная поверхность, резкие контрасты, достигаемые благодаря темным теням и глубокому черному цвету, мрачные тона с преобладанием черного, серого, коричневого, синего с незначительными вкраплениями белого; иногда художник кладет кое-где зеленые или красные тона, оживляя эту почти монохромную суровость. Такое понимание искусства отражают натюрморты, портреты и композиции, созданные художником в эти годы. Около 1883-1885 гг. Сезанн написал ряд работ с одинаковым названием – "Вид Эстака", в которых заявляют о себе новые тенденции.

Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Склон в Провансе. 1890-1892

В то время как место склона холма в родном Провансе Сезанна не было окончательно установлено, стена угловатых, выступающих скальных образований на этой картине может представлять собой карьер с разрезами, раскрывающими геологические пласты. Стилистически картина относится к пейзажам, которые Сезанн писал в Экс-ан-Провансе в середине 1880-х годов.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Натюрморт с кувшином воды. 1892-1893

Эта незаконченная работа относится к серии натюрмортов, созданных Сезанном в конце 1880-х и начале 1890-х годов, в которых он изобразил тарелки и фрукты на столе, размещенном параллельно плоскости изображения. Высокий голубой кувшин с водой появляется на всех этих картинах. Это был любимый предмет Сезанна.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Купальщицы (Les Grandes Baigneuses). 1894-1905

Сезанн рисовал купальщиков с 1870-х годов, в том числе многочисленные композиции мужских и женских, по отдельности или в группах. В конце жизни он написал три крупные группы женских купальщиц. В дополнение к живописи Национальной галереи, они теперь находятся в Фонде Барнса, Мерионе, Пенсильвания, и в Филадельфийском художественном музее. Вероятно, на момент своей смерти он работал над всеми тремя одновременно. В этих работах Сезанн переосмыслил давнюю традицию живописи с обнаженными фигурами в пейзаже таких художников, как Тициан и Пуссен. Хотя сюжеты их произведений были взяты из классических мифов, Сезанн не использовал прямые литературные источники. Вместо этого его центральной темой была гармония фигур с ландшафтом, выраженным в твердых формах, строгой архитектонической структуре и земных тонах тел. Когда эта картина была выставлена ​​в 1907 году, она стала источником вдохновения для зарождающегося кубистского движения; и Пикассо, и Матисс проявили к нему большой интерес.

 Пьер Oгюст Ренуар (ыр. Pierre-Auguste Renoir)

Танцующая девушка с кастаньетами. 1909

Эта картина вместе с сопутствующим произведением "Танцующая девушка с бубном" была написана для украшения столовой в квартире месье Мориса Гангната по адресу: 24 Avenue de Friedland, Paris. Предполагалось, что картины должны висеть по обе стороны от зеркала, а первоначально фигуры должны были нести тарелки с фруктами. Образцом для обеих девушек была Жоржетта Пиджо, но главой фигуры в этой работе была смоделирована горничная Ренуара, Габриель Ренар. Говорят, что Ренуар считал две картины одной из самых важных своих поздних работ.

Жан-Шарль Казин (фр. Jean-Charles Cazin)

Улисс после кораблекрушения. 1880-1884

Вернувшись из Трои, корабль Улисса был уничтожен богом Зевсом и вся команда, кроме самого Улисса, утонула. Ему удалось добраться до острова Огигия, где обитала нимфа Калипсо. Она влюбилась в него, но он не смог ответить ей чувствами, и его мысли постоянно обращались к дому. Эта картина может быть связана с серией композиций Казина, которые сочетают классическую или религиозную тематику с современной жизнью.  Прибрежная сцена, изображённая здесь, почти наверняка находится в Эквиене, недалеко от Булони, где художник часто использовал свои сюжетные картины.

