Национальная галерея – это художественный музей на Трафальгарской площади в Вестминстере, в центре Лондона. Основанная в 1824 году, она содержит коллекцию из более 2300 картин, датируемых серединой 13-го века до 1900 года. Галерея является благотворительной организацией, которая не относится к ведомственным государственным органом Министерства культуры, средств массовой информации и спорта. Её коллекция принадлежит правительству, действующему от имени британского народа, и вход в основную коллекцию бесплатный. Это один из самых посещаемых художественных музеев в мире, после Лувра, Британского музея и Метрополитен-музея искусств. В отличие от сопоставимых музеев в континентальной Европе, Национальная галерея не была сформирована путем национализации существующей королевской или княжеской коллекции произведений искусства. Она возникла, когда британское правительство купило 38 картин у наследников Джона Юлиуса Ангерштейна в 1824 году. После этой первоначальной покупки Галерея была сформирована главным образом её первыми директорами, в частности сэром Чарльзом Локком Истлейком, и частными пожертвованиями, которые сегодня составляют две трети её фондов. Коллекция небольшая по сравнению со многими европейскими национальными галереями, но энциклопедическая по объему; Большинство крупных работ западной живописи "от Джотто до Сезанна" представлены известными картинами.

Раньше считалось, что галерея была одним из немногих национальных музеев, где все ее работы были представлены на постоянной экспозиции, но это уже не так. Нынешнее здание, третье здание Национальной галереи, было спроектировано Уильямом Уилкинсом в период с 1832 по 1838 годы. Только фасад на Трафальгарской площади с тех пор практически не изменился, так как здание расширялось по частям на протяжении всей своей истории. Новое здание Уилкинса часто подвергалось критике за кажущиеся недостатки его конструкции и за недостаток места; последняя проблема привела к созданию галереи Тейт для британского искусства в 1897 году. Крыло Сэйнсбери, расширенное на запад Робертом Вентури и Денизом Скотт Браун, является ярким примером постмодернистской архитектуры в Великобритании. Нынешний директор Национальной галереи – Габриэле Финалди (Gabriele Finaldi).

Парадная лестница спроектирована сэром Джоном Тейлором в 1884–17 годах, встречает посетителя картиной французского художника XIX века Пьера Сесиль Пюви де Шаванн (фр. Pierre-Cécile Puvis de Chavannes) "Усекновение главы Иоанна Крестителя". 1869. Эпизод взят из Нового Завета. Ирод Антипа, очарованный танцами Саломеи, предлагает ей объект её желаний. По подсказке своей матери Иродиады она просит голову Иоанна Крестителя на тарелке. Считается, что черты Саломеи основаны на чертах принцессы Кантакузен (фр. Cantacuzène), которая вышла замуж за Пюви де Шаванна (фр. Puvis de Chavannes) в 1897 году. Образ Ирода, стоящего справа, может быть основан на романисте Анатоле Франсе (фр. Anatole France). Крест, который держит Святой Иоанн Креститель, когда палач готовится к удару, является центром композиции. Статический характер дизайна смягчается фигурой палача, напоминая аналогичные фигуры у Делакруа и Шассерио. Вероятно, эта незаконченная картина оставалась у художника до момента его смерти. 

В галерее представлены все основные традиции западноевропейской живописи от художников позднего средневековья и ренессанса до французских импрессионистов. Среди них картины с XIII по XV века, написанные  Дуччо, Уччелло, ван Эйк, Липпи, Мантенья, Боттичелли, Дюрер, Мемлинг, Беллини. XVI век знакомит с творчеством  Леонардо, Кранах, Микеланджело, Рафаэля, Гольбейна, Брейгеля, Бронзино, Тициана, Веронезе. Картины XVII века иллюстрируют работы Караваджо, Рубенса, Пуссена, Ван Дейка, Веласкеса, Клода, Рембрандта, Кейпа, Вермейера. Картины XVII - начала XX века показывают полотна Каналетто, Гойя, Тернера, Констебля, Энгра, Дега, Сезанна, Моне, Ван Гога.

 

 

 

 

 

 

 

Мастер Святого Франциска. Распятие. 1265-1270. Христос на кресте. Справа от него Мария Магдалина и ещё одна святая женщина утешают Богородицу. Слева от него – Иоанн Богослов и сотник, который признал Христа сыном Божьим.

Маргаритоне д'Ареццо (англ. Margarito d'Arezzo).Богоматерь с Младенцем на троне со сценами историй. 1263-1264

Это одна из самых ранних картин в коллекции. На голове у Богородицы корона и она восседает на троне в виде львов. На коленях держит Христа. По углам расположены символы четырех евангелистов. Восемь небольших сцен показывают эпизоды из жизни святых: Иоанн Богослов в котле с кипящим маслом и оживляет Друсиану; Рождество с Благовещением Пастухам; Бенедикт катается в ежевике, чтобы преодолеть искушение; Николай предупреждает паломников выбросить смертоносное масло, данное им дьяволом; Екатерина обезглавлена, а ее тело перенесено на гору Синай; Николай спасает трех человек от обезглавливания; и Маргарита в пасти дракона..

Неизвестный английский или французский художник. Диптих Уилтона (англ. Wilton Diptych), 1395-1399 гг.

Ричард II, король Англии с 1377 по 1399 год, опускается на колени в левой створке этого переносного алтаря, созданного для личной мольбы. Короля представляет его покровитель Иоанн Креститель, держащий Агнца Божьего. В центре святой Эдуард Исповедник с кольцом, которое, согласно легенде, он подарил бедному паломнику, оказавшемуся святым Иоанном Евангелистом. В дальнем левом углу Святой Эдмунд держит стрелу, от которой он принял мученическую смерть. Король носит свою эмблему с белмм оленем и воротник, представляющий связанные стручки растения геральдического дерева. На правой панели изображена Богородица с Младенцем и одетые в белое ангелы. Терновый венец и три гвоздя вписаны в ореол Младенца. Белый штандарт с красным крестом может быть флагом Святого Георгия или символом Воскресения, или обоими. Внутри сферы в верхней части штандарта находится мельчайшее изображение зеленого острова с белым замком в серебряном море, которое, вероятно, представляет Англию, находящуюся под защитой Богородицы и ребенка.

 Неизвестный английский или французский художник. Диптих Уилтона (англ. Wilton Diptych), 1395-1399 гг.

На левой створке этого переносного алтаря изображёны королевские гербы Англии и Франции – львы и геральдические лилии – вместе с крестом и пятью птицами: герб короля Эдуарда Исповедника, пронзённый гербом королей Англии. Эта комбинация использовалась Ричардом II около 1395 года. Вероятно, в прошлом были повреждены водой части позолоченной и окрашенной поверхности. На правой створке – личная эмблема Ричарда II: белый олень, корона и цепь на шее.

 Барнаба да Модена (итал. Barnaba da Modena)

Коронация Девы; Троица; Богоматерь с младенцем; Распятие. 1374

В нижнем левом изображении Святой Рафаэль представляет Мадонне и Младенцу двух заказчиков. На соседней сцене изображено Распятие, на переднем плане – обморок Девы. На верхнем уровне показан Христос,  коронующий свою мать как Царицу Небесную. Существует также изображение Святой Троицы с распятым Христом, поддерживаемым Богом Отцом и Святым Духом в виде голубя. Символы четырех евангелистов окружают крест.

Барнаба да Модена (итал. Barnaba da Modena)

Пятидесятница. 1377

Богоматерь Мария и двенадцать апостолов собрались вместе после Вознесения Христа на Небеса. Их руки соединены в молитве и к ним нисходит Святой Дух, который спускается как голубь и даёт им силу говорить "на языках", то есть проповедовать Евангелие людям всех народов на их родных языках.

 Липпо ди Далмасио итал. Lippo di Dalmasio)

Мадонна смирения. 1390

Мадонна, на голове которой корона из двенадцати звзд и луна в ногах. Она напоминает Жену, обличённую в солнце, как описано в Книге Откровения, последней книге Нового Завета, в которой святой Иоанн излагает свое видение конца света. Это самая ранняя картина на холсте в коллекции Галереи.

 Симоне Деи Крочифисси (итал. Simone dei Crocefissi)

Сон Богородицы. 1365-1380

Богородица спит, возможно, на смертном одре, а собеседник читает ей у её кровати. Над ней распят Христос на Древе Жизни, которое восстат из её чрева; ниже Адам и Ева вызволяются из Ала. Эти темы означают искупление человечества через страдания Христа на кресте.

 Лоренцо Венециано (итал. Lorenzo Veneziano)

Мадонна смирения со святыми Марком и Иоанном Крестителем. 1366-1370

Дева сидит на земле, кормя грудью Младенца Христа. Звезды, окружающие её голову, солнце, вышитое на её мантии, и луна под её ногами напоминают Жену, обличённую в солнце, описанную в Новом Завете.

 Джотто и подмастерья (итал. Giotto)

Пятидесятница. 1310-1318

На апостолов нисходит Святой Дух в виде голубя и огненных язычков. Апостолы поражаются своей вновь обретённой способности проповедовать Евангелие на разных языках. Эта панель была последней сценой в невысоком прямоугольном алтаре с семью эпизодами из жизни Христа.

 Неаполитанский последователь Джотто

Мертвый Христос и Богородица. 1330-1340

Богоматерь Мария касается раны на боку мертвого Христа и над ней появляются два траурных ангела. Это одна створка  диптиха. На другом створке изображены святой Иоанн Богослов и Мария Магдалина. Такая комбинация фигур половинной длины в диптихе представляется уникальной.

 Мастер Святой Вероники

Святая Вероника с Судариумом. 1420

Мастер Святой Вероники работал в Кёльне в первые годы XV века. О его жизни ничего не известно и он назван в честь картины святой Вероники с Судариумом (платком для вытирания пота) из церкви Св. Северина в Кёльне (ныне в Старой Пинакотеке Мюнхена). С этой панелью в Мюнхене могут быть связаны другие картины, включая этот упрощенный вариант, "Святая Вероника с Судариумом" в Национальной галерее, которая также происходит из церкви в Кёльне. Стиль работы художника близок к работавшему в Кёльне Стефану Лохнеру (нем. Stephan Lochner). Легенда гласит, что когда Христос нёс крест и упал, святая Вероника вытерла лицо платком. После этого изображение лица Христа было чудесным образом запечатлено на нём. Имя святой надписано на её ореоле на латыни (Sancta Veronica); Ореол Христа имеет сокращенную греческую форму его имени (ihs.xp.ih.x).

 Франческо да Римини (Мастер Пресвятой Клэр)

Видение благославленной Клэр Римини

Когда Благословенная Клэр Римини встала на колени, Христос предстал перед ней, показывая свои раны. Его сопровождают апостолы. Ей передана написанная на латыни книга святого Иоанна Богослова со словами Христа: "Я даю тебе мир. Я оставляю тебя мир".

Пьетро Лоренцетти (италю Pietro Lorenzetti) и Мастерская

Святой Сабин перед римским правителем Тосканы. 1335-1342

Венустиано, римский правитель Тосканы, пытается убедить покровителя Сиены Сабина поклоняться языческой статуе. Идол представляет Венеру и может быть каламбуром на имя губернатора. Панель, возможно, была частью алтаря собора Сиены.

Уголино ди Нерио (итал. Ugolino di Nerio)

Богоматерь с младенцем и четырьмя ангелами. 1305

Богоматерь с Младенцем на троне нежно созерцают друг друга. Им служат четыре ангела. Эта композиция Маэсты (изображения Богоматери; итал. maestà – величание, возвеличивание) изначально находилась в монументальном алтаре. Маркировка на шарнирах указывает на то, что она могла быть присоединена к другой панели.

Сенья ди Бонавентура (итал. Segna di Bonaventura)

Распятие. 1310-1315

Безжизненный Христос на кресте. Он оплакивается стоящей справа от него Богородицей и святым Иоанном Евангелистом (слева от него). Такие монументальные распятия в итальянских церквях обычно устанавливали высоко над алтарами. Это распятие значительно поврежден и частично перекрашен. Сенья ди Бонавентура был племянником Дуччио и одним из его самых главных последователей.

Мастер Альбертини (Мастер Фрески Казоле)

Богоматерь с младенцем и шестью ангелами. 1310-1315

Мадонна с Младенцем возведены на трон и почитаются ангелами. Этот тип композиции известен как Маэста (итал. maestà – величание, возвеличивание). Когда-то ангелы были в полный рост, предполагая, что часть картины была вырезана. Стиль художника близок к Дуччо ди Буонинсенья.

 Дуччо ди Буонинсенья (итал. Duccio)

Иисус открывает глаза человеку, рожденному слепым. 1311

Христос преедставлен композиционным центром сцены, а слепой человек показан дважды: сначала Спаситель касается его глаз, а затем, в тот момент, когда его зрение чудесным образом восстанавливается. Визуально эти два эпизода связаны палкой слепого. Эта панель содержала одну из сцен на обратной стороне прелеллы Дуччио "Маэста". Эта сторона пределлы иллюстрировала сцены из жизни Христа. Первоначально эта панель была слева от "Преображения", поэтому прозревший слепой, казалось, смотрел на преображенного Христа. Еще одна панель из "Маэста" находится в коллекции: "Благовещение". Фигуры и архитектура, вероятно, были написаны разными художниками из мастерской Дуччио. Лицо слепого у фонтана было повреждено в прошлом и является современной реставрацией.

Дуччо ди Буонинсенья (итал. Duccio)

Благовещение 1307-1308

Архангел Гавриил объявляет Богородице, что её посетит Святой Дух (в виде голубя) и она родит сына Божьего. Это событие было предсказано пророком Ветхого Завета Исаия: его слова вписаны в девственность Марии, на которую ссылаются чистые белые линии. Панель была начальной сценой, написанной Дуччо, в пределле Маэста.

Мастер Палаццо Венеция Мадонна.

Святая Марии Магдалины и Святой Пётр. 1350

Эти два Святых изначально были частью большого алтаря. Вероятно, они были расположены справа от центральной панели, на которой изображена Богоматерь с Младенцем.

Уголино ди Нерио (итал. Ugolino di Nerio)

Алтарь Санта-Кроче (англ. The Santa Croce Altarpiece)ю 1325-1328

В верхнем ряду, слева, расположена панель с образом пророка Давида, носящего корону для обозначения своего царствования, благословляющего правой рукой и показывающего написанный свиток левой рукой. В центр помещена панель с ветхозаветным пророком Исайя; он держит свиток в левой руке и смотрит влево. Надпись гласит от его пророчество (Исаия 7:14), которое было истолковано как предсказание рождения Иисуса. Справа пророк Ветхого Завета Моисей, смотрит вправо, показывает свиток с надписью из рассказа о горящем кусте (Исход 3: 2). Под образом Давида святые Варфоломей и Андрей. Святой Варфоломей держит свиток в левой руке и благословляет правой рукой, открывая богато украшенную одежду под плащом. Святой Андрей, справа, держит книгу. Ниже образа моисея панель со вятыми Симоном и Фаддеем. Святой Симон слева держит книгу, а Святой Фаддей, который поворачивается направо, держит нож. Три неопознанных головы изображены в полосе четырехлистников ниже. В третьем от верха ряду слева фрагмент, на котором в пазухе свода изображены два ангела. Каждый из ангелов отличался друг от друга. Правый фрагмент с двумя ангелами первоначально былпомещен над фигурой Святого Луи из Тулузы, ныне утраченной, на главном ярусе (крайний справа) на главном алтаре Санта-Кроче во Флоренции. Эта панель всё ещё покрыта оригинальной тканью и сохраняет первоначальное позолоченное лепное украшение арочной рамы. Серию историй жизни христа открывает панель, повествующая о его предательстве. Римские солдаты пришли арестовать Христа. В центре Иуда предаёт Христа поцелуем, как описано в Новом Завете (Матфея 26: 47-52). Слева Святой Петр отсекает ухо Малху. Сцена происходит ночью; освещение обеспечивается зажжёнными факелами. Эта панель сформировала вторую сцену после "Тайной вечери" (Нью-Йорк, Музей Метрополитен, Коллекция Лемана) в пределле главного алтаря Санта-Кроче, Флоренция. Вероятно, за алтарь заплатила семья Аламани, на которой изначально был герб. Вторая панель показывает путь на Голгофу. Христос несёт Крест. Его ведут за веревку, обвязанную вокруг шеи. Он оглядывается на свою мать, которую сопровождают другие женщины. Эта панель формировала центральную из семи сцен Страстей Христовых в пределле главного алтаря Санта-Кроче во Флоренции. Распятие было исключено из пределлы, но вместо этого размещено над главной центральной панелью, на которой изображены Богоматерь с Младенцем. Третья панель повествует о снятии Иисуса с креста. Иосиф Аримафейский стоит на лестнице и спускает мертвого Христа с креста. Богородица в сопровождении Марии обнимает его. Святой Иоанн Богослов поддерживает Христа справа, а Никодим вынимает гвозди из ног. Эта сценай не описан в Евангелиях. Панель составляла пятую из семи сцен Страстей Христовых в пределле главного алтаря Санта-Крочево во Флоренции. Композиция похожа на ту же тему в Маэсте Дуччо (Сиена, Музей Оперы Дуомо). Последняя, четвёртая пань, представляет сцену Воскресения Христа. Христос торжественно поднимается из гроба, а четверо воинов, на переднем плане, спят. Новый Завет (Матфея 28: 2-4). Он держит знамя Воскресения с красным крестом на белом фоне. Эта панель формировала последнюю сцену в пределле главнкого алтаря Санта-Крочево во Флоренции.

Джованни ди Паоло (итал. Giovanni di Paolo)

Сцены из жизни святого Иоанна Крестителя. 1454

Эти панели являются частью пределлы алтаря, показывающего сцены из жизни святого Иоанна Крестителя, принадлежат одной и той же пределле алтаря, датированного 1454 годом "Богородица с Младенцем и Святыми" (Нью-Йорк, Музей Метрополитен), в который входит Иоанн Креститель. Первая панель слева содержит сцену "Рождение Святого Иоанна Крестителя". Святая Елизавета, мать святого Иоанна Крестителя, лежит на кровати, украшенной разрисовками. Повитуха держит святого младенца на переднем плане, в то время как другая женщина сушит полотенце у огня. Справа – Святой Захарий; Елизавета настаивала на том, чтобы ребенка назвали Иоанном, а поскольку Захарий был немым, он выразил своё согласие, написав: "Его зовут Иоанн". С этого момента он мог говорить. Новый Завет (Луки 1: 57-64). Вторая слева сцена "Святой Иоанн Креститель уходит в пустыню". Молодой святой изображён дважды: он покидает дом своих родителей и идёт в пустыню. Повествование обрамлено цветами роз, которые видны снизу. Новый Завет (Луки 1:80). Следующая панель "Крещение Христа" показывает, как святой Иоанн Предтеча крестит Христа в реке Иордан. Бог Отец и Святой Дух в форме голубя изображены выше; ангелы присутствуют с обеих сторон. Новый Завет (все Евангелия, например, Матфея 3: 13-17). Композиция для этой панели повторяет сцену "Крещения" Гиберти на купели Баптистерия Сиены (1425-7). Четвёртая панель "Голова Иоанна Крестителя принесена к Ироду" представляет сцену, на которой падчерица Ирода, Саломея, танцует перед ним справа на пиру. Он обещал удовлетворить её любую просьбу и мать Иродиада велела ей попросить голову Иоанна Крестителя на тарелке;  к ужасу Ирода и гостей  голова доставлена к столу. Новый Завет (от Марка 6: 1-12). Композиция для этой картины также происходит от позолоченной бронзовой панели Донателло на купели Баптистерия Сиены (1423-7).

Джованни ди Паоло (итал. Giovanni di Paolo)

Святые Фабиан и Себастьян. 1475

Слева изображён Папа Римский святой Фабиан, справа  – святой Себастьян; оба были мучениками, у них был один и тот же праздник. Святой Себастьян был римским сотником, которого признали христианином и приговорили к смертной казни. В него стреляли стрелами, но это не убило его, и, в конечном счёте, он былзабит камнями. Недавняя реставрация показала исходное приподнятое положение руки и предплечья Себастьяна и около двадцати стрел, пронизывающих его тело, большинство из которых было закрашено. Внизу, по углам, стоят Братья Братства Милосердия, одетые в черное с белой вуалью, держат в руках лжицы для сбора милостыни. Это полная обетная картина – обещанная и предложенная в благодарность за благоприятный ответ на молитву – и, вероятно, одна из поздних работ Джованни ди Паоло.

Никколо ди Бонаккорсо (итал. Niccolò di Buonaccorso). 1380

Замужество Богородицы

Согласно легенде, в Иерусалиме женихи преподносили прутья в храме на руку Богородицы; она должна была выйти замуж за того жениха, чей жезл зацветёт; здесь расцвёл как голубь жезл Иосифа. Родители Девы Иоахим и Анна на заднем плане опознаются по ореолам. Панель была в окружении "Введение Богородицы во храм" и "Коронация Богородицы", чтобы сформировать триптих. Рамка оригинальная. Задняя часть имеет перфорированный и окрашенный дизайн, типичный для складывающегося алтаря, такого как триптих. Положение подписи говорит о том, что это была центральная панель.

 Сассетта (итал. Sassetta).

Восемь сцен из Жизни Святого Франциска алтаря Сан Франческо в Борго-Сансеполькрою 1437-1444

Известный как Сассетта с 18-го века, Стефано ди Джованни (итал. Stefano di Giovanni) был самым популярным художником в Сиене 15-го века, где он, вероятно, работал с Бенедетто ди Биндо и где значился в  гильдии художников до 1428 года. Его первой задокументированной работой была алтарь для Арте делла Лана (гильдия торговцев шерстью) в 1423-1426 годах, однако шедевром стал двухсторонний алтарь Сан Франческо в Борго Сан Сеполькро 1437-1444. Он изображает жизнь святого Франциска, основателя францисканского ордена, который умер в 1226 году. Алтарный образ был написан в 1437 году и установлен в 1444 году. Фронтальная сторона, на которой изображены Богоматерь и Младенец со святыми, был виден конгрегацией, в то время как задняя часть со Святым Франциском во Славе была бы видна только монахам в хоре. Восемь сцен из Жизни Святого Франциска, которые сопровождали это изображение, также были видны только монахам. Все, кроме одной сцены "Волк Губбио" основаны на жизни святого Франциска, "Старшей легенды" святого Бонавентуры.Левая панель в верхнем ряду "Святой Франциск и Бедный Рыцарь, и Видение Франциска" создана в 1437-44 годах и является одной из семи панно, которые располагались на обратной стороне двустороннего полиптиха. Следом в верхнем ряду идут панели " Святой Франциск отказывается от своего земного отца", "Волк Губбио" и "Святой Франциск перед султаном". Нижний ряд, слева направо, представлен историями "Святой Франциск перед Папой Гонорием III", "Святой Франциск получает стигматы" и "Похороны святого Франциска".

Неизвестный австрийский художник

Троица с распятым Христом. 1410

Бог-Отец сидит, поддерживает распятого Христа. Голубь Святого Духа между ними завершает Святую Троицу. Изначально картина представляла собой алтарь, зазатворяемый двумя ставнями (следы их петель видны на раме). Обратная сторона расписана узорами из зеленых листьев.

Франческо ди Джорджо (итал. Francesco di Giogio)

Святая Дорофея и Младенец Христос. 1460

Сюжет взят из "Золотой легенды". Говорят, что Младенец Христос, несущий корзину с розами и яблоками, явился святой Дороти, когда её забирали в мученичество. Она попросила его отдать их Феофилу, который пренебрегал её видением, на которое он обратился в веру. Яблоки в этой картине не отсутствуют.

Мастер Оссерванза

Рождение Богородицы. 1440

Мастер Оссерванза – это имя, данное художнику, написавшему триптих, датированный 1436 годом в Оссерванзе, недалеко от Сиены. Триптих тесно связан с художником из Сиены Сассеттой (итал. Sassetta) и в прошлом  считалась его работа. Некоторые критики считают триптих и ряд других картин, которые теперь приписывают Мастеру, молодыми работами Сано ди Пьетро (итал. Sano di Pietro), но данное мнение не является общепринятым. На центральной панели изображена новорожденная Дева Мария, которую омывают повитухи на переднем плане, а её мать, святая Анна, лежит на кровати. На левой панели святому Иоакиму сообщают новости о рождении; На правой – видны две женщины в домашних условиях. Источник – "Золотая легенда". Картина несколько повреждена, а панели были повторно собраны: карнизы на картине изначально выстраивались в одну линию.

Карло Кривелли (итал. Carlo Crivelli)

Мадонна с ласточкой. 1490

Алтарный образ представлен возведённой на трон Богородицей и Младенцем со святыми Иеронимом и Себастьяном, но назван в честь ласточки (по-итальянски rondine), расположенной выше, что может быть символом Воскресения. Он происходит из церкви Сан-Франческо в Мателике и носит герб семьи Оттони. Алтарь был принят и освящён в марте 1490 года Ранузио Оттони, лордом Мателики, и Джорджо ди Джакомо, хранителем местного францисканского монастыря. Кривелли поставил свою подпись "Майлз" (лат. Miles/Рыцарь), титул которого он получил в 1490 году. Это одна из трёх больших картин итальянского Ренессанса в Национальной галерее, сохранившая свою оригинальную раму. Позолоченная рама поражает своей формой "all'antica" и богатым разнообразием цветов, имитирующих порфир, гранит и мрамор. Центральные сцены пределлы, нижняя часть алтаря, относятся к основным фигурам выше. Они представлены слева направо: святой Иероним в пустыне, рождественский вечер и мученичество святого Себастьяна. По краям алтаря изображены святая Екатерина Александрийская с её традиционным атрибутом колеса и святой Георгий в битве с драконом.

Карло Кривелли (итал. Carlo Crivelli)

Алтарь Демидова. 1476

Этот многоярусный алтарь, или полиптих, был написан Кривелли в 1476 году для главного алтаря церкви Сан Доменико в Асколи-Пичено (восточная область центральной Италии). Полиптих состоял из центральной панели и восьми небольших панно со святыми. Первоначально была пределла (нижняя часть алтаря), ныне утраченная, и сверху люнет (сейчас в Нью-Йорке, Музей Метрополитен). Когда Галерея приобрела алтарь, он имел третий уровень святых, теперь признанный как часть отдельного полиптиха из той же самой церкви. Весь полиптих был известен как "Алтарь Демидова" в то время, когда находился в коллекции крупного магната XIX века Анатоля Демидова.

Карло Кривелли (итал. Carlo Crivelli)

"Благовещение со святым Эмидием", 1486

В 1482 году папа Сикст IV подарил маленькому городу Асколи-Пичено в Марке 'libertas ecclesiastica' (лат. "Свобода Церкви") право на самоуправление, свободное от прямого папского правления. Согласно современным данным, новости об этом важном гранте достигли Асколи 25 марта. праздник Благовещения, дата и священное событие, которое впоследствии приобрело центральное значение в гражданской культуре города. Четыре года спустя венецианский монастырь Аннунциата в Асколи заказал венецианскому художнику Карло Кривелли написать алтарь Благовещения, празднующий это событие. Готовая картина была установлена ​​в монастыре, скорее всего, в часовне Благовещения, в том же 1486 году. Цивильный фон этого заказа объясняет многочисленные необычные черты в работе, в частности, городские условия, которые напоминают современную Асколи, и присутствие покровителя города Эмидия, которого можно увидеть, когда архангел Гавриил предлагает макет города своему покровителю Деве Марии. Сама картина богата с архитектурной точки зрения и содержит множество зданий, расположенных по обе стороны от мощеной улицы, уходящей глубоко в живописное пространство. Наиболее важным из них является дом Марии, который заполняет всю правую сторону алтаря. На первом этаже этого здания из дверного проема, окруженного витиеватыми коринфскими пилястрами, открывается вид на спальню Марии, где она стоит на коленях, читая или молясь у молебного столика. Над верным проемом, на втором этаже здания, находится компактная открытая лоджия с кессонным потолком, арки которого опираются на приземистые опоры, обильно инкрустированные панелями из желтого мрамора. Богатая антаблематура с фризом, украшенным рогом изобилия, масками путто, вазами и фруктами с ручками дельфинов, соединяет этот фасад здания с более строгим уличным фасадом, который стоит перед стоящими на коленях фигурами Габриэля и Святого Эмидия. Дверные проемы и оконные рамы на этой стороне улицы менее украшены, чем на фасаде, состоящие из тонко отделанных каменных блоков, с небольшими золотыми путти, выстроенными вдоль верхнего этажа, обеспечивающей роскошную ноту среди относительной строгости. Зарешеченное окно, встроенное в толстую стену, резко отделяет личное, священное пространство комнаты Девы от улицы, выступая также в качестве барьера для доступа Габриэля. Два других дома на этой улице намного более просты, чем дом Девы, построены из красного кирпича, а не из камня, и в них отсутствуют богато украшенные и роскошные декоративные элементы – контраст, который делает резкое утверждение о возвышенном статусе Девы. Из этих жилых зданий выделяется одно несоответствующее сооружение – большая триумфальная арка, охватывающая середину улицы. Облицованнаа желтым мрамором, похожим на тот, который украшает опоры верхней лоджии Богородицы,  эта поразительная арка – единственный пример явно "древней" структуры во всем творчестве Кривелли.

Карло Кривелли (итал. Carlo Crivelli)

Видение Благословенной Габриэли. 1489

 Альвизе Виварини (итал. Alvise Vivarini)

Мадонна с Младенцем. 1483-1485

Пресвятая Габриэля преклоняет колени и видит Богоматерь с Младенцем. Церковь справа – Сан-Франческо-ад-Альто, Анкона. Пресвятая Габриэля была настоятелем этого францисканского монастыря и членом благородного анконского рода Ферретти. Она умерла в 1456 году. Её святая репутация была подтверждена Папой в 1489 году. После этого Ферретти восстановили свою гробницу в Сан-Франческо. Картина происходит из этой церкви в Анконе и, вероятно, относилась к заказу гробницы, отсюда и её дата.

Джованни Батиста Чима да Конельяно (итал. Giovanni Battista Cima de Conegliano)

Мадонна и Младенец. 1505

Эта картина, вероятно, была написана во Венеции примерно в 1505 году. Птица, которую держит младенец Христос, – это коноплянка. Возможно, это она задумано как символ Страстей Христовых, хотя птица, которую обычно использовали для этой цели, была щеголом.

 Франческо Пезеллино и Филиппо Липпи (Francesco Pesellino and Fra Filippo Lippi)

Алтарь "Святая Троица (итал. Santa Trinità) в Пистойе (итал. Pistoia) 1455-1460

Этот алтарь был заказан в 1455 году компанией Троицких священников в Пистойе, Италия. Вначале, над образом работал Франческо Пезеллино, но он умер, не успев завершить работу, поэтому её перенял его учитель Фра Филиппо Липпи и другие художники из мастерской. Создание алтвря завершил Филиппино Липпи, после смерти своего отца Фра Липпи. В XVIII веке алтарь был разделен на несколько частей, однако в значительной степени повторно собран.

Фра Филиппо Липпи (итал. Fra Filippo Lippi) и Франческо Пезеллино (итал. Francesco Pesellino)

Семь Святых (1450-1453) и История Давида и Голиафа (1445-1455)

Эта панель вместе с "Благовещением" Фра Филиппо Липпи была куплена в XIX веке у дворца Медичи во Флоренции. Очевидно, что пара картин, хотя и не обязательно предназначенная для просмотра вместе, когда-то были встроены в мебель. Они почти наверняка были заказаны членом семьи Медичи, по случаю празднования рождения Лоренцо Великолепного в 1449 году. Панель "Семь Святых" представляет мужчин семьи Медичи. Эти же семь святых появляются в алтаре для Медичи Балдовинетти. "История Давида и Голиафа", как и подобная панель "Триумф Давида", вероятно, была написана около 1450 года флорентийским художником Пезеллино. Вероятно, это были панели из интерьера дворца. Первоначальный заказчик не известен. Тем не менее, высказано предположение, что они были написаны для члена семьи Медичи. В верхнем левом углу панели "История Давида и Голиафа" Давид пасет свое стадо; в левой средней части он выбирает камни для своей пращи; дальше справа Давид отказывается от доспехов; направо от центра, он направляет свою пращу на Голиафа. На переднем плане в центре Давид обезглавил Голиафа.

Фра Филиппо Липпи (итал. Fra Filippo Lippi) и Франческо Пезеллино (итал. Francesco Pesellino)

Благовещение (1450-1453) и Триумф Давида (1445-55).

Панель Филиппо Липпи "Благовещение" вместе с "Семью святыми" была куплена в XIX веке у дворца Медичи во Флоренции. Очевидно, что пара картин, хотя и не обязательно предназначенная для совместного просмотра, когда-то были внутренним убранством дворца. Они почти наверняка были заказаны членом семьи Медичи и приучены к празднованию рождения Лоренцо Великолепного в 1449 году. На панели Франческо Пезеллино "Триумф Давида" изображено триумфальное шествие Давида из Гата в Иерусалим. Давид держит голову Голиафа, великана, которого он только что убил. Обе панели представляют мелкий миниатюрный стиль и считаются одними из величайших картин Пезеллино.

Паоло Уччелло (итал. Paolo Uccello)

Битва при Сан-Романо. 1438-1440

На этой хорошо структурированной и красочной картине изображёна эпизод битвы при Сан-Романо, которая велась между Флоренцией и Сиеной в 1432 году. Центральная фигура – Никколо да Марузи да Толентино (итал. Niccolò da Mauruzi da Tolentino) на его белом боевом коне, лидер победоносных флорентийских сил, которого можно узнать по рисунку "Узел Соломона" на его знамени. Эта панель является одной из трех, показывающих моменты одной битвы. Два других полотна находятся в Лувре, Париж, и Уффици, Флоренция. Эта картина и две других были заказаны семьей Бартолини Салимбени во Флоренции в период между 1435 и 1460 годами: подписана только панель Уффици. Лоренцо Медичи так жаждал их, что принудительно заставил удалить их во дворец Медичи. У картин, возможно, были арочные вершины, разработанные, чтобы соответствовать готическим сводам. Они были превращены в прямоугольные панели в XV веке, возможно, самим Уччелло. Художниу был очень занят одноточечной линейной перспективой, которая видна здесь в ракурсе форм и расположения сломанных копий.

Джорджо Скьявоне (итал. Giorgio Schiavone)

Богоматерь с Младенцем. 1456-1460

Буквы, написанные на левой и правой пилястрах, указывают на сокращенные формы первых и последних букв греческого алфавита (Альфа и Омега). Это относится к высказыванию из Книги Откровения: "Я - Альфа и Омега, начало и конец, первый и последний".