 Эдуар Вюйар (фр. Edouard Vuillard)

Мадам Андре Вормсер и её дети. 1926-1927

Мадам Вормсер, урождённая Ольга Борис, была женой французского банкира Андре Вормсера. Она стоит в гостиной семейного парижского дома по адресу 27 rue Scheffer, а четверо её детей расположены в ярко освещенном углу комнаты справа. Элегантный интерьер отражает вкус и моду французского общества 1920-х годов. На стенах картины Мане, Моне, Ренуара и Русселя. Над роялем висит большая пастель от Дега, скрытая отражением полосатого навеса от солнца. Эта тихая домашняя сцена показывает всё тепло и интимность поздних картин Вюйара. С комичным именем "Пуф де Ландес" домашняя собака семьи лежит у ног дочери Дианы, в руках которой музыкальная партитура. Диана сидит рядом со своей младшей сестрой Сабиной, поглощенной слушанием Доминики, играющей на пианино. Их брат Оливье стоит сзади. Позже он служил офицером во французских освободительных силах во время Второй мировой войны и подарил эту картину Национальной галерее в знак благодарности британской нации.

Тео ван Рейссельберг (нидерл. Theo van Rysselberghe)

Прибрежная сцена. 1892

Ван Рейссельберг принял стиль пуантилизма, создав композицию, используя бесчисленные крошечные точки дополнительных цветов, увидев работы Жоржа Сёра. Он установил тесную дружбу с последователем Серата, Полом Синьяком, и в начале 1890-х создал серию обманчиво простых, наполненных светом и плотно обработанных морских пейзажей, когда ван Рисселберг и Синьяк путешествовали и рисовали вместе. Отличительной чертой его работы являются скопления белых точек, разбросанных по всей поверхности картины, как здесь, которые придают его картинам анимационное, почти танцевальное качество. Точки также часто образуют закрученные орнаменты, как в этой работе.

Жорж Сёра (фр. Georges Seurat)

Платья на траве: этюд для «Купальщицы в Аньере». 1883. (слева, вверху)

Это одна из многих работ маслом для первого крупномасштабного произведения Сеура "Купальщицы в Асьере" 1884 года. Она была скомпанована в пригороде Асьера на северо-западе Парижа и написана до того, как Сёра полностью развил свою технику пуантилизма. Как и большинство других его работ маслом, этот эскиз был написан на открытом воздухе. Здесь художник скрыл фигуры и сосредоточился на самом пейзаже и стопке сброшенной одежды.

Берег реки (Сена в Аньере). 1883. (слева, внизу)

В начале 1880-х Сёра проводил множество занятий под открытым небом, часто работая на берегах Сены в Курбевуа и Асьере. Эта небольшая панель может быть связана с его самыми ранними набросками и идеями для "Купальщиц в Аньере". Поразительная геометрия композиции, в которой преобладают оси вертикального полюса и отдаленного берега реки, типична для изученного и продуманного подхода Жоржа Сёра.

Сена, увиденная от La Grande Jatte. 1888. (справа)

Эта картина легла в основу более крупного полотна, которое сейчас находится в Музее Royaux des Beaux-Arts в Брюсселе. Окрашены на белую поверхность, цвета особенно светлые и блестящие. Художник внес несколько корректировок в композицию: кривая острова была опущена внизу справа, а следы яхты видны слева.

Жорж Сёра (фр. Georges Seurat)

Купальщики в Аньере.1884

Аньер является промышленным пригородом к северо-западу от Парижа на реке Сена. Эта работа показывает группу молодых рабочих, отдыхающих у реки. Картина была первой из масштабных композиций Сёра. Он подбирал отдельных фигуры с использованием живых моделей и делал небольшие масляные наброски на месте, чтобы иметь возможность составить композицию и записать эффекты света и атмосферы. Сохранилось около 14 рисунков маслом и 10 рисунков. Финальная композиция, написанная в студии, объединяет эти работы. В то время как картина не была выполнена с использованием пуантилистской техники, которую художник ещё не изобрел, Жорж Сёра позже переработал отдельные фрагменты этой картины, используя точки контрастного цвета, чтобы создать яркий, светящийся эффект. Например, точки оранжевого и синего были добавлены в шляпу мальчика. Простота фигур и использование правильных форм, чётко определенных светом, напоминают картины художника эпохи Возрождения Пьеро делла Франческа. В написании фигур, выполненных в профиль, Сёра, возможно, также находился под влиянием древнеегипетского искусства.