 Пьеро делла Франческа (итал. Piero della Francesco)

Крещение Христа. 1437

Эта панель была центральной частью полиптиха. Она может быть одной из самых ранних сохранившихся работ Пьеро. Боковые панели и пределла были написаны в начале 1460-х годов Маттео ди Джованни (итал. Matteo di Giovanni). Алтарь находился в часовне святого Иоанна Крестителя в камальдолийском аббатстве (ныне собор) родного города Пьеро, Борго Сансеполькро. Город, видимый на расстоянии слева от Христа, пейзаж, безусловно, напоминает местность Борго Сансеполькро.

 Пьеро делла Франческа (итал. Piero della Francesco)

Рождество. 1470-1475

Эта сцена представляет Марию, преклонившую колени в поклонении новорожденному Христу, лежащему на её плаще. Пять ангелов поют, приветствуя рождение Христа – два из них играют на лютнях. Рядом с ними осел, который, кажется, ревет, а Бык торжественно смотрит на Младенца. Здесь же присутствуют два пастуха (их лица утратили детали, возможно, из-за чрезмерной ревности предыдущих владельцев). Один из пастухов указывает на небо, сжимая свой посох, как скипетр. Иосиф показан в глубоком раздумье, скрестив ногу на колене. Каждый человек, ангел и животное проявляют свое почтительное отношение к младенцу Христу. Даже сорока, известная в родной Тоскане Пьеро своей постоянной болтовней, выглядит молчаливой. Пьеро добавил другие штрихи из своего родного региона – город Вифлеем имеет отчетливо тосканские очертания. Плоская земля на вершине холма, где они стоят, как и извилистая долина слева, навевают Тоскану. Между тем горизонт справа, в котором доминирует базилика, может быть почти окраиной родного города Пьеро Борго Сансеполькро. Здесь ощущается влияние не толькоТосканы, но и североевропейской живописи. В начале своей карьеры Пьеро писал темперой, но в последующих работах, подобных этой, он начал работать маслом. Наряду с использованием коричневой подрисовки для рисунков, видно знакомство с голландской и фламандской работой. Это подкрепляется стройной фигурой Христа, которой не хватает развитой мускулатуры современных изображений из Италии, она больше напоминает картины таких художников, как Уго ван дер Гоес (нем. Hugo van der Goes). Пьеро также экспериментировал с перспективой. Это единственная из его работ, которая показывает здание, отклоненное от остальной части композиции: простой сарай, который напоминает зрителю о скромных началах Христа. Вполне возможно, что эта панель никогда не была завершена. Она, безусловно, была повреждена, возможно, работой реставратора 19-го века. Тем не менее, картина содержит более чем достаточно деталей, чтобы дать ощущение законченной композиции, которая, вероятно, была одной из последних работ, созданных художником.

Мастер жизни Богородицы

Сретение Господне. 1460-1475

Богородица приносит Христа в Храм, как предписано еврейским законом, с подношениями голубей и денег, для чего Иосиф достает свой кошелек. Христос представлен Симеону, изображённого здесь в мантии христианского священника, который говорит: "Господи, теперь отпусти слугу твоего с миром, чтобы глаза мои увидели спасение твоё" (Лука 2). Женщина в тюрбане справа от него – пророчица Анна, которая также хотела увидеть Спасителя. Алтарь за Симеоном содержит сцены из Ветхого Завета, которые богословы связывают с жертвой Христа. Одна из восьми панно алтаря Жизни Богородицы, вероятно, была заказана для церкви св. Урсулы в Кёльне.

Лука Синьорелли (итал. Luca Signorelli)

 Обрезание. 1490-1491

Картина была, вероятно, написвна в 1491 году для главного алтаря ораторского искусства Братства Святого Имени Иисуса церкви Сан-Франческо в Вольтерре. Богородица, святой Иосиф (с посохом) и святой Симеон отличаются по ореолам. Симеон изображен с поднятыми руками, в которых он только что держал Христа, и благодарит Бога за то, что он позволил ему увидеть Искупителя. Напечение Иисуса, Его Представление и Обрезание происходят одновременно  (Евангелии от Луки. 2: 21-36) – отсюда и выбор этого сюжетадля братства. Круглые рельефы в люстрах арки изображают пророка и сивиллу, которые предсказывали пришествие Христа. Вазари упоминает, что картина была повреждена от влаги и что Младенец был перекрашен Содомой. Явное представление обрезания, возможно, также было реальной причиной пересмотра Содомы.

 Лука Синьорелли (итал. Luca Signorelli)

Триумф целомудрия: любовь разоружена и связана. 1509

Это одна из серии назидательных исторических, легендарных и аллегорических сюжетов в комнате во дворце Петруччи в Сиене, написанных примерно в 1509 году. Два других – "Пенелопа с поклонниками" Пинториккио и "Кориолан, которого его семья убедила избавить Рим". также Синьорелли – находятся в Национальной галерее. Сюжет этой работы взят из "Трионфи" ("Триумфы") Петрарки. Бог любви показан связанным Лаурой, идеальной и целомудренной женщиной поэзии Петрарки. Ей помогают Лукреция и Пенелопа, девственные героини древности. На них смотрят римские герои Цезарь и Сципион Африканский. На расстоянии целомудрие показывает своего заключенного в триумфальной колеснице.

Пинтуриккьо (итал. Pintoricchio)

Пенелопа с поклонниками. 1509

Это одна из серии назидательных сюжетов, написанныхдля комнаты дворца Петруччи в Сиене примерно в 1509 году. Два других – "Триумф целомудрия" и "Кориолан, убежденный его семьей в спасении Рима", обе –  Синьорелли – также в Национальной галерее. Картины пострадали при снятии со стены, отсюда и их рассыпчатая поверхность. Женщина за станком – Пенелопа, жена Одиссея, героя Одиссеи Гомера. Во время его долгого отсутствия после Троянской войны её осаждают женихи, но она отказывается принимать их знаки внимания, пока не закончит ткать плащ своего свёкра. Однако ночью она отрывает то, что ткёт днём. Мужчины перед ней, по-видимому, женихи. Человек, входящий в комнату,– Одиссей, замаскированный под нищего. Другие эпизоды поэмы изображены на некоторм расстоянии: Одиссей слушает песню сирен, привязанных к мачте корабля, в то время как его команда закрывает уши. Моряки в маленькой лодке неподалеку ныряют в воду, сходя с ума от красоты пения. На побережье Цирцея встречает Одиссея. Вокруг него свиньи, в которых эта колдунья превратила предыдущих посетителей.

Лука Синьорелли (итал. Luca Signorelli)

Кориолан убеждён своей семьёй пощадить Рим. 1509

Это одна из серии назидательных исторических, легендарных и аллегорических предметов, написанных для комнате во дворце Петруччи в Сиене примерно в 1509 году. Два других – "Пенелопа с поклонниками" Пинториккио и "Триумф целомудрия" Синьорелли – находятся в Национальной галерее. Здесь вольски осаждают Рим. Их генерал – ссыльный римлянин Кориолан, который появляется справа, увенчанный венком. Он неожиданно встречвается с депортацией римских женщин, которые пришли просить его пощадить Рим. Их возглавляют Валерия (слева), его мать Волюмния (с поднятой рукой) и его жена Вирджилия, которая несёт одного из своих детей, в то время как другой ребенок бежит, чтобы приветствовать его (Плутарх, "Жизнь Кориолана").

Мастер алтаря святого Варфоломея

Богоматерь с Младенцем и музицырующими ангелами. 1485-1500

Инфракрасные фотографии показывают очень методичные и сложные рисунки с областями штриховки, более характерными для гравюры.Цветы на картине символичны. Слева растёт коломбина, называемая так из-за её внешнего вида (как голубь), которая намекает на Святого Духа. Обычно у него семь цветков, которые удобно обозначать Семь Даров Святого Духа.

Джованни Беллини (итал. Giovanni Bellini)

Обрезание. 1500

Новый Завет рассказывает о том, как после своего рождения Иисус был обрезан в соответствии с еврейской традицией (Луки 2: 21). Черный фон выглядит подлинным. Картины на эту тему были очень популярны в Венеции в конце XV и начале XVI века. Эта композиция была чрезвычайно популярна и была много раз скопирована и подогнана.

Мастерская Джованни Беллини (итал. Giovanni Bellini)

Богоматерь с младенцем.1480-1490

Эта картина является одним из многих изображений Богоматери и Младенца в мастерской Беллини и часто называется "Мадонна Магнификат (Мадонна с гоанатом)". Плод, который держит Дева, не отождествлен с уверенностью, но вполне может быть гранатом, символом Страстей. Фрукты, такие как яблоки и груши, появляются во многих картинах Беллини о Богородице и Младенце. Зеленая ткань чести, пейзаж и парапет также являются общими чертами мадонн Беллини. Эта "Богоматерь с Младенцем" тесно связана с полноформатной версией Беллини, которая сейчас утрачена, но отражена в картине Таккони. Вполне вероятно, что композиция была разработана для большего формата, потому что в этой версии колени неудобно вписываются в композицию.

 Джованни Беллини (итал. Giovanni Bellini)

Портрет Фра Теодоро из Урбино в образе Святого Доминика. 1515.

Эта картина датируется концом жизни художника. Возможно, он был задуман как портрет Фра Теодоро, который, как доминиканец, идентифицировался с основателем своего религиозного ордена. Кроме того, Фра Теодоро, возможно, послужил моделью для художника. Дата и надпись, вероятно, являются оригинальными.

 Джованни Беллини (итал. Giovanni Bellini)

Святой Иероним читает у пещеры. 1480-1485.

Святой Иероним показан в его покаянном уединении в сирийской пустыне, куда он удалился около 374-376 гг.. Он изучает Библию, которую перевел на латынь с древнегреческого и иврита около 400 г. н.э., и его сопровождает лев, у которого, согласно легенде, он вытянул шип. Пещера святого Иеронима находится в пустыне, но вдали виден город-крепость, подобный городам на материковой части Венеции.

Мастерская Джованни Беллини (итал. Giovanni Bellini)

Убийство святого Петра Мученика. 1509

На этой панели изображено нападение на двух монахов-доминиканцев под Миланом в 1252 году, когда был убит Петр Мученик. Лесорубы на заднем плане подражают жестокость, с которой был убит святой. Участник мастерской Беллини берут за основу очертания четырех центральных фигур по живописи Беллини на эту же тему.

Джованни Беллини (итал. Giovanni Bellini)

Убийство святого Петра Мученика. 1505-1507, 

История святого Петра Мученика, доминиканского монаха и инквизитора, рассказана в "Золотой легенде". В 1252 году по дороге в Милан он попал в засаду убийц, нанятых местными катарскими еретиками. Пётр был ранен в голову и получил множество ножевых ранений. Его последнее действие, показанное здесь, подтверждает его веру – он пишет "credo" ("я верю") своей собственной кровью. Пётр Мученик был признан папой святым. Он стал важной фигурой для доминиканцев, занимая место рядом с основателем ордена, Святым Домиником. Рентгеновский анализ показывает, что позиция убийцы Петра Мученика была изменена с вертикальной на наклонную. Четыре центральные фигуры этой работы в точности повторяют очертания картины Национальной галереи. Лесорубы на заднем плане рубят деревья (которые истекают кровью), чтобы напомнить нам о том, как был убит святой.

Джованни Беллини (итал. Giovanni Bellini)

Мертвый Христос, поддержкваемый двумя ангелами.1465-1470

Мертвого Христа поддерживают два скорбящих ангела. Беллини создавал такие изображения как отдельные произведения и как части алтарей. Эта картина была, вероятно, для частного моления. Она предназначена для того, чтобы сосредоточить верующего на Христе как на жертве за человеческий грех. Панель считается ранней работой Беллини.

 Джентиле Беллини (итал. Gentile Bellini)

Кардинал Бессарион с ракой Бессариона. 1472-1473

Необычный групповой портрет  Джентиле Беллини был заказан в 1472 году, когда венецианский братство Карит (милосердие) получило византийский реликварий с фрагментами Истинного Креста от греческого кардинала Бессариона (1403 - 1472). Беллини сделал панель из двери скинии, в которой хранился реликварий. Замочные скважины справа от картины до сих пор свидетельствуют об этой функции. Картина представляет не только портрет драгоценного реликвария Бессариона, но и людей, связанных с его даром Карите. Беллини уловил суть реликвария, особенно в наспех нарисованных сценах Страстей Христовых. Это контрастирует с очень взвешенными изображениями кардинала Бессариона и двух членов братства. Беллини был острым наблюдателем характера и редко льстил своим натурщикам. Бессарион узнаваем своим большим выпуклым носом, в то время как строгий вид членов браства милосердия усилен их угловатыми особенностями. Картина Беллини о кардинале и его реликварии ознаменована даром его самого ценного имущества братству, которым он так восхищался.

Джентиле Беллини итал. Gentile Bellini)

Мадонна с Младенцем на троне. 1475-1485

Богоматерь изображена на мраморном троне с восточным ковром у её ног. Младенец Христос держит гранат, символ Страстей. Форма подписи, означающая Джентиле Беллини, Рыцаря Венеции, указывает на то, что картина не может быть до 1469 года, когда Джентиле Беллини был посвящен в рыцари. Декоративная обработка и некоторые детали, такие как небольшие деревья в готической традиции, предполагают довольно раннюю дату.

Неизвестный венецианский художник

Христос несущий крест. 1500

На этой панели изображен Христос, несущий свой крест по дороге на Голгофу, где он был распят. Зритель занимает позицию Святых Женщин, которые смотрели, как проходил Христос. Неизвестный венецианский художник находился под влиянием Джованни Беллини и Джорджоне.

Джампетрино (итал. Giampietrino)

Саломея. 1510-1530

Сюжет взят из Нового Завета (Марка 6: 22-9) и показывает Саломею с головой Иоанна Крестителя, которую она получила в дарок от Ирода. Композиция многим обязана изобретениям Леонардо, и он также оказывает сильное влияние на баланс света и тени. Плотские тона и розовато-красный халат Саломеи со временем значительно поблекли; коричневые полосы скатерти когда-то были ярко-зелеными.

 Миланская школа.

Голова Святого Иоанна Крестителя. 1511

В Северной Италии были популярны изображения отрубленной головы святого на блюде на темном фоне. Вполне возможно, что они были основаны на прототипе Леонардо. Панель датирована "MDXI / II.K (A) L.FEB" (1511, за два дня до Kalends (римское название первого числа месяца) февраля).

Антонелло да Мессина (итал. Antonello da Messina)

Благословение Христа

Христос показан поднявшим руку в благословении. Ракурсный жест демонстрирует мастерство художника и поражает зрителя своей опроекцией с холста. Большая часть краски стёрлась и дакже стала прозрачной, и это позволяет видеть, что рука изначально была нарисована в несколько ином положении. Надпись включает в себя загадочную ссылку на дату, которая интерпретировалась как 1465: картина может датироваться 1470-ми годами.

Антонелло да Мессина (итал. Antonello da Messina)

Распятый Христос

Фигуры у подножия Креста – Пресвятая Богородица и Святой Иоанн. На удалённом расстоянии, вероятно, три Марии (Мария Магдалина, Мария, жена Клеофы, и Мария, мать Иакова). Большая версия этой темы, написанная Антонелло в том же году, ближе к нидерландским моделям, с более повествовательным характером и более отвлекающими деталями. Эта версия носит созерцательный характер, с изображением Богородицы  и Святого Иоанна в раздумье. Пейзаж способствует этому настроению.

 Пьетро дель Донзелло (итал. Pietro del Donzello)

Выезд аргонавтов. 1487

Эта картина, как и работа Бартоломео ди Джованни (итал. Bartolomeo di Giovanni) "Аргонавты в Колхиде", была сделана в честь брака Лоренцо Торнабуони (двоюродного брата Лоренцо Медичи) с добродетельной Джованной дельи Альбизи (итал. Giovanna degli Albizzi). Она висела в комнате Лоренцо во флорентийском дворце его семьи: в его отдельной комнате, где он мог принимать особых гостей, а также спать с женой. Высокообразованный Лоренцо Торнабуони (итал. Lorenzo Tornabuoni) особенно интересовался древнегреческими легендами о Ясоне и его аргонавтах. Здесь аргонавты покидают дом Ясона в Аргосе и готовятся отправиться в плавание в поисках золотого руна. Это позволило бы Ясону вернуть свое королевство от своего дяди Пелиаса (перед которым на картине видно стоящего на коленях Ясона).

Бартоломео ди Джованни (итал. Bartolomeo di Giovanni)

Аргонавты в Колхиде. 1487

Аргонавты прибыли в Колхиду, чтобы захватить чудесное золотое руно. Они могли достичь своей цели только с помощью дочери короля Колхиды, Медеи. Она рассказала Ясону, как убить змея, защищающего руно, вспахать поле с помощью медных быков, посеять его зубами змея и убить воинов, которые в это время возникали из-под земли (изображено с правой стороны картины). Бартоломео ди Джованни прославился тем, что  был художником-повествователем. В этой картине он ловко вписал сложные детали легенды в одну ландшафтную структуру. Он также адаптировал историю так, чтобы она понравилась Лоренцо Торнабуони и Джованне дельи Альбизи, к чьй свадьбе была написана эта картина. Медея уже не злая ведьма, а добродетельный помощник своего будущего мужа Ясона.

Последователь Филиппино Липпи

Поклонение священному египетскому быку Апису. 1500

Бык в небе с полумесяцем на плече – египетский бог Апис; он выходил из реки, а когда египтяне собрались вокруг него с музыкой и пением, он поднялся в воздух. Существует традиция, что Золотой Теленок израильтян был образом Аписа. Ветхий Завет (Исход 32: 1-8). Вполне возможно, что Филиппино здесь намекает на поклонение золотому тельцу. Эта работа, и ей подобная "Моисей, источающий воду из скалы", а также другие картины, которые в настоящее время отсутствуют, вероятно, были установлены в интерьере комнаты. Дизайн, возможно, принадлежит Филиппино, и, возможно, им была написана голова Моисея в книге "Моисей, источающий воду из скалы".

Последователь Филиппино Липпи

Моисей, источающий воду из скалы. 1500

После того, как Моисей вывел израильтян из Египта (на заднем плане справа), им не стало хватать воды и начали роптать на него. По повелению Бога Моисей ударил по скале своим жезлом и из него потекла вода (видно, как израильтяне и их стада пьют на правом переднем плане). Ветхий Завет (Исход 17: 1-7). Эта картина и её аналог "Поклонение египетскому богу Апису", а также другие картины, которые в настоящее время отсутствуют, служили интерьером комнаты.

Сандро Боттичелли (итал. Sandro Botticelli)

Портрет молодого человека. 1480

Этот ясно очерченный портрет молодого человека резко выделяется на черном фоне. Цввет его коричневой туники совпадает с цветом его глаз, и он носит красную шапку, известную как "биретта". Большинство портретов, сделанных во Флоренции и других местах в Италии, были профилями. Этот портрет необычен по своему формату, а картина, возможно, изначально была больше.

Сандро Боттичелли (итал. Sandro Botticelli)

Мистическое Рождество». 1500

"Мистическое Рождество" показывает ангелов и людей, празднующих рождение Иисуса Христа. Дева Мария преклоняет колени перед своим маленьким сыном, приглядывая за волом и ослом в яслях. Муж Марии, Иосиф, спит неподалеку. Пастухи и мудрецы пришли навестить новорожденного царя. Ангелы на небесах танцуют и поют гимны похвалы. На земле они провозглашают мир, радостно обнимая добродетельных людей, пока семь демонов бегут побежденными в подземный мир. Картину Боттичелли долго называли "Мистическим Рождеством" из-за её загадочной символики. Она сочетает в себе рождение Христа, как сказано в Новом Завете, с видением Его Второго пришествия, как обещано в Книге Откровения. Второе пришествие – возвращение Христа на землю – знаменует конец света и примирение набожных христиан с Богом. Картина была написана через полтора тысячелетия после рождения Христа, когда религиозные и политические потрясения вызвали пророческие предупреждения о конце света. "Мистическое Рождество", вероятно, было написано как частное религиозное произведение для флорентийского покровителя.

Сандро Боттичелли (итал. Sandro Botticelli)

Святой Франциск Ассизский с ангелами. 1475-1480

Святой Франциск Ассизский (около 1181 - 1226), основатель францисканского ордена, изображён созерцающим распятие. Его размышления о страданиях Христа на кресте были настолько сильны, что раны Христа, известные как стигматы, были чудесным образом перенесены на его тело во время одного из его видений. Стигматы можно увидеть на боку, руках и ногах. Слова из гимна святому Франциску и дата 1492 год были когда-то написаны вдоль нижнего края. Простой, благочестивый стиль живописи с силуэтом на золотом фоне подражает гораздо более ранним изображениям. Картина является интересным свидетельством францисканского заказа мастерской Боттичелли, несмотря на доминиканские симпатии мастера.

Сандро Боттичелли (итал. Sandro Botticelli)

Венера и Марс. 1485

Марс, Бог Войны, был одним из возлюбленных Венеры, Богини Любви. Здесь Марс спит и безоружен, а Венера проснулась и бодрствует. Смысл картины в том, что любовь побеждает войну, или любовь побеждает всё. Эта работа, вероятно, была предметом интерьера спальни. Осы (по-итальянски "vespe") в правом верхнем углу предполагают связь с семьей Веспуччи (Vespucci), хотя они могут быть не более чем символом укусов любви. Утерянная классическая картина о браке Александра и Роксаны была описана греческим писателем II века Люцианом. На ней были изображены купидоны, играющие с копьем и доспехами Александра. Сатиры Боттичелли могут ссылаться на этот эписод. Марс спит "маленькой смертью", которая наступает после занятий любовью, и даже труба возле уха не разбудит его. Маленькие сатиры украли его копье – шутка, показывающая, что он теперь разоружен.

Флорентийский последователь Сандро Боттичелли

Аллегория. 1500.

Эту работу ранее приписывали Якопо дель Селлайо (итал. Jacopo del Sellaio). Темой может быть аллегория плодовитости. В конечном счёте, стиль написания картины напоминает Венеру и Марса Боттичелли и, возможно, когда-то выполняло аналогичную функцию как часть внутреннего убранства патрицианской спальни, возможно, установленной рядом с кроватью или над ней.

 Сандро Боттичелли (итал. Sandro Botticelli)

Поклонение волхвов. 1470-1475

Возможно, это "тондо" упомянуто Вазари в 1568 году в доме семьи Пуччи (итал. Pucci). Форма тондо, вероятно, возникла из "desco da parto", расписного подноса, подаренного матери после родов. Цель тондо – создать целостную композицию на круглом пространстве. История Трех Королей (или Волхвов) имела большую привлекательность во Флоренции XV века и братство волхвов было приписано к церкви Святого Марка. Семья Пуччи, которая заказала эту картину, была сторонниками правящего Медичи и, вероятно, выбрала тему Поклонения из-за её связи с ними. У Козимо Медичи была своя собственная келья в Сан-Марко, украшенная фреской Поклонения, а в часовне дворца Медичи портреты семьи и их союзников размещены в свите королей.

 Похищение Елены

Мастер Суда Париса. 1440-1450

Парис уносит Елену, жену спартанского царя Менелая, в то время как её нарядно одетые спутницы стоят рядом. Еленой также может быть женщина, разговаривающая с подругой слева. Сцена написана на "desco da parto" или родильном подносе. "Deschi da parto" были символическими расписными подносами, которые дарили женщинам либо после, либо в преддверии родов. Их часто  рисовали на обратной стороне с эмблемами семьи. На нижнем подносе изображена та же сцена "Похищение Елены", напмсанная, вероятно, Заноби Строцци (итал. Zanobi Strozzi) около 1450-1455, Эта панель была, возможно, частью украшения свадебного сундука. Елена, увлекается Парисом вместе с другими женщинами из Храма Аполлона и Артемиды в Ситере, в ожидании посадки на корабль. Именно это действие ускорило Троянскую войну.

Маттео ди Джованни (итал. Matteo di Giovanni)

Святой Себастьян. 1480-1495

Два ангела держат венец мученичества над головой святого. Изображения Себастьяна были популярны, потому что он был защитником от чумы. Эта картина, возможно, была частью алтаря, или обетной картины, или сделанной для личного молебна.

Рафаэль (Raffaello Santi)

Распятие с Девой Марией, святыми и ангелами (или Распятие Монд). 1502-1503,

Одна из самых ранних работ Рафаэля, находившегося под сильным влиянием Перуджино, служила боковым алтарем капеллы в Сан-Доменико в Читта-ди-Кастелло, каменное основание которой датируется 1503. Как обычно, по обе стороны от креста стоят Богородица и Иоанн Богослов. Святые Иероним и Мария Магдалина тоже преклоняют перед ним колени. Ангелы собирают кровь Христа в чашах, которые используются для вина при литургии. Пределла была заполнена эпизодами из жизни святого Иеронима, которому был посвящен алтарь.

 Рафаэль (Raffaello Santi)

Святая Екатерина Александрийская. 1507

Святая Екатерина стоит, опираясь на колесо, на котором она была приговорена к мученической смерти, но которое чудом сломалось. Эта картина, вероятно, датируется незадолго до того, как Рафаэль покинул Флоренцию и отправился в Рим. Витая поза святой, повернувшейся в восторге к небесному свету, отражают глубокое изучение Рафаэлем извилистой грации картин Перуджино и динамичных композиций Леонардо.

Рафаэль (Raffaello Santi)

Аллегория "Сон Рыцаря". 1504.

Эта ранняя работа Рафаэля была сделана в 1504 году. Спящий рыцарь символизирует римского героя Сципиона Африканского (236 - 184 до н.э.), которому явились во сне две дамы – Добродетель (за которой лежит крутой и каменистый путь) и её соперница Наслаждение (в просторном женском платье). Рафаэль не противопоставляет Добродетель и Наслаждение, а показывает их равными. Возможно, книга, меч и цветок, которые они держат, – это символы учёного, солдата и любовника, чьи качества должен сочетать в себе идеальный рыцарь.

Рафаэль (Raffaello Santi)

Шествие на Голгофу. 1504-5150

Христос несёт крест на пути к Голгофе. За ним следует Симон из Кирены, который тоже помогает нести крест. Пресвятая Богородица в обмороке поддерживается тремя другими Мариями. Святой Иоанн Богослов, рядом с ней, сжимает свои руки. Картина сформировала центральную панель пределлы под алтарем Девы Марии со Святыми, известным сегодня как "Алтарь дома Колонны". Он был создан для церкви Санта-Антонио, Перуджа, примерно в 1504-1505 гг.  Центральная панель, увенчанная люнетом, а также часть пределлы находятся теперь в Нью-Йорке (Музей искусств Метрополитен). Другие части пределлы хронятся в Бостоне (Музей Изабеллы Стюарт Гарднер) и Лондоне (Картинная галерея Далвич).

Рафаэль (Raffaello Santi)

Мадонна Альдобрандини (Мадонна лорда Гарвага). 1509-1510

Эскизы к этой картине существуют в так называемой "Розовой" книге рисунков Рафаэля, которая содержит эскизы для нескольких других мадонн, включая "Мадонну Макинтоша". Это говорит о том, что он работал над ними примерно в один и тот же период, вероятно, в первые годы Рафаэля в Риме. В этой работе художник изображает момент, когда Младенец Христос берет гвоздику из рук Иоанна Крестителя. Пространство между их руками является центром тщательной геометрии композиции.

Рафаэль (Raffaello Santi)

Мадонна с гвоздиками. 1509-1510

Эта маленькая ,благочестивая картина была написана для христианского созерцания; его первоначальный владелец мог держать её в руках. На картине изображены Мадонна с Младенцем, сидящая в спальне (занавеска за спиной Богородицы), а через окно виден солнечный пейзаж. Они дарят друг другу цветы –  гвоздики, которые являются символами брака – изображая Деву Марию не только как Мать, но и Невесту Христа. Рафаэль превращает этот знакомый сюжет в нечто совершенно новое. Мать и сын больше не выглядят жестко и формально, как на картинах более ранних художников, теперь они выражают все нежные эмоции, которые можно ожидать между молодой матерью и её ребенком. Эта картина основана на известной композиции Леонардо да Винчи ("Мадонна Бенуа" в Эрмитаже, Санкт-Петербург). Рафаэль написал панель незадолго до отъезда из Флоренции в Рим. 

Рафаэль (Raffaello Santi)

Мадонна Ансидеи. 1505

На этом алтаре изображена Богородица на высоком троне, слева – Иоанн Креститель, а справа – святой Николай Барийский. Он датируется 1505 г. на основании надписи на мантии Богородицы. Картина известна как "Мадонна Ансидеи", потому что была заказана Никколо Ансиди для его семейной часовни, посвященной святому Николаю, в церкви Сан-Фиоренцо, Перуджа. Часть пределлы, нижней части алтаря, показывающая "Проповедь Иоанна Крестителя", также находится в Коллекции. Внутренняя архитектура картины не совсем логична. У трона нет подлокотников, а ступени слишком крутые, чтобы ими можно было пользоваться. Однако, они  дают ощущение смиренного подхода к трону. Перуанский покровитель, вероятно, хотел чего-то особенного в традициях известного художника города Перуджино. Обратившись к Рафаэлю, находящегося под влиянием Перуджино, заказчик получил это и многое другое. Рафаэль посетил Флоренцию в 1504 году. Влияние скульптуры Донателло заметно на фигуре святого Николая. Рафаэль также изучил скульптурный подход таких художников, как Масаччо.

.Рафаэль (Raffaello Santi)

Проповедь святого Иоанна Крестителя. 1505

Эта картина является одной из двух панелей, которые формировали пределлу для алтаря Рафаэля "Мадонна Ансидеи" (датируется 1505 г.) в церкви С. Фиоренцо, Перуджа. Она была помещена под изображением святого Иоанна в главном алтаре, который изображен здесь в том же одеянии. Ниже Богородицы и Младенца было изображение ее помолвки, а под Святым Николаем – одно из его чудес: эти панели, вероятно, не сохранились.

Пьетро Перуджино (итал. Pietro Perugino)

Богоматерь с Ьладенцем и ангелом. 1496-1500; Архангел Михаил. 1496-1500; Архангел Рафаил с Тобиасом. 1496-1500

Эти три панели представляют собой фрагменты алтаря, написанного для боковой часовни монастыря (черкезы) в Павии. Лишь небольшая часть сатаны видна под ногами Архангела Михаила, который, как капитан небесных воинств, сверг его. На другой боковой панели была вырезана собака, сопровождавшая Тобиаса и Архангела Рафаэля в их путешествии.

 Бернардино Фунгаи (итал. Bernardino Fungai)

Богоматерь с Младенцем и херувимами. 1495-1510

На левом фоне можно видеть Рождество со святым Иосифом и Благовещение с пастухами. На правоом фоне показана кавалькада трёх королей и их последователей. Один и тот же дизайн с вариациями Богоматери и Младенца несколько раз использовался Перуджино.

Леонардо да Винчи (итал. Leonardo da Vinci)

Богоматерь с Младенцем, со святой Анной и святым Иоанном Крестителем

Картина "Богоматерь с Младенцем, святой Анной и младенцем святым Иоанном Крестителем" ("Картон из Берлингтонского дома"), также известная как "Картон Леонардо", представляет собой полноразмерный эскиз  к картине. Однако он никогда не использовался для переноса дизайна на панель. Контуры не помечены и не прорезаны, и картон, должно быть, был сохранён как законченный сам по себе рисунок, хотя некоторые области намеренно оставлены неоконченными или в грубых очертаниях. Поводом для рисунка, вероятно, был заказ на картину, сделанный Леонардо королём Франции Людовиком XII. Леонардо начал работу над этой картиной примерно в 1508. Она не была закончена после его смерти и сейчас находится в Лувре, Париж.

 Леонардо да Винчи (итал. Leonardo da Vinci)

Мадонна в скалах. 1491/1492 и 1506-1508

 Сложный скульптурный алтарь был заказан Миланским братством Непорочного Зачатия для их ораторского искусства в Сан-Франческо в 1480 году. В 1483 году был заключен новый контракт между Леонардо и братьями де Предис: центральная панель должна была быть написана одним Леонардо, и там должно было быть две боковые панели, на которых изображены ангелы, поющие и играющие на музыкальных инструментах. Две картины ангелов ("Ангел в зеленом с венкой" и "Ангел в красном с лютней"), написанные художниками под влиянием Леонардо, несомненно, относятся к алтарной части. "Мадонна в скалах" не относится к тайне Непорочного Зачатия, но описывает сюжет, который Леонардо мог бы нарисовать в своей родной Флоренции, где были популярны легенды о молодом святом Иоанне Крестителе. Исполнение заказа было затяжным. Последние штрихи к нему Леонардо, возможно, сделал только в 1508. Законченная работа была тогда отправлена ​​во Францию, (теперь Париж, Лувр). Леонардо написал замену Сан-Франческо, которая, вероятно, была завершена при некоторой помощи его студии в 1508 году и которая сейчас находится в коллекции Национальной галереи.

 

 Барельеф Леонардо да Винчи над парадной лестницей

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Выставочный зал

 Паоло Веронезе (итал. Paolo Veronese)

Семья Дария перед Александром. 1565-1567

Сюжет показывает ошибку, допущенную семьей побежденного персидского императора Дария,  когда после битвы при Иссе Александр со своим другом Гефестионом посетили палатку Дария, мать которого, введённая в заблуждение великолепием и осанкой Гефестиона, прмняла его за победоносного монарха; Александр простил её. Интерпретация Веронезе тонка и благородна. По всей поверхности полотна он изображает великолепно одетые по современной моде фигуры за исключением Александра, который одет в красное и носит классические доспехи. Повторяя современные здания в Вероне, архитектурный фон вылеплен как театральный набор, в то время как низкий горизонт напоминает наблюдение за театральной пьесой в первом ряду. Веронезе изображает момент, когда Александр выходит вперед, воспроизводя замешательство семьи Дария в зрителе. Александр великодушным жестом указывает на Гефастейона, который показывает на себя, явно озадаченный ошибкой семьи Дария. 

 Паоло Веронезе (bnfk. Paolo Veronese)

Обращение Марии Магдалины. 1548

Эта ранняя работа выполнена для благородного заказчика в Вероне. Было много споров по этому полотну, но сейчас принято считать, что картина изображает обращение Марии Магдалины. Заботясь о духовном здоровье своей сестры, Марта приводит Марию в Храм, чтобы услышать проповедь Иисуса. Веронезе показывает, что Мария краснеет от стыда и опускается на колени, когда слышит слова Христа. Её модное платье с глубоким вырезом, неподходящее для посещения Храма, символизирует прежнюю греховную жизнь, сосредоточенную на тщеславии и удовольствии. Обращенная этой встречей, Мария изменяет свою жизнь к благочестию. Украшения, сползающие с её шеи, предвещают последующий отказ от мирских благ. Сцена отсутствует в Библии и "Золотой легенде", но повествуется в книге Пьетро Аретино "Уманитя ди Кристо" (1535). Эта модернизированная версия Евангелий была широко распространена в Северной Италии и, вероятно, является литературным источником для живописи.