 Эдгар Дега (фр. Hilaire-Germain-Edgar Degas)

Молодые спартанцы. 1860

Плутарх пишет о Ликурге, законодателе древней Спарты, приказывавшему спартанским девушкам участвовать в соревнованиях по борьбе; здесь они призывают мальчиков сражаться. Ранняя работа, вероятно, началась около 1860 года. Картина несколько раз переделывалась, и сохранились многочисленные эскизы и рисунки, например, наброски маслом в Художественном музее Фогга, Кембридж, Массачусетс. Хотя картина была указана в каталоге для выставки импрессионистов 1880 года, она не была показана и оставалась в мастерской художника до самой смерти.

Эдгар Дега (фр. Hilaire-Germain-Edgar Degas)

Расчесывание волос ("La Coiffure"). 1896

Женщины, укладывающие или причёсывающие свои волосы, часто появляются в работах Дега, и эта картина – одна из самых смелых его тем. Горничная, одетая как служанка, расчёсывает волосы сидящей перед ней хозяйке, которая ещё не полностью одета. Оттянутая силой расчёски, хозяйка поднимает правую руку к голове, как будто хочет успокоить или удержать волосы на месте. Композиция набросана жирными мазками кисти, и Дега в основном ограничивает цвета вариациями огненно-оранжево-красного цвета, окрашенного на кремово-белой грунте, который всё ещё виден слева на холсте. Некоторые фрагменты картины выражены более определенными, чем другие – предмекты на столе, например, выглядят незаконченными. Дега, вероятно, планировал продолжить работу над картиной, но она так и не была завершена и осталась в его мастерской. После его смерти она была куплена Анри Матиссом.

Йосеф Исраэлс (нидерл. Jozef Israels)

Рыбаки несут утопленника. 1861

Эта картина, вероятно, была написана в Амстердаме и основана на эскизах, сделанных художником на побережье в Зандвоорте в 1861 году. На следующийгод она была выставлена в Салоне и в Королевской Академии в Лондоне. Композиция картины показывает влияние массовых сцен Оноре Домье, в то время как его настроение сочувствия к испытаниям крестьянской жизни напоминает Милле. На фоне темного неба тело утонувшего рыбака несут вдоль берега его товарищи. Фигуры кажутся маленькими по сравнению с просторами моря и суши, а те, что на переднем плане, предположительно жена и дети мужчины, выглядят отягощенными горем.

 Адольф фон Менцель (нем. Adolph Menzel)

После полудня в саду Тюильри. 1867

Адольф Мензель был ведущим немецким художником второй половины XIX века. Эта картина из сада Тюильри в Париже была написана им в 1867 году после посещения города, чтобы увидеть Всемирную выставку этого года. Почти наверняка работу вдохновила другая картина в Национальной галереи – "Музыка в саду Тюильри" Мане, выполненная всего пять лет назад. Обе картины очаровывают оживленной публичной сценой дня в садах Тюильри, прилегающих к Лувру в центре Парижа, но выполненные в совершенно разных стилях. Подход Менцеля более реалистичен и наполнен деталями. Он предлагает зрителю перейти от случайности к внимательно наблюдаемому эпизоду на холсте. Менцель сделал несколько набросков в саду Тюильри, которые взял с собой в Берлин, хотя ни один из них на самом деле не предвосхищал композицию готовой картины. Несмотря на то, что картина Менцеля написана в более традиционном академическом стиле, он отдаёт дань уважения Мане, цитируя его картины. Стоящий на переднем плане справа от центра мужчина в цилиндре очень похож на одну из фигур с картины Мане. Когда Менцель впервые выставил своё произведение, он решил указать, что оно было выполнено по памяти.