Паоло Веронезе (bnfk. Paolo Veronese)

Поклонение Царей. 1573

Три Царя нашли Младенца Иисуса в хлеву, где он родился. Они принесли дары (золото, ладан и мирра) и прибыли с Востока (Матфея 2: 10-12). Хлев в Вифлееме соединён триумфальной аркой с руинами большого классического здания на заднем плане. На переднем плане цари и их сопровождающие представлены во всём великолепии. Ангелы являются в небе вдоль луча света рядом с аркой. Доминирующей диагонали, созданной этим лучом небесного света, противостоит диагональ, образованная поклоняющимися фигурами, с Богородицей и Младенцем, расположенными там, где они пересекаются. Картина датирована 1573 римскими цифрами   (справа внизу). Она была написана для церкви Сан Сильвестро в Венеции, где оставалась до тех пор, пока церковь не была переделана в XIX веке. Это был не алтарь, а большая картина на стене нефа у алтаря братства, посвященного святому Иосифу.

  Паоло Веронезе (итал. Paolo Veronese)

Сон Святой Елены. 1570

Видение Истинного Креста Святой Елене представлено двумя ангелами с изображением креста в то время, когда она спит. Полученная из более гармонично составленного дизайна Рафаэля, картина Веронезе расходится со своим источником в её драматической изложении и необычной, сложной группировке ангелов и креста наверху. Её формат и искажённость композиции указывают на то, что картина, возможно, была написана как украшение для ставень органа, наряду с утерянным ныне кулоном. Говорят, что святая Елена, мать императора Константина, получила божественное наставление в своём стремлении обнаружить место, где был похоронен Истинный Крест, на котором был распят Христос. Авторство Веронезе иногда подвергалось сомнению, но в настоящее время является общепризнанным.

 Паоло Веронезе (итал. Paolo Veronese)

Посвящение в сан святителя Николая. 1562

Накануне избрания архиепископа Миры в Ликии (Малая Азия) в IV веке нашей эры одному из епископов стало известно, что молодой человек по имени Николай был избран Богом. Когда на следующий день святитель Николай предстал перед собором, он был избран и сразу же назначен архиепископом. История рассказана в "Золотой легенде". Веронезе показывает момент признания Николая – или последующего освящения – с ангелом над головой, приносящим епископу украденный у его посох и митру. Святой смиренно подчиняется. Эта работа была написана для алтаря Святого Николая в Сан Бенедетто По, недалеко от Мантуи, где она была установлена, вероятно, в 1562 году.

 Мастерская Тициана (Workshop of Titia)

Венера и Адонис. 1554

Богиня Венера почувствовала отчаянную страсть к прекрасному Адонису и умоляет его остаться и любить её, а не отправляться на охоту. Позже Адонис был случайно убит на охоте, а его кровь превратилась в цветы анемоны. Купидон находится на заднем плане. Эта картина является хорошей копией мастерской Тициана, выполненной для Филиппа II в Испании в 1554 году (Мадрид, Прадо).

 Парис Бордоне (итал. Paris Bordone)

Пара влюбленных. 1555-1560

Картина была названа "Дафнис и Хлоя", возможно но потому, что человеческий опыт наводят на мысль о проблемах, которые были у этой пары влюбленных, как это связано с греческим пастырским романом Лонгуса в III веке нашей эры. Однако, возможны многие другие сюжеты. Картина написана, вероятно, в Венеции в 1540-х годах.

 Парис Бордоне (итал. Paris Bordone)

Христос как "Свет Мира". 1550

Надпись взята из слов Христа в Новом Завете (Иоанна 8: 1), начинающихся "Я – Свет Мира". Они продолжаются: "Тот, кто следует за мной, не будет ходить во тьме, но будет иметь свет жизни".

Якопо Бассано (итал. Jacopo Bassano)

Очищение Храма. 1580

Эта поздняя работа известна в нескольких других версиях. История взята из Нового Завета (Матфея 21: 12-13), когда Иисус "изгнал всех продавших и купивших ... сверг столы меновщиков и места тех, кто продавал голубей" в Храм в Иерусалиме, призывающий божественную власть для этого. Вдалеке видны возмущенные первосвященники и книжники, а также слепые и хромые, которых исцелил Христос.

Якопо Бассано (итал. Jacopo Bassano)

Путь на Голгофу. 1544-1545

Христос несет свой крест на Голгофу, которую можно увидеть в ландшафте в левом верхнем углу. Он упал на землю, и святая Вероника, стоящая на коленях справа, протягивает ему свой платок. Согласно легенде, Вероника, которая не упоминается в Библии, вытерла лицо Христа своим платком (sudarium) и на нём были чудесным образом остались запечатлёнными черты его лица. Имя Вероника означает истинное сходство ("вера икон"). За ней – Дева и Святой Иоанн. Композиция, как и некоторые другие работы Бассано, была вдохновлена гравюрой Рафаэля на эту тему (Прадо, Мадрид).

Якопо Тинторетто (итал. Jacopo Tintoretto)

 Христос омывает ноги ученикам. 1575-1580,

Картина написана, вероятно, в 1560-х годах, для часовни причастия в венецианской церкви Сан-Тровасо (SS. Gervasio e Protasio) вместе с 'Тайной вечери'. Перед Тайной Вечерей Христос омыл ноги своих учеников, используя таз с водой и вытирая их "полотенцем, которым он был опоясан". Пётр протестовал, но Христос заметил: "Если я не умываю тебя, ты не имеешь части со мной". Затем Пётр сказал: "Господи, не только ноги мои, но и руки мои и голова моя" (Иоанна 13: 1–9). Части картины, особенно фигура с факелом на переднем плане слева, сильно изношены.

 Тициан (итал. Titian)

Семья Вендрамин. 1540-1545

Спорная личность натурщика в этом, самом большом групповом портрете Тициана, оспаривается, но человек в центре, скорее всего, Андреа Вендрамин (1481–1547), в то время как справа от него – его брат Габриэль Вендрамин (1484–1552), известный коллекционер произведений искусства. Мальчики – семь сыновей первого. Реликварий Истинного Креста на алтаре всё ещё существует в Скуола (братстве) Иоанна Евангелиста в Венеции. Он был представлен ранее Андреа Вендрамину, Хранителю Скуолы, от имени этого братства в 1369 году. Однажды он, как говорят, спас его из канала. Картина, безусловно, была сделана для особого места в семейном венецианском дворце. Однако во время работы над полотном он был убран слева, вероятно, потому, что заказчик изменил предполагаемое местоположение. Это объясняет немного неловкое размещение трёх мальчиков в дальнем левом углу, которые, несомненно, были нарисованы в мастерской художника. Двое крайних правых мальчиков, вероятно, также были нарисованы помощником: они заметно более сухие, чем свободно и ярко окрашенный мальчик, держащий щенка. Части поверхности краски со временем стали прозрачными, открывая невооруженным глазом энергичный подготовительный рисунок Тициана Габриэле.

 Джованни Джироламо Савольдо итал. Giovanni Girolamo Savoldo)

Святой Иероним 1525-1530

Святой Иероним (около 342 - 420) был переводчиком Библии с древнегреческого языка на латинский и главным вдохновителем кающихся христиан и отшельников. Его изображают в пустыне, бьющего себя в грудь в покаянной молитве перед распятием. Церковь на заднем плане может представлять собор Санти-Джованни э Паоло в Венеции, возле которого, как известно, художник жил в 1532 году.

 Джованни Джироламо Савольдо итал. Giovanni Girolamo Savoldo)

Мария Магдалина. 1535-1540

В воскресенье утром после Распятия Мария Магдалина посетила гробницу Иисуса, но обнаружила, что она пуста. Эта история рассказана в Новом Завете (Иоанн 20), и Мария Магдалина опознаётся здесь с горшком мази, которым она помазывала тело Христа, и беглым взглядом на её традиционно красное платье под серебристо-серым плащом. Она была первой, кто увидел Христа после Воскресения. Известно несколько других версий этой композиции Савольдо. Пейзажный фон, вероятно, представляет Венецию и её лагуну.

Выставочный зал

На переднем плане, в центре, картина Себастьяно дель Пьомбо (итал. Sebastiano del Piombo) "Воскрешение Лазаря". 1517-1519. Сюжет этой картины взят из Нового Завета (Иоанн: 11). По просьбе сестёр Марты и Марии Иисус посещает могилу их брата Лазаря и воскрешает его из мертвых. Работа была выполнена для кардинала Джулио де Медичи в Риме, в состязании с  картиной Рафаэля "Преображением", которая сейчас находится в галерее Ватикана. Впоследствии онаа была доставлена в собор Нарбонны. Некоторые из основных фигур основаны на рисунках, которые Микеланджело предоставил для руководства Себастьяно.

 Рафаэль (Raffaello Santi)

Портрет папы Юлия II. 1511

Юлий II принадлежал к семье делла Ровере. Он был сильным правителем, который подтвердил свою власть над папскими государствами военными действиями. Он покровительствовал искусству и приказал восстановить собор Святого Петра в Риме. Художник и биограф Джорджио Вазари (1511–1574) писал о ранних годах Рафаэля в Риме: "И в это время ... он также сделал портрет папы Юлия на картине, написанной маслом, настолько правдоподобной и такой реалистичной, что заставил всех, кто видел этот портрет, дрожать, как будто это был сам живой человек. Картина выставлялась в римской церкви Санта-Мария-дель-Пополо, которая была отремонтирована за счет семьи делла Ровере. Портрет Юлия II был приобретён из коллекции Ангерштейна.

 Себастьяно дель Пьомбо (итал. Sebastiano del Piombo)

Мадонна с Младенцем в окружении святых и заказчика. 1517

В то время как Святой Иосиф справа спит, святой Иоанн Креститель, изображённый слева, обращается к Богородице. Необычном жестом Дева прикрывает заказчика полотна правой рукой. Им может быть Пьерфранческо Боргерини, богатый торговец и друг Себастьяно дель Пьомбо и Микеланджело. Картина показывает влияние Микеланджело в его скульптурных формах и расцветках и, возможно, основана на дизайне этого художника.

 Андреа дель Сарто (итал. Andrea del Sarto)

Мадонна с Младенцем, святая Елизавета и святой Иоанн Креститель. 1513

Эта картина представляет собой вариант другой композиции в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, которая повторяет показанную здесь группу, но включает в себя фигуру Святой Екатерины. Копия петербургской картины находится в Королевской коллекции, Виндзор.

 Микеланджело (итал. Michelangelo)

Манчестерская Мадонна. 1497

Эта картина незакончена. Видно, что Христос смотрит и показывает на книгу Борородицы, которую рассматривает двра ангелов. Другие рассматривают свиток, который им, возможно, дал Иоанн Креститель. Книга и свиток могут нести пророчества о будущей жертве Христа. Драпировки и скальный постамент очень похожи на самые ранние скульптуры Микеланджело.

Микеланджело (итал. Michelangelo)

Положение во гроб (или Христа несут к его гробнице). 1500-1501

На этой незаконченной картине изображено тело Христа, которое несут к его могиле. Есть некоторые разногласия по поводу идентичности различных представленных фигур. Святой Иоанн Богослов обычно изображается красным с длинными волосами и может быть фигурой слева, несущей Христа. Другие, вероятно, Никодим и Иосиф Аримафейский, который отдал свою гробницу для Иисуса. Стоящая на коленях фигура слева, вероятно, Мария Магдалина, а женщина справа – Святая Женщина (Мэрия Саломея). Богородица готовится в нижнем правом углу контура. Картина была получена из коллекции в Риме и, как полагают, связана с платежами, сделанными Микеланджело между 1501 и 1502 годами для алтаря Сант-Агостино в Риме, который он не смог доставить. Это объяснило бы её незаконченное состояние. "Положение во гроб" принято считать работой Микеланджело, так как трактовка фигур тесно связана с другими его работами этого периода. Стоящая на коленях фигура слева с поднятой рукой о чём-то размышляет. Рисунок Микеланджело в Лувре (Париж), несомненно, является подготовительным эскизом для этой фигуры и показывает её с терновым венцом и гвоздями, с которыми был распят Христос.

Корреджо (итал. Correggio).

Христос представлен народу (Ecce Homo). XVI в.

Это старая копия оригинального "Ecce Homo" Корреджо, также хранящаяся в Коллекции. "Ecce Homo" (вот человек) были словами Пилата, обращёнными к людям, когда он представлял им Христа перед распятием (Иоанн 19: 2-5).

Корреджо (итал. Correggio).

Мадонна с корзиной. 1524

Сюжет необычный: Богородица одевает Младенца Христа. Куртка, в которую он вложил одну руку, сделана Матерью; шерсть того же цвета лежит в корзине рядом с ней. Святой Иосиф занят своими столярными работами на заднем плане. Возможно, протягивание рук Христа предвещать Его Распятие. Эта картина датирована примерно 1524 годом в силу стилистических сравнений с "Пьетой" (Parma, Galleria Nazionale). Известно количество копий. Эта картина всегда принималась за оригинал дизайна и находится в превосходном состоянии.

Корреджо (итал. Correggio).

Венера с Меркурием и Амуром ("Школа любви"). 1525

Этот классический сюжет обычно является редко изображаемым на картинах. Корреджо обращается с ним с характерным натурализмом и нежностью. Сцена происходит на лесной поляне, где Меркурий справа выступает в роли школьного учителя для молодого Купидона в сопровождении его матери Венеры. Меркурий нежно смотрит вниз в сторону Купидона, в то время как Венера, необычно показанная с крыльями, смотрит прямо вперед, в пристойной позе, свободно основанной на классической Венере Пудика. Корреджо воспользовался примером Леонардо в мягкости его моделирования, но развил собственную уверенность и свободу в обращении с масляной краской, показанную в его ощущении живой плоти, возникающей из темноты пейзажа. Картина, вероятно, была написана для правителя Мантуи, где она впервые была отмечена в 1627 году вместе с "Антиопой" (сейчас в Лувре, Париж). Обнаженная фигура в "Антиопе" показана в более распутной позе.

Франческо Убертини по прозвищу Баккьякка (итал. Bacchiacca)

Верхняя панель "Иосиф принимает своих братьев" является одной из серии панно, которые украшали спальню дворца Боргерини во Флоренции. Вместе они рассказывают о жизни Иосифа из Ветхого Завета. На этой панели изображен Иосиф, которого посетили его братья (Бытие 43). Слева братья Иосифа несут подарки от своего отца Иакова; в центре, они дарят дары Иосифу; Справа – братья уходят. Они до сих пор не осознают, что Иосиф – их потерянный младший брат. Левая панель в нижнем ряду "Братья Иосифа просят о помощи. 1515" тоже украшала спальню Пьерфранческо Боргерини (во дворце Боргерини, Флоренция) и была заказана, чтобы отпраздновать его брак в 1515 году. Эта сцена взята из Ветхого Завета (Бытие 42: 1-8) и показывает братьев Иосифа, которые продали его в рабство, и просят его о помощи во время голода. Надписи ссылаются на титул Христа "Salvator Mundi" (Спаситель мира). Часто проводилась параллель между жизнями Иосифа и Христа. Апавая панель в нижнем ряду "Иосиф прощает своих братьев" также украшала спальню дворца Боргерини во Флоренции. Здесь Иосиф прощает своих братьев за то, что они продал его в рабство. Слева братья приходят к Иосифу, а младший Вениамин – узник. Да, они просят о милости Иосифа и он прощает их (Бытие 43).

Понтормо (итал. Pontormo)

Иосиф продан Потифару. 1515

Эта картина также являлась частью украшения спальни Пьерфранческо Боргерини (во дворце Боргерини во Флоренции) и была заказана для празднования его брака в 1515 году. История взята из Ветхого Завета (Бытие 39: 1). Эта сцена показывает, что Иосиф (центральный мальчик в желтом цвете) стоит перед своим новым господином Потифаром, которому он только что был продан измаильтянами, и видит, как он торгуется за  оплату. Непосредственно над Потифаром находится статуя Милосердия, возможно, подчеркивающая моральный смысл истории.

 Понтормо (итал. Pontormo)

Иосиф с Иаковом в Египте. 1518

Это ещё одна панель, украшавшая спальню Пьера Франческо Боргерини по случаю его брака в 1515 году. Она была последней и самой изысканной в серии, написанной для комнаты несколькими флорентийскими художниками. В этой картине (которая, возможно, не была предусмотрена в первоначальном заказе) гениально сконцентрированы заключительные эпизоды истории Иосифа и Иакова. Здесь объединены четыре отдельных эпизода. Они показывают, как Иосиф представляет своего отца Иакова фараону Египта; Иосиф на тележке слушает петицию; Иосиф с одним из своих сыновей (возможно, Ефраимом, старшим) поднимается по лестнице, чтобы навестить умирающего Иакова; и умирающий Иаков, благословляющий сыновей Иосифа.

Окружение Понтормо (итал. Pontormo)

Обсуждение. 1520

Эта сцена была когда-то названа как Ирод и Три Волхва (Новый Завет, Матфея 2: 7), но ни одна из фигур не показана с атрибутами короля, короной или скипетром. Наиболее вероятно, что показана дискуссия святых или пророков, которая была популярным мотивом во флорентийском искусстве в начале XVI века. Картина с яркими красками, обширной драпировкой и динамичными позами типична для стиля художника флорентийского маньериста Понтормо. Другая версия этой картины существует в музей Маньен в Дижоне. Эта картина первоначально была написана на деревянной панели, а потом перенесена на холст.

 Джироламо Мачиетти (итал. Girolamo Macchietti)

На панели изображена история святого Николая (Николая из Миры) IV века. Под покровом тьмы святитель Николай бросает три золотых шара в окно дома обедневшего дворянина. (Золотые шары часто использовались художниками для представления кошельков с золотом, упомянутых в легенде святого.). Согласно легенде, дворянин столкнулся с перспективой продажи своих девушек в проституцию. Благотворительный акт святого спас их от этой судьбы, предоставив приданое трём дочерям, которые были должным образом женаты. История постепенно переросла в рождественскую традицию Деда Мороза. Форма и прочная структура панели позволяют предположить, что картина могла быть "спаллиерой", декоративной картиной, встроенной в мебель или  в обшитые панелями стены комнатры, которая выполняла функции спальни и приемной. Сюжет хорошо подходит для этой цели, так как картина изображает спальню (лучше обставленную, чем могут предположить стеснённые обстоятельства дворянина), и затрагивает тему сна в изобретательном разнообразии поз.

 Джованни Баттиста Нальдини (итал. Giovanni Battista Naldini)

Оплакивание мертвого Христа. 1572

Эта композиция относится к алтарю в церкви Санта-Мария-Новелла, Флоренция, выполненной Нальдини в 1572 году. Она может быть творческим вариантом, сделанным для частного заказчика, а не просто копией. Сначала Нальдини обучался у Понтормо, но позже писал под влиянием таких художников, как Андреа дель Сарто и Джорджо Вазари.

 Джорджоне (итал. Giorgione)

Поклонение королей. 1506-1507

Возможно, панель была написана как часть пределлы на алтарь, хотя пределлы уже были редкостью при жизни Джорджоне в венецианском искусстве. Три короля (волхвы) все на коленях. Самый видный уже подарил свой дар, которым владеет святой Иосиф.

Джорджоне (итал. Giorgione)

Закат. 1506-1510

Предполагается, что фигуры на переднем плане, показанные на этой картине, изображают Сен-Роша и сопровождающего его Готарда, который лечил язву на бедре Сен-Роша. Если это так, картина, возможно, была написана, чтобы ознаменовать облегчение от чумы, против которой Сен-Рош был призван в Венецию в 1504 году. В крайнем правом углу Святой Антоний всматривается в свою пещеру. В правой средней части изображен святой Георгий на вздыбленной лошади, нападающей на дракона. Эта часть картины, однако, почти полностью принадлежит реставратору середины 20-го века.

Тициан (итал. Titian)

Богородица, кормящая Младенца Христа. 1565-1575

Стиль Тициана в последние годы его жизни превратился в необычайную свободу, личную манеру, основанную на жизни, экспериментирующей с цветом и возможностями, присущими масляным краскам. Эта очень поздняя Мадонна с Младенцем была написана, когда Тициан также работал над своими поэтическими мифологическими рассказами для Филиппа II в Испании, такими как "Смерть Актеона" (также в Национальной галерее).

 Тициан (итал. Titian)

Смерть Актеона. 1559-1575

Сюжмет этой картины приблизительно следует рассказу Овидия в "Метаморфозах". В отместку за то, что он удивил Диану, когда она купалась голой в лесу, богиня превратила Актеона в оленя, а его собственные гончие собаки напали и убили его. Вероятно, это картина, на которую Тициан ссылался в письме от июня 1559 года на испанского короля Филиппа II, в котором говорит, что надеется закончить две уже начатые картины, одна из которых описывается как "Актеон,затравленный своими собаками". На самом деле, большая часть работ может быть датирована серединой 1560-х годов.

  Тициан (итал. Titian)

Портрет дамы ('La Schiavona'). 1510-1512

Картина, известная в 17 веке как "La Schiavona" (далматинская женщина), датируется 1510-12 гг. Инициалы Т. В. на парапете, вероятно, обозначают Тициано Вечеллио. Поднятая часть парапета является доработкой, а первоначально нарисованная там драпировка теперь просвечивает сквозь него. Рельеф профиля, навеянный теми, что на античных камеях, очень похож на этого же человека.

Тициан (итал. Titian)

Портрет Джироламо Фракасторо. 1528

Фракасторо родился в Вероне, был знаменитым врачом, а также астрономом, математиком и поэтом. Он приобрел большую известность благодаря тому, что был первым, кто выявил сифилис. Картина с его пятнистой рысьей шубы запоминается особенно хорошо.

Тициан (итал. Titian)

Портрет Джероламо Барбариго. 1510

Этот портрет был красноречиво описан Джорджо Вазари в его биографии Тициана 1568 года. Он опознал этого человека как члена аристократической венецианской семьи Барбариго. Наиболее вероятным кандидатом является Джероламо, которому в 1509 году было 30 лет. Он имел многочисленные политические и литературные контакты и помог молодому Тициану на его пути к успеху. Картина послужила моделью для Автопортрета Рембрандта в возрасте 34 лет.

 Тициан (итал. Titian)

Дань деньгами. 1560-8 (возможно, начало 1540-х годах)

Сюжет этой картины взят из Нового Завета. Фарисеи спрашивают Христа, справедливо ли платить налог римлянам. Христос, чувствуя подвох, спрашивает, чей образ и имя на вычеканены на монете: "Они говорят ему, Цезаря. Затем он говорит им: "Итак, дайте Цезарю то, что Цезарю принадлежит"; и "Дайте Богу то, что принадлежит Богу, и то, что мое, дайте это мне!"(от Матфея 22; от Марка 12, от Луки 20). Эта картина, вероятно, была написана для короля Филиппа II и отправлена в Испанию в 1568 году.

 Тициан (итал. Titian)

Аллегория Благоразумия. 1550-1565

Три головы намекают на три возраста человека: молодость, зрелость и старость. Надпись состоит из трех частей, связанных с соответствующими головами внизу. Левая голова напоминает самого Тициана в старости; Считается, что бородатый человек в центре его сын Орацио, в то время как юноша может изображать его двоюродного брата и наследника Марко Вечеллио (род. 1545). Трехголовый зверь - волк, лев и собака – символ благоразумия.

  Тициан (итал. Titian)

Портрет молодого человека. 1515-1520

После состоявшейся в Национальной галерее выставки "Ренессанс. Лица: от ван Эйк к Тициану" и демонстрации "Портрета молодого человека", эта работа Тициана возвращается на главный этаж в долгосрочное временное пользование. Этот договор укрепит исключительную коллекцию портретов галереи венецианского мастера. Приглушенный и элегантный портрет представляет собой увлекательное сравнение с портретом Героламо (?) Барбариго из Национальной галереи. На обоих портретах натурщик изображён в три четверти профиля за парапетом. Этот формат может отражать знания Тициана о портретной гравюре Дюрера. Поза позволяет Тициану показать свое мастерство в росписи тканей. Он использует широкие мазки и тонкие вариации тона, чтобы передать плотность и блеск черного шелка рукава. Красная часть рукава выполнена с использованием коротких сухих штрихов, чтобы выразить текстуру покроя бархата. Молодой человек держит в руках перчатку из кожи, которую он снял, чтобы снять большую шляпу. Ногти, которые видны на пустой перчатке, могут быть его собственным отпечатком или составлять часть дизайна перчатки. Лицо натурщика выглядит светящимся на темном фоне ниши. Полоса рельефной скульптуры в классическом стиле слева оживляет мрак интерьера и может намекать на вкусы натурщика. Портрет включает в себя табличку с заглавной буквой «С», которой предшествует другая неразборчивая надпись. Над ним находятся свитки с вином, голова клюва змеи и маска, которая может быть ключом к определению личности натурщика. Тщательное наблюдение Тициана и чуткое изображение демонстрируют, почему его так высоко ценят как портретиста. Он использовал черты натурщика, чтобы передать свою индивидуальность и настроение. Большие, бледные глаза и задумчивый взгляд мужчины предполагают, что он созерцательный. В отличие от них, его четко очерченные брови подчеркивают его лоб, подразумевая интеллект. Его длинная шея передает его благородство, в то время как его твердая челюсть выражает внутреннюю решимость. Хотя личность человека остается загадкой, удивительный натурализм Тициана увековечил не только его внешность, но и его душу.

   Тициан (итал. Titian)

Святое Семейство с Пастырем. 1510

Хотя только один пастух изображён в обожании, сюжетом этой картины является, вероятно, вариант Поклонения пастухов. Слева видны вол и осел, на правом фоне заметно Благовещение пастухам. Эта ранняя работа показывает влияние Джованни Беллини и, вероятно, также Джорджоне.

Тициан (итал. Titian)

Мадонна Альдобрандини. 1532

Кртины Богоматери с Младенцем и юным Иоанном Крестителем были обычным явлением с XV века. Иоанн Креститель узнаваем по его верблюжьей шкуре и тростниковому кресту. Коленопреклоненную женщину часто называют Святой Екатериной, но её изображают без обычного атрибута – колеса, на котором её пытали. Пастухов можно видеть на заднем плане; они – и ангел на небе – напоминают Благовещение пастухам (Новый Завет, Лука 2: 8-17). В XIX веке эта картина была подписана и датирована 1533 годом.

Тициан (итал. Titian)

Бахус и Ариадна. 1520-1523

Бахус, бог вина, появляется со своими сторонниками на полянке справа. Влюбившись в Ариадну, он прыгает к ней со своей колесницы, движимой двумя гепардами. Ариадна была оставлена ​​на греческом острове Наксос у Тесея, корабль которого виден на расстоянии. На рисунке показан её первоначальный страх перед Бахусом, но он поднял её на небеса и превратил в созвездие, представленное звездами над её головой. План для этой серии был разработан, вероятно, учёным-гуманистом на службе Альфонсо д'Эсте. Сюжет Бахуса и Ариадны происходит от классических авторов Овидия и Катулла. Эта картина входит в известную серию Беллини, Тициана и феррарского художника Доссо Досси, заказанную для Camerino d'Alabastro (Алебастровая комната) в Герцогском дворце, Феррара, Альфонсо д'Эсте, герцогом Феррарским, который приблизительно в 1510 попытался включить Микеланджело и Рафаэля в число авторов. Живопись Тициана была фактически заменой с подобным сюжетом той, котоую Герцог заказал Рафаэлю. "Праздник богов" Беллини для этой комнаты датирован 1514 годом, а три работы Тициана были написаны в 1518–25 годах.

Пальма иль Веккьо (итал. Palmo Vecchio)

Белокурая женщина, 1520

Женщина, кажется, раскрывает свои прелести и, когда она делает это, предлагает нам цветы – это, возможно, поэтический намек на богиню Флору (хотя Флора была также распространенным именем для куртизанок). Картина является ранним и примечательным примером типа картины, также созданной Тицианом (около 1506; умер в 1576).

 Пальма иль Веккьо (итал. Palmo Vecchio)

Портрет поэта. 1516

Предполагалось, что на картине изображен поэт, поскольку в руках у него есть книга, а за ним – лавры (которыми короновались поэты). Вероятно, он датируется примерно 1516 годом, когда была опубликована и достигла мгновенной славы поэма "Орландо Фуриозо" и поэтому была предложена в качестве портрета автора Лодовико Ариосто (1474-1533).  "Анжелика, спасенная Руджеро" Энгра, в Коллекции изображает сюжет из работы Ариосто.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Выставочный зал

 Джордж Стаббс (англ. George Stubbs)

Уистлджакет (Whistlejacket). 1762

Беговая лошадь – одна из самых известных британских картин восемнадцатого века, вероятно, самый известный портрет лошади. Также широко признано, чтобы стать шедевром Джорджа Стубба, аравийский каштановый жеребец одержал знаменитую победу в Йорке в 1759 году, но к 1762 году был отстранен от гонок. Он принадлежал второму маркизу Рокингема, который поручил Стаббсу нарисовать юбилейный портрет его призовой лошади в натуральную величину в масштабе, более подходящем для группового портрета или исторической живописи. Стаббс исключает любые упоминания о наезднике, амуниции для верховой езды или местоположении, изображая великолепно вскормленую лошадь на нейтральном фоне бледного золота. Несмотря на предположения о том, что наездик изначально планировался, Уистлджакет изображён без сбруи. Свободная от человеческого контроля лошадь является воплощением безудержной природной энергии, свободного духа, который предопределяет празднование романтизмом природы.

Сэр Генри Реберн (англ. Sir Henry Raeburn)

 Лучники. 1789-1790

"Лучники" – один из немногих выдающихся портретов, появившихся в начале карьеры Реберна, и, вероятно, он был написан примерно в 1789 или 1790 году, когда молодые люди были в позднем подростковом возрасте. Роберт и Рональд Фергюсон стали членами Королевской компании лучников в 1792 и 1801 годах, соответственно, и современное возрождение стрельбы из лука как модного вида спорта, похоже, вдохновило композицию. Два брата показаны в яркой и сложной геометрической композиции, которая играет на контрастах тона. Роберт с чудесно очерченным профилем освещён слева, а Рональд позади него изображен полностью в тени, глядя на зрителя в обрамлении натянутого лука, удерживаемого его старшим братом. Горизонтальная стрела точно делит холст на две части. Расположение фигур напоминает классический скульптурный фриз, соответствующий Шотландии эпохи Просвещения, когда возобновившийся интерес к древности оказал влияние на мышление и эстетику страны.

Франсуа-Юбер Друэ (фр. François-Hubert Drouais)

Мадам де Помпадур за рамкой для вышивания. 1763-1764

На картине изображена бывшая любовница Людовика XV в последний год её жизни. Жанна-Антуанетта Пуассон родилась в 1721 году, в 1741 году она вышла замуж и четыре года спустя стала королевской любовницей и маркизой Помпадурской. Она была покровителем искусства и литературы, а также проводником стиля, который оказал значительное влияние на государственную политику Франции. Холст подписан и датирован на рабочем столике началом апреля 1763 года. Голова маркизы предположительно была написана при жизни, а остальная часть картины была завершена в мае 1764 года, месяца после смерти мадам Помпадур. Картина Друэ является последним из многочисленных её портретов самых известных художников того времени, в том числе Буше и Карл ван Лоо.

 Джозеф Райт англ. Joseph Wright of Derby)

Эксперимент с птицей в воздушном насосе. 1768

Публика собралась вокруг лектора, чтобы посмотреть эксперимент. Ночь, а комната освещена единственной свечой, которая горит под большим круглым стеклом, содержащим человеческий череп. Белый какаду был помещен в стеклянный контейнер, из которого накачивается воздух для создания вакуума. Будет ли лектор полностью изгонать воздух и убивать птицу, или позволит воздуху вернуться и оживить её? Райт фокусируется на различных реакциях зрителей – от девушки, неспособной смотреть, до влюбленных, глядящих только друг на друга. Это самая большая, самая амбициозная и драматичная работа из серии "свечных" картин, написанных Райтом в 1760-х годах. В ней запечатлена драма инсценированного научного эксперимента, но он также действует как vanitas – картина, касающаяся времени, границ человеческого знания и хрупкости самой жизни.

Камиль Писсарро (фр. Camille Pissaro)

 Фокс Хилл, Верхний Норвуд . 1870

Это одна из 12 сохранившихся картин, которые Камиль Писсарро сделал во время добровольной ссылки в южном Лондоне с конца 1870 года до середины 1871 года в ходе франко-прусской войны. Возможно, первая картина, которую он написал в Лондоне, это одна из самых деревенских сцен серии, похожей на пейзажи, которые он писал возле своего дома к западу от Парижа. Сегодня всё ещё возможно определить это место – дорога в Фокс Хилл сохраняет свой небольшой изгиб. Тем не менее, Писсарро интересовался больше атмосферными эффектами света и погоды, чем точной топографией, и картина, возможно, была впервые выставлена в Лондоне под названием Effet de neige (эффект снега). Полотно выглядит так, как будто его наскоро нарисовали на площадке под открытым небом, поскольку Писсарро работал быстро и энергично, но картина была завершена в несколько этапов.

Камиль Писсарро (англ. Camille Pissarro)

Авеню, Сиденхэм. 1871

Это одна из 12 картин, которые Писсарро написал во время добровольной ссылки в Лондоне с 1870 по 1871 год во время франко-прусской войны. Авеню представляла собой широкую, усаженную деревьями улицу в Сиденхаме, модном пригороде в пригороде недалеко от Кристал Пэлас в южном Лондоне. Сегодня это место можно идентифицировать как Лоури Парк Авеню с церковью Святого Варфоломея, построенной в 1832 году, на расстоянии. Эта весенняя сцена была написана в апреле или мае 1871 года, незадолго до возвращения Писсарро во Францию. Несмотря на то, что картина на открытом воздухе, Писсарро завершил её в своей мастерской. За исключением неба, он смешал большую часть краски с белым, чтобы уменьшить цветовые контрасты и создать постоянную светлую тональность во всём. Традиционное использование перспективы, приемлемой степени отделки и живописных мотивов, возможно, предназначалось для того, чтобы обратиться к английским покупателям, которые настороженно относятся к быстрой обработке импрессионистской живописи.