 Макс Либерман (нем. Max Liebermann)

Поминальная служба кайзеру Фридриху в Кесене. 1888-1889

Кайзер Фридрих III умер 15 июня 1888 года, через три месяца после его вступления в должность. Либерманн был в Кесене в феврале того года, где он делал некоторые эскизы поляны в буковом лесу, в котором часто проводились поминальные службы. Эта картина была первой версией художника на эту тему (вторая, находившаяся ранее в Музее изобразительных искусств в Будапеште, была уничтожена в 1945 году). Вдохновленный "Погребальной службой Адольфа Менцеля в Буковом лесу в Кёзене" 1868 года (Музей изобразительных искусств, Будапешт), эта картина также была разработана на основе собственных набросков Либермана по дереву. Многие подготовительные рисунки к картине сохранились.

Пабло Пикассо (англ. Pablö Picasso)

Материнство (La Maternité). 1901

Пикассо по-новому смотрит на тему "Мадонна с младенцем", одевая мать в традиционный синий цвет. Её взгляд меланхоличен, а вытянутые рукидержат ребенка в нежных объятиях. Стилизованный пейзаж, гармоничное лоскутное одеяло красных и зеленых оттенков, оживляется свободными выразительными мазками вверху и внизу слева.

 Винсент Ван Гог (нидерл. Vincent van Gogh)

Портрет крестьянки. 1884

В 1883 году Ван Гог поселился в Нуенене, деревне на севере Брабанта в Нидерландах, где его отец был священником. Там он наблюдал за жизнью крестьян, зарекомендовав себя художником рабочих. Это один из более 40 портретов, которые он написал той зимой. Темное, грубое и неидеальное изображение было выполнено до того, как художник получил какую-либо форму художественной подготовки.

 Винсент Ван Гог (нидерл. Vincent van Gogh)

Высокая трава с бабочками. 1890

Ван Гог был пациентом в приюте в Сен-Реми, недалеко от Арля, с мая 1889 года по май 1890 года. В течение этого времени он был ограничен работой на территории прилегающего сада и вскоре после своего прибытия описал "заброшенные сады", в которых "трава растет высокой и неопрятной, смешанной со всеми видами сорняков". Этот вид садов был нарисован в конце пребывания художника в приюте.

 Винсент Ван Гог (нидерл. Vincent van Gogh)

Стул Ван Гога. 1888

Эта работа была написана, когда Ван Гог работал в компании Гогена в Арле. Она была раскрашена в начале 1889 года. Ван Гог нарисовал сопутствующую картину кресла Гогена, показанного ночью. Теперь эта картина в музее Ван Гога, Амстердам. Эти две работы, возможно, предназначались, чтобы представить контрастные темпераменты и интересы двух художников.

Винсент Ван Гог (нидерл. Vincent van Gogh)

Два краба 1889

Считается, что эта картина была создана вскоре после выхода Ван Гога из больницы в Арле в январе 1889 года. 7 января он написал своему брату Тео: "Завтра я собираюсь снова работать. Начну с одного или двух натюрмортов, чтобы снова привыкнуть к рисованию". Вероятно, художник был вдохновлен гравюрой Хокусая "Крабы", которая также была воспроизведена в мае 1888 года в номере "Le Japon Artistique", присланном Тео Винсенту в сентябре того же года. На похожей картине в музее Ван Гога в Амстердаме краб изображен лежащим на спине. Здесь, вероятно, один и тот же краб, показанный как на спине, так и в вертикальном положении. Художник использовал различные мазки, чтобы передать текстуру. Параллельные мазки образуют форму существа на обильной морской поверхности.

 Интерьер галереи

 Фрагмент интерьера галереи

 Купол дворца галереи