Камиль Писсарро (фр. Camille Pissaro)

Бульвар Монмартр ночью. 1897

К концу своей жизни Писсарро все чаще обращался к представлению городских сцен в Париже, Руане, Дьеппе, Гавре и Лондоне, в основном расписанных из окон отелей и апартаментов. В феврале 1897 года он снял комнату в Париже в Hôtel de Russie на углу бульвара Италии и улицы Друо, а также создал серию картин на бульваре Монмартр в разное время суток. Писсарро, возможно, был под влиянием серии картин, на которых Моне был занят в это время, и ранних городских сцен Мане. Эта картина – единственная ночная сцена из этой серии, и она представляет собой мастерское исполнение игры света на темных и мокрых улицах. Писсарро не подписывал и не выставлял его при жизни.

Камиль Писсарро (фр. Camille Pissaro)

Лувр под снегом.1902

В более поздние годы Писсарро написал несколько серий картин, основанных на видах Парижа. Каждая серия была посвящена определенному месту в городе, написанному в разное время суток, в разные времена года и в разных погодных условиях. Эта зимняя сцена, вероятно, созданная в первые месяцы 1902 года, является частью серии, которую он написал в своей квартире в Дофине на Иль-де-ла-Сите. Взор направлен прямо на запад вдоль Сены. Мост искусств находится на среднем расстоянии, а Лувр – большое здание справа. Слева, Писсарро включил часть площади дю Верт-Галан, небольшой общественный парк, названный в честь Анри IV, в котором видна конная статуя девятнадцатого века. Картина показывает увлечение Писсарро преходящими атмосферными эффектами, но он заключил их в тщательно структурированную композицию.

 Камиль Писсарро (фр. Camille Pissaro)

Портрет Сезанна. 1874

Влияние Писсарро глубоко изменило направление искусства Сезанна, когда они работали вместе в Понтуазе в начале 1870-х годов. На этом портрете Сезанна в нижнем правом углу висит картина Писсарро. На двух печатных рисунках изображены государственный деятель Адольф Тьер слева и художник Курбе справа, известные люди того времени, которые, похоже, признательны Сезанну. Портрет является свидетельством поддержки и дружбы наставника для блестящего протеже, а также юмористическим предсказанием того, что слава и известность однажды обретут его. Портрет висел в мастерской Писсарро до его смерти в 1903 году.

 Камиль Писсарро (англ. Camille Pissarro)

Кот-де-Бюф в Эрмитаже. 1877

Этот лесистый склон холма, называемый Кот-де-Бюф, находился недалеко от дома Писсарро в поселке Эрмитаж, недалеко от рыночного городка Понтуаз, где жил художник большую часть времени между 1866 и 1883 годами. Хотя Писсарро был ведущим импрессионистом, эта картина сигнализирует о его уходе от мимолетных атмосферных эффектов импрессионизма. Вместо этого он в первую очередь сосредоточен на структуре композиции, которую тщательно выстроил, используя уравновешенные вертикальные и горизонтальные линии. Густо нанесенная краска и плотно обработанная поверхность, которую он построил несколькими небольшими мазками, также весьма отличны от быстрой жидкой мазки и наброскоподобных качеств импрессионизма. Этот переход к более структурированной версии импрессионизма предвещает проблемы следующего поколения художников постимпрессионизма, в частности, Сезанна и Сеурата.

 Камиль Писсарро (англ. Camille Pissarro)

Портрет Феликса Писсарро (фрагмент). 1881

Феликс-Камиль (1874 - 1897), также известный как Тити, был третьим сыном Камиля и Джулии Писсарро. Этот портрет, показывающий его в возрасте семи лет, является одной из нескольких картин и рисунков отца. Перед своей преждевременной смертью в Лондоне в 1897 году Феликс работал художником, гравером и карикатуристом под псевдонимом Жан Рох.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Купальщицы в Ла-Гренуйерe. 1869

На этой картине изображено популярное лодочно-купальное заведение с прилегающим плавучим кафе на Сене, недалеко от Буживаля, к западу от Парижа. Летом 1869 года Моне жил рядом с Ла-Гренуйер со своей любовницей Камиллой и их сыном. Работая вместе с Ренуаром, он рисовал эскизы сцены очень свежим и прямым способом, возможно, в рамках подготовки к значительно большему холсту, который сейчас утерян.  Исключительно свободный подход к созданию картины Моне может быть отчасти связана с тем, что холст представляет собой эскиз для более амбициозной композиции, нарисованной в студии. Он использует широкие цветные области, чтобы указать лодки, пришвартованные в тени, в то время как точки в светлой воде на заднем плане представляют группу купальщиков в реке.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Музей в Гавре. 1873

В 1870-х годах, когдаМоне жил в Аржантее, на окраине Парижа, он совершил несколько поездок обратно в Гавр, в котором вырос. Город был процветающим торговым и промышленным центром, а также важнейшим трансатлантическим портом Франции с множеством портов и оживленных доков. Для этой картины Моне расположился на стене во внутренней гавани, напротив городского музея изобразительных искусств и публичной библиотеки, впечатляющего здания, построенного в 1845 году. Несмотря на то, что здание относительно большое, картина обладает эскизным качеством небольших полотен Моне. Ослабленная кисть передает легкое движение рябь воды и фрагментированные отражения лодок; паруса, которые почти затемняют архитектуру, спешно зачищены. Приглушенная палитра, состоящая в основном из сероватого синего и коричневого цветов, облегченная от прикосновений более теплого апельсина, вызывает в воображении атмосферу северного порта под пасмурным небом.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Пляж в Трувиле. 1870

Ранние картины Моне о побережье Нормандии показывают морской пейзаж, населенный рыбаками, которым приходилось сталкиваться с холодным климатом, неспокойным морем и грозовым небом. Но эта картина и восемь других, которые он сделал летом 1870 года, изображают берег как место отдыха, с широкими песчаными пляжами, бодрящим воздухом и впечатляющей морской архитектурой. Моне нарисовал пеляж в течение нескольких недель, которые он провел в Трувиле со своей женой Камиллой и их сыном Джином. Камилла со собеседницей показаны крупным планом, их фигуры расположены и обрезаны рамкой рисунка, скорее как снимок. Песчинки в краске говорят о том, что холст был написан хотя бы частично на месте. Черты лица и детали костюма кратко очерчены плоскими мазками краски: основное внимание здесь уделяется игре света и тени. Яркий солнечный свет передаётся яркими белыми мазками, а женщины закрывают свои лица зонтиками.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Снежная сцена в Аржантёе. 1875

В 1871 году Моне переехал со своей семьей в Аржантей, пригород к северо-западу от Парижа. Во время своего шестилетнего пребывания он написал около 200 картин города и его окрестностей. Эта картина – одно из 18 полотен Аржантей, на которых запечатлена снежная зима 1874/5 года. Фигуры, идущие по дороге, могут пробираться к ближайшей железнодорожной станции или от неё, в то время как волнистые коричневые повозки тянутся змейкой вдаль, притягивая взгляд к горизонту. Моне фокусируется на атмосферных условиях: это пасмурный день, когда солнце уходит с неба. Его палитра почти монохроматична, белые, голубые и серые цвета согреты розовыми тонами и акцентированы случайными штрихами более яркого цвета. Краска на дороге на переднем плане более густая, чем где-либо на картине, возможно, потому, что Моне пытался изобразить глубокий снег.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Лавакурт (фр. Lavacourt) под снегом. 1878-1881

Лавакурт Lavacourt – это деревня на другой стороне Сены от Ветейя, где Моне поселился в 1878 году. Хотя эта работа датирована 1881 годом, она, вероятно, была написана несколько раньше. Художник часто подписывал свои работы задолго до их завершения, добавляя даты, которые иногда были неточными.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Паводковые воды. 1896

Проливной дождь осенью 1896 года вызвал сильное наводнение возле дома Моне в Живерни. Река Эпте, приток Сены, вырвалась на берег и вышла на луг рядом с садом Моне. Вынужденный оставаться рядом с домом, Моне нарисовал вид заболоченного ландшафта, который он видел перед собой, включая ряд пыльцовых ив, которые стояли на краю луга. Ветви деревьев покрыты тонкими, быстрыми мазками, а вода раскрывает его интерес к атмосферной гармонии. Картина кажется незаконченной и, возможно, была нарисована на месте. Холст был оставлен незавершённым в верхней и нижней областях, создавая впечатление быстро сделанного эскиза. Для этого может может быть сделано исследование написанной в студии картины, которая сейчас находится в частной коллекции в Швейцарии.

Клод Моне (фр. Claude Monet)

Водяные лилии, заходящее солнце. 1907

В последние два десятилетия своей жизни Моне посвятил себя живописи водного сада, который он создал в своем доме в Живерни, написав около 250 инновационных картин. Его полотна становились все более экспериментальными, поскольку он постепенно отказывался от изображений берегов пруда, его японского моста и традиционной линии горизонта, чтобы сосредоточиться на тонких модуляциях света, когда он трансформировал воду и отражения листвы и облаков. В этой картине единственный намёк, который поможет разместить зрителя, – скопление растений в левом нижнем углу, которое указывает приблизительное положение берега. Розовые и желтые лучи заходящего солнца переливаются на пруду. Наше видение колеблется между поверхностью воды и глубиной пруда; между горизонтальными лилиями и темными вертикальными отражениями плачущих ив.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Пуэнт-де-ла Хеве (La Pointe de la Hève), Сент-Адресс. 1864

Моне было за двадцать, когда он написал этот вид через волнорезы к мысу Ла-Хеве, недалеко от Сент-Адрессе на побережье Нормандии. Он хорошо знал этот район, так как провёл свое детство в соседнем Гавре. Картина, вероятно, была сделана на месте как набросок для более масштабной студийной картины "La Pointe de la Hève" в "Отливе" (Художественный музей Кимбелла, Форт-Уэрт), которую он показал в парижском Салоне в 1865 году. Пустой галечный пляж и зимний, пустынный воздух. Три фигуры в лодке, плывущей к нам, отвернулись от холода, и дым изтрубы хижины у скалы. На горизонте мчатся парусные лодки, их темные паруса на фоне солнечного света стоят под кромкой серого облака. Яркие мазки краски, напоминающие гальку на пляже, и широкие плоские мазки, окружающие лодку, намекают на будущее направление искусства Моне.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Водяные лилии. 1899

В 1893 году Моне купил участок земли рядом со своим домом в Живерни. Там он посадил красочный цветник, но теперь хотел создать водный сад – как для удовольствия глаз, так и для того, чтобы сюжеты рисовать. Моне расширил существующий пруд, наполнив его новыми экзотическими гибридными водяными лилиями, и построил горбатый мост, вдохновленный примерами японских гравюр. Водный сад стал главной навязчивой идеей более поздней карьеры Моне и предметом около 250 картин. Здесь мост охватывает ширину холста, но обрезается по краям, так что кажется, что он плавает над водой, его форма отражается в темной дуге в нижней части рисунка. Перспектива, кажется, меняется; это как если бы мы смотрели не на мост, а вниз на водяные лилии, которые плывут. Вертикальные отражения деревьев обеспечивают противоположность горизонтальным скоплениям лилий.

 Клод Моне (фр. Claude Monet)

Тополя на Эпте. 1891

Хотя эта работа датирована 1890 годом, она была написана в следующем году. Весной 1891 года Моне начал работу над серией из 23 картин с изображением тополей, которые располагались на левом берегу реки Эпте, недалеко от Лиметца, к югу от Живерни. 18 июня город решил провести аукцион по продаже деревьев. Моне уговорил торговца лесом купить их при условии, что они останутся стоять ещё несколько месяцев, чтобы позволить художнику закончить свою серию. Работы были написаны на лодке с плоским дном, которую Моне позаимствовал у приятеля художника Гюстава Кайботта. С этой низкой точки зрения деревья видны на фоне неба и подчеркиваются их симметричные качества.

 Альфред Сислей (фр. Alfred Sisley)

Водопой в Марли-ле-Руа. 1875

Сислей написал эту зимнюю сцену в маленькой деревне Марли-ле-Руа в начале 1875 года, вскоре после того, как туда переехал. Деревня была местом Шато-де-Марли, которое построили в конце семнадцатого века для Людовика XIV, короля Франции, как ответвление из Версаля. Позже замок снесли. Водопой на переднем плане картины был одним из последних остатков великих водных садов замка. Сислей жил очень близко и написал почти 20 картин, которые включают и эту. Скорее всего, он работал над картиной на улице всего за один присест: похоже, она была написана быстро с использованием ограниченной цветовой гаммы. Краска нанесена тонким слоем и хорошо видна быстрая кисть, особенно на переднем плане. Несколько деталей и цветных бликов были добавлены после высыхания краски.

  Альфред Сислей (фр. Alfred Sisley)

Лужайки весной

В 1880 году финансовые трудности заставили Сислея покинуть Севр, в пригороде Парижа, и перебраться в район Сены и Марны, к юго-востоку от города. Он жил в этом районе до конца своей жизни. Этот шаг стал поворотным моментом в карьере художника, и он написал речной пейзаж с новой жизненной силой и свежестью видения. На этой картине изображен "Le Chemin des Petits Prés", лесистая тропа, которая шла вдоль левого берега Сены, соединяя деревни Венё и Бы. Теперь он заменен асфальтированной дорожкой. Деревня, видимая на противоположном берегу, – Шампань. Молодая девушка, в которой узнали дочь художника, Жанна, появляется как воплощение весны.

 Поль Гоген (фр. Paul Gauguin)

Урожай: Ле-Пульду. 1890

В 1890 году Гоген жил в пансионе Мари Генри в Ле-Пульду, Бретань. Мыс на этой картине находится в западном конце пляжа, примерно в миле от самой деревни. Гоген написал разные версии этого пейзажа, которые характеризуются строго определенными формами и ровными площадями цвета его синтетического стиля. Художник также использовал его в упрощенном виде для фона своей работы "Утрата девственности", написанной в Париже зимой 1890-91 годов (Норфолк, Вирджиния, Музей Крайслера).

 Поль Гоген (фр. Paul Gauguin)

Faa Iheihe. 1898

В 1891 году Гоген отправился на острова южной части Тихого океана, где он оставался почти до конца своей жизни, в основном на острове Таити. Название этой картины почти наверняка является неправильным пониманием со стороны художника таитянского слова "fa`ai`ei`e", которое означает "украшать, приукрашать, служить украшением", в смысле создания себя красивым для особого случая. Как и многие другие его картины того периода, например, "Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?" 1897 (Бостон, Музей изобразительных искусств), Гоген использовал горизонтальный формат, вдохновленный яванскими скульптурными фризами. Некоторые из отдельных фигур, такие как центральная женщина, также взяты из этих фризов. Три женщины слева и всадник снова появляются в "Рупе Рупе (Роскошь)" 1899 года (Москва, Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина).

Поль Гоген (фр. Paul Gauguin)

Ваза с цветами. 1896

Эта картина была написана на Таити после переезда Гогена из Франции. Она была продана его другом Даниэлем де Монфрайдом в 1898 году одному из первых поклонников искусства Гогена Дегу. Цветочные картины были распространены среди художников этого периода; Дега и Ван Гог являются одними из величайших представителей этого типа. Ваза украшена узором только из золотых линий и размещена практически в центре картины, на деревянном уступе, куда упали розовые и красные лепестки. Цветы образуют относительно симметричный узор с широкими синими листьями по бокам кремового и красного цветов. Приглушенные тона фоновой стены и полки воздействуют как фольга на экзотические цветы, которые являются центральным предметом картины.

 Поль Гоген (фр. Paul Gauguin)

Ваза с фруктами и кружкой перед окном. 1890

Этот натюрморт – прежде всего, дань уважения картине, которую Гоген приобрел около 10 лет назад, "Натюрморт с композитором, стаканом и яблоками" Сезанна (Музей современного искусства, Нью-Йорк). Он повторяет многие элементы этой картины, такие как фрукты, керамика, помятая скатерть и нож в правом нижнем углу. На более широком уровне это также свидетельствует о том, что Гоген перешёл от импрессионизма к более структурно строгому искусству, примером которого является работа Сезанна. Есть напоминания о Бретани, где в это время находился Гоген. Возможно, кружка местного производства. Полоса городского пейзажа наверху, вероятно, основана на фотографии Пон-Авена. Знаменитая примитивная подпись Гогена, которую он начал использовать примерно в это же время, находится здесь вверх ногами, возможно, чтобы погрузить её в общий рисунок поверхности картины.

Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Автопортрет. 1880-1881

Сезанн много раз рисовал свой портрет на протяжении всей своей карьеры. Начиная с его появления здесь, этот портрет датируется примерно временем его пастельного портрета Ренуара, датируемого 1880 годом (частный). Обои с ромбовидным рисунком встречаются в ряде натюрмортов Сезанна.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Парк у Шато Нуар. 1900-1904

Художник часто изображал местность возле Экс вокруг Шато Нуар в родном Провансе Сезанна. В этой мрачной поздней картине он фокусируется на отдалённом и скалистом горном хребте к северо-востоку от дома. Холм настолько крутой и настолько густо заросший кущей, что на небе видны лишь пятна бледно-голубого цвета. До недавних пожаров в этом районе и на этом месте всё ещё стояло раздвоенное дерево, которое Сезанн изобразил справа.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Печь в студии. 1865

Этот вид мастерской художника, вероятно, был написан в Париже. В течение этого периода Сезанн разделил своё время между его родным Экс-ан-Провансом и Парижем, и картина вызывает чувсто недостатка его богемного существования в столице. Справа в вазе на столе стоит один цветок. За печью виден холстовый подрамник, а на стене слева висит палитра и, возможно, небольшая картина. Первым владельцем этой работы был друг детства Сезанна, писатель Эмиль Золя.

  Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Старая женщина с чётками. 1895-1896

По словам поэта и писателя Иоахима Гаске, няня на этой картине была бывшей монахиней, сбежавшей из монастыря и бесцельно бродившей, пока художник не взял ее в качестве служанки. Гаске нашел эту картину в 1896 году в семейном доме Сезанна недалеко от Экс-ан-Прованса, лежавшей на полу мастерской художника с капающейся на ней трубой. Нижний левый угол отмечен брызгами воды или пара.

Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Отец художника, Луи-Огюст Сезанн. 1865

Портрет отца Сезанна (1798-1886) был написан, вероятно, в начале шестидесятых. Он был написан прямо на нише стены в Салоне Жас-де-Буффан, загородной резиденции за пределами Экс-ан-Прованса, которую его отец купил в 1859 году. 

Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Пейзаж с тополями.1885-1887

Это один из группы из пяти пейзажей, которые, вероятно, были написаны в этот период, когда Сезанн экспериментировал с регулярным параллельным диагональным и вертикальным мазками, чтобы предложить мерцающий солнечный свет, играющий на различных текстурах листвы. Место было определено как родной художнику Прованс, на юге Франции.

Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Аллея в Шантийи. 1888

Это одна из нескольких картин, датируемых посещением Сезанна Шантильи к северу от Парижа в 1888 году, и написанных, вероятно, в парке, окружающем замок. Основной рисунок сначала был сделан карандашом, а затем наложен свободно окрашенными мазками краски. Теплый серый грунт, видимый в некоторых местах, является неотъемлемой частью общей цветовой гаммы. Более темные оттенки синего и зеленого помогают определить деревья и заборы; Окончательный эффект зависит от тонких оттенков цветов, оживляющих поверхность.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Аллея в Жас-де-Буффан. 1868-1870

Чередующиеся полосы светлой и темно-зеленой краски показывают солнечный свет, играющий на деревьях поздним летним днем. Вид был обрезан сверху, чтобы дать картине ощущение глубины, несмотря на её небольшой размер. Эта аллея каштанов в загородном доме отца Сезанна была одним из любимых мотивов художника.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Море в Эстаке. 1876

Стремясь "писать, как Пуссен, но природу", Сезанн прекрасно сознавал, сколь недолговечны внешние впечатления, фиксируемые только глазом, – впечатления, так ценимые Моне и художниками его круга. Для всех этих работ характерны плотная живописная поверхность, резкие контрасты, достигаемые благодаря темным теням и глубокому черному цвету, мрачные тона с преобладанием черного, серого, коричневого, синего с незначительными вкраплениями белого; иногда художник кладет кое-где зеленые или красные тона, оживляя эту почти монохромную суровость. Такое понимание искусства отражают натюрморты, портреты и композиции, созданные художником в эти годы. Около 1883-1885 гг. Сезанн написал ряд работ с одинаковым названием – "Вид Эстака", в которых заявляют о себе новые тенденции.

Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Склон в Провансе. 1890-1892

В то время как место склона холма в родном Провансе Сезанна не было окончательно установлено, стена угловатых, выступающих скальных образований на этой картине может представлять собой карьер с разрезами, раскрывающими геологические пласты. Стилистически картина относится к пейзажам, которые Сезанн писал в Экс-ан-Провансе в середине 1880-х годов.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Натюрморт с кувшином воды. 1892-1893

Эта незаконченная работа относится к серии натюрмортов, созданных Сезанном в конце 1880-х и начале 1890-х годов, в которых он изобразил тарелки и фрукты на столе, размещенном параллельно плоскости изображения. Высокий голубой кувшин с водой появляется на всех этих картинах. Это был любимый предмет Сезанна.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne)

Купальщицы (Les Grandes Baigneuses). 1894-1905

Сезанн рисовал купальщиков с 1870-х годов, в том числе многочисленные композиции мужских и женских, по отдельности или в группах. В конце жизни он написал три крупные группы женских купальщиц. В дополнение к живописи Национальной галереи, они теперь находятся в Фонде Барнса, Мерионе, Пенсильвания, и в Филадельфийском художественном музее. Вероятно, на момент своей смерти он работал над всеми тремя одновременно. В этих работах Сезанн переосмыслил давнюю традицию живописи с обнаженными фигурами в пейзаже таких художников, как Тициан и Пуссен. Хотя сюжеты их произведений были взяты из классических мифов, Сезанн не использовал прямые литературные источники. Вместо этого его центральной темой была гармония фигур с ландшафтом, выраженным в твердых формах, строгой архитектонической структуре и земных тонах тел. Когда эта картина была выставлена ​​в 1907 году, она стала источником вдохновения для зарождающегося кубистского движения; и Пикассо, и Матисс проявили к нему большой интерес.

 Пьер Oгюст Ренуар (ыр. Pierre-Auguste Renoir)

Танцующая девушка с кастаньетами. 1909

Эта картина вместе с сопутствующим произведением "Танцующая девушка с бубном" была написана для украшения столовой в квартире месье Мориса Гангната по адресу: 24 Avenue de Friedland, Paris. Предполагалось, что картины должны висеть по обе стороны от зеркала, а первоначально фигуры должны были нести тарелки с фруктами. Образцом для обеих девушек была Жоржетта Пиджо, но главой фигуры в этой работе была смоделирована горничная Ренуара, Габриель Ренар. Говорят, что Ренуар считал две картины одной из самых важных своих поздних работ.

Жан-Шарль Казин (фр. Jean-Charles Cazin)

Улисс после кораблекрушения. 1880-1884

Вернувшись из Трои, корабль Улисса был уничтожен богом Зевсом и вся команда, кроме самого Улисса, утонула. Ему удалось добраться до острова Огигия, где обитала нимфа Калипсо. Она влюбилась в него, но он не смог ответить ей чувствами, и его мысли постоянно обращались к дому. Эта картина может быть связана с серией композиций Казина, которые сочетают классическую или религиозную тематику с современной жизнью.  Прибрежная сцена, изображённая здесь, почти наверняка находится в Эквиене, недалеко от Булони, где художник часто использовал свои сюжетные картины.

 Эдуар Вюйар (фр. Edouard Vuillard)

Мадам Андре Вормсер и её дети. 1926-1927

Мадам Вормсер, урождённая Ольга Борис, была женой французского банкира Андре Вормсера. Она стоит в гостиной семейного парижского дома по адресу 27 rue Scheffer, а четверо её детей расположены в ярко освещенном углу комнаты справа. Элегантный интерьер отражает вкус и моду французского общества 1920-х годов. На стенах картины Мане, Моне, Ренуара и Русселя. Над роялем висит большая пастель от Дега, скрытая отражением полосатого навеса от солнца. Эта тихая домашняя сцена показывает всё тепло и интимность поздних картин Вюйара. С комичным именем "Пуф де Ландес" домашняя собака семьи лежит у ног дочери Дианы, в руках которой музыкальная партитура. Диана сидит рядом со своей младшей сестрой Сабиной, поглощенной слушанием Доминики, играющей на пианино. Их брат Оливье стоит сзади. Позже он служил офицером во французских освободительных силах во время Второй мировой войны и подарил эту картину Национальной галерее в знак благодарности британской нации.

Тео ван Рейссельберг (нидерл. Theo van Rysselberghe)

Прибрежная сцена. 1892

Ван Рейссельберг принял стиль пуантилизма, создав композицию, используя бесчисленные крошечные точки дополнительных цветов, увидев работы Жоржа Сёра. Он установил тесную дружбу с последователем Серата, Полом Синьяком, и в начале 1890-х создал серию обманчиво простых, наполненных светом и плотно обработанных морских пейзажей, когда ван Рисселберг и Синьяк путешествовали и рисовали вместе. Отличительной чертой его работы являются скопления белых точек, разбросанных по всей поверхности картины, как здесь, которые придают его картинам анимационное, почти танцевальное качество. Точки также часто образуют закрученные орнаменты, как в этой работе.

Жорж Сёра (фр. Georges Seurat)

Платья на траве: этюд для «Купальщицы в Аньере». 1883. (слева, вверху)

Это одна из многих работ маслом для первого крупномасштабного произведения Сеура "Купальщицы в Асьере" 1884 года. Она была скомпанована в пригороде Асьера на северо-западе Парижа и написана до того, как Сёра полностью развил свою технику пуантилизма. Как и большинство других его работ маслом, этот эскиз был написан на открытом воздухе. Здесь художник скрыл фигуры и сосредоточился на самом пейзаже и стопке сброшенной одежды.

Берег реки (Сена в Аньере). 1883. (слева, внизу)

В начале 1880-х Сёра проводил множество занятий под открытым небом, часто работая на берегах Сены в Курбевуа и Асьере. Эта небольшая панель может быть связана с его самыми ранними набросками и идеями для "Купальщиц в Аньере". Поразительная геометрия композиции, в которой преобладают оси вертикального полюса и отдаленного берега реки, типична для изученного и продуманного подхода Жоржа Сёра.

Сена, увиденная от La Grande Jatte. 1888. (справа)

Эта картина легла в основу более крупного полотна, которое сейчас находится в Музее Royaux des Beaux-Arts в Брюсселе. Окрашены на белую поверхность, цвета особенно светлые и блестящие. Художник внес несколько корректировок в композицию: кривая острова была опущена внизу справа, а следы яхты видны слева.

Жорж Сёра (фр. Georges Seurat)

Купальщики в Аньере.1884

Аньер является промышленным пригородом к северо-западу от Парижа на реке Сена. Эта работа показывает группу молодых рабочих, отдыхающих у реки. Картина была первой из масштабных композиций Сёра. Он подбирал отдельных фигуры с использованием живых моделей и делал небольшие масляные наброски на месте, чтобы иметь возможность составить композицию и записать эффекты света и атмосферы. Сохранилось около 14 рисунков маслом и 10 рисунков. Финальная композиция, написанная в студии, объединяет эти работы. В то время как картина не была выполнена с использованием пуантилистской техники, которую художник ещё не изобрел, Жорж Сёра позже переработал отдельные фрагменты этой картины, используя точки контрастного цвета, чтобы создать яркий, светящийся эффект. Например, точки оранжевого и синего были добавлены в шляпу мальчика. Простота фигур и использование правильных форм, чётко определенных светом, напоминают картины художника эпохи Возрождения Пьеро делла Франческа. В написании фигур, выполненных в профиль, Сёра, возможно, также находился под влиянием древнеегипетского искусства.

 Эдгар Дега (фр. Hilaire-Germain-Edgar Degas)

Молодые спартанцы. 1860

Плутарх пишет о Ликурге, законодателе древней Спарты, приказывавшему спартанским девушкам участвовать в соревнованиях по борьбе; здесь они призывают мальчиков сражаться. Ранняя работа, вероятно, началась около 1860 года. Картина несколько раз переделывалась, и сохранились многочисленные эскизы и рисунки, например, наброски маслом в Художественном музее Фогга, Кембридж, Массачусетс. Хотя картина была указана в каталоге для выставки импрессионистов 1880 года, она не была показана и оставалась в мастерской художника до самой смерти.

Эдгар Дега (фр. Hilaire-Germain-Edgar Degas)

Расчесывание волос ("La Coiffure"). 1896

Женщины, укладывающие или причёсывающие свои волосы, часто появляются в работах Дега, и эта картина – одна из самых смелых его тем. Горничная, одетая как служанка, расчёсывает волосы сидящей перед ней хозяйке, которая ещё не полностью одета. Оттянутая силой расчёски, хозяйка поднимает правую руку к голове, как будто хочет успокоить или удержать волосы на месте. Композиция набросана жирными мазками кисти, и Дега в основном ограничивает цвета вариациями огненно-оранжево-красного цвета, окрашенного на кремово-белой грунте, который всё ещё виден слева на холсте. Некоторые фрагменты картины выражены более определенными, чем другие – предмекты на столе, например, выглядят незаконченными. Дега, вероятно, планировал продолжить работу над картиной, но она так и не была завершена и осталась в его мастерской. После его смерти она была куплена Анри Матиссом.

Йосеф Исраэлс (нидерл. Jozef Israels)

Рыбаки несут утопленника. 1861

Эта картина, вероятно, была написана в Амстердаме и основана на эскизах, сделанных художником на побережье в Зандвоорте в 1861 году. На следующийгод она была выставлена в Салоне и в Королевской Академии в Лондоне. Композиция картины показывает влияние массовых сцен Оноре Домье, в то время как его настроение сочувствия к испытаниям крестьянской жизни напоминает Милле. На фоне темного неба тело утонувшего рыбака несут вдоль берега его товарищи. Фигуры кажутся маленькими по сравнению с просторами моря и суши, а те, что на переднем плане, предположительно жена и дети мужчины, выглядят отягощенными горем.

 Адольф фон Менцель (нем. Adolph Menzel)

После полудня в саду Тюильри. 1867

Адольф Мензель был ведущим немецким художником второй половины XIX века. Эта картина из сада Тюильри в Париже была написана им в 1867 году после посещения города, чтобы увидеть Всемирную выставку этого года. Почти наверняка работу вдохновила другая картина в Национальной галереи – "Музыка в саду Тюильри" Мане, выполненная всего пять лет назад. Обе картины очаровывают оживленной публичной сценой дня в садах Тюильри, прилегающих к Лувру в центре Парижа, но выполненные в совершенно разных стилях. Подход Менцеля более реалистичен и наполнен деталями. Он предлагает зрителю перейти от случайности к внимательно наблюдаемому эпизоду на холсте. Менцель сделал несколько набросков в саду Тюильри, которые взял с собой в Берлин, хотя ни один из них на самом деле не предвосхищал композицию готовой картины. Несмотря на то, что картина Менцеля написана в более традиционном академическом стиле, он отдаёт дань уважения Мане, цитируя его картины. Стоящий на переднем плане справа от центра мужчина в цилиндре очень похож на одну из фигур с картины Мане. Когда Менцель впервые выставил своё произведение, он решил указать, что оно было выполнено по памяти.

 Макс Либерман (нем. Max Liebermann)

Поминальная служба кайзеру Фридриху в Кесене. 1888-1889

Кайзер Фридрих III умер 15 июня 1888 года, через три месяца после его вступления в должность. Либерманн был в Кесене в феврале того года, где он делал некоторые эскизы поляны в буковом лесу, в котором часто проводились поминальные службы. Эта картина была первой версией художника на эту тему (вторая, находившаяся ранее в Музее изобразительных искусств в Будапеште, была уничтожена в 1945 году). Вдохновленный "Погребальной службой Адольфа Менцеля в Буковом лесу в Кёзене" 1868 года (Музей изобразительных искусств, Будапешт), эта картина также была разработана на основе собственных набросков Либермана по дереву. Многие подготовительные рисунки к картине сохранились.

Пабло Пикассо (англ. Pablö Picasso)

Материнство (La Maternité). 1901

Пикассо по-новому смотрит на тему "Мадонна с младенцем", одевая мать в традиционный синий цвет. Её взгляд меланхоличен, а вытянутые рукидержат ребенка в нежных объятиях. Стилизованный пейзаж, гармоничное лоскутное одеяло красных и зеленых оттенков, оживляется свободными выразительными мазками вверху и внизу слева.

 Винсент Ван Гог (нидерл. Vincent van Gogh)

Портрет крестьянки. 1884

В 1883 году Ван Гог поселился в Нуенене, деревне на севере Брабанта в Нидерландах, где его отец был священником. Там он наблюдал за жизнью крестьян, зарекомендовав себя художником рабочих. Это один из более 40 портретов, которые он написал той зимой. Темное, грубое и неидеальное изображение было выполнено до того, как художник получил какую-либо форму художественной подготовки.

 Винсент Ван Гог (нидерл. Vincent van Gogh)

Высокая трава с бабочками. 1890

Ван Гог был пациентом в приюте в Сен-Реми, недалеко от Арля, с мая 1889 года по май 1890 года. В течение этого времени он был ограничен работой на территории прилегающего сада и вскоре после своего прибытия описал "заброшенные сады", в которых "трава растет высокой и неопрятной, смешанной со всеми видами сорняков". Этот вид садов был нарисован в конце пребывания художника в приюте.

 Винсент Ван Гог (нидерл. Vincent van Gogh)

Стул Ван Гога. 1888

Эта работа была написана, когда Ван Гог работал в компании Гогена в Арле. Она была раскрашена в начале 1889 года. Ван Гог нарисовал сопутствующую картину кресла Гогена, показанного ночью. Теперь эта картина в музее Ван Гога, Амстердам. Эти две работы, возможно, предназначались, чтобы представить контрастные темпераменты и интересы двух художников.

Винсент Ван Гог (нидерл. Vincent van Gogh)

Два краба 1889

Считается, что эта картина была создана вскоре после выхода Ван Гога из больницы в Арле в январе 1889 года. 7 января он написал своему брату Тео: "Завтра я собираюсь снова работать. Начну с одного или двух натюрмортов, чтобы снова привыкнуть к рисованию". Вероятно, художник был вдохновлен гравюрой Хокусая "Крабы", которая также была воспроизведена в мае 1888 года в номере "Le Japon Artistique", присланном Тео Винсенту в сентябре того же года. На похожей картине в музее Ван Гога в Амстердаме краб изображен лежащим на спине. Здесь, вероятно, один и тот же краб, показанный как на спине, так и в вертикальном положении. Художник использовал различные мазки, чтобы передать текстуру. Параллельные мазки образуют форму существа на обильной морской поверхности.

 Интерьер галереи

 Фрагмент интерьера галереи

 Купол дворца галереи