Окно в мир: путешествия, искусство, мастера!

 

 

 

 

 

 

Национальная галерея Шотландии – старейший художественный музей страны, расположенный в историческом центре Эдинбурга. Галерею открыли для публики в 1859 году и на сегодняшний день она является одним из лучших в мире собраний произведений изобразительного искусства. Представленные здесь коллекции состоят из картин, акварелей, рисунков, гравюр и скульптур от эпохи раннего Возрождения до XX века, собрания работ современных художников и портретов великих шотландцев.

Фасад Национальной галереи Шотландии

Шотландская национальная галерея демонстрирует некоторые из величайших произведений искусства в мире, в том числе шедевры Боттичелли, Рафаэля, Тициана, Рембрандта, Вермеера, Констебля, Тернера, Моне, Ван Гога и Гогена, среди многих других. Самая полная часть коллекции охватывает историю шотландской живописи – представлены все основные имена, в том числе Рамсей, Реберн, Уилки и Мактагарт.

Выставочный зал

Шотландская национальная галерея включает в себя как здание Национальной галереи, так и здание Королевской шотландской академии. Оба этих здания, спроектированные Уильямом Генри Плейфайром, находятся в самом сердце Эдинбурга. Хотя изначально они были построены как отдельные сооружения, их история давно переплетена, и с 2004 года они связаны подземным Садом.

Фасад здания Королевской шотландской академии

 

 

 

 

 

 

Форма этого триптиха скинии, с его острым выступом и тимпаном выше, является уникальной в итальянском искусстве из-за необычного сочетания образов. Центральная панель, с ярко выраженным византийским стилем, показывает ритуальные обряды пустынников четвертого века Святого Ефрема и другие эпизоды из жизни ранних отшельников, живущих в пустыне Фив в Египте. Библейские сюжеты в тимпане более явно относятся к итальянской традиции тринадцатого века.

 Приписано Грифо ди Танкреди (итал. Grifo di Tancredi). 1280-1290

Смерть святого Ефрема и сцены из жизни отшельников (центральная панель); Сцены из Страстей Христовых (в крыльях).

Бернардо Дадди управлял большой и деятельной мастерской во Флоренции в первой половине четырнадцатого века. Он обучался у Джотто, ведущего художника того времени, чей инновационный стиль отошёл от традиционных формул к более натуралистическому описанию, в котором фигуры казались солидными и находились в заслуживающем доверия месте. Они передали эмоции с помощью жестов и мимики. Мастерская Дадди создала бы множество картин, но, похоже, специализировалась на изготовлении относительно небольших религиозных панно и алтарей. Этот изящно созданный портативный триптих, состоящий из центральной панели и двух закрывающихся крыльев или ставней использовался, вероятно, как молитвенник. В левом крыле изображены Рождество и Богоматерь с Младенцем на троне со святыми и святым Николаем, пожертвовавшим приданое (что позволило жениться на дочери бедного дворянина).

 Бернардо Дадди (итал. Bernardo Daddi). Триптих с Распятием и другие сцены. 1338

Витале да Болонья был одним из первых художников из Болоньи, идентифицированных в современных записях. Он писал большие циклы фресок, а также алтари и религиозные панно. Его ранние работы отражают влияние Джотто и художников, связанных с Римини. Он следовал обычаю приравнивать размер фигуры к их важности, а также полагался на свои собственные наблюдения за живыми жестами и выражением лица. На этой картине один из Царей указывает на звезду, которая привела их к Младенцу Христу в Вифлееме. Две женщины-святые определены по их атрибутам как святая Екатерина с колесом и святая Урсула в сопровождении нескольких из одиннадцати тысяч спутников (с которыми, согласно ее легенде, она приняла мученическую смерть). Первоначально эта картина была левой панелью из диптиха, прикрепленного посередине; другая панель с изображением Христа, оплакиваемого святыми, теперь находится в Фондионе Лонги, Флоренция.

 Витале да Болонья (итал. Vitale da Bologna). Поклонение волхвов. 1353-1355

Элегантные, вытянутые фигуры Лоренцо Монако и изящные, широкие драпировки, в которые он был одет, развились из готической традиции живописи во Флоренции. Художник родился в Сиене как Пьеро ди Джованни, но принял имя Лоренцо, когда он вошел во Флорентийский Камалдолезский монастырь Санта-Мария-дельи-Анджели в 1391 году. Возможно, он учился на художника в мастерской Аньоло Гадди. Первое упоминание о нем как о художнике датируется 1399 годом. Его работы включают алтари и фрески, и он может также иметь иллюстрированные рукописи. Каскадные складки драпировки дополняют стилизованные изгибы сидячей фигуры Богородицы и стоящего Младенца Христа. Трон с головными уборами льва и копытами, вероятно, относится к "Трону мудрости" царя Соломона. Эта панель составляла центральную часть алтаря и должна была находиться между стоящими святыми. Фрагмент малиновой драпировки от одного из них просто виден на левом краю. Роскошный цвет и изысканные декоративные узоры, предназначенные для свечения при свечах, указывают на богатство оригинального алтаря.

 Лоренцо Монако (итал. Lorenzo Monaco / Pier di Giovanni). Богоматерь с Младенцем на троне. 1415 г.

Это захватывающее изображение Богородицы и Младенца Христа представляет соблазнительный пример иллюзионистской живописи. Холст или пергамент, на котором рисует художник, кажется чудом оторванным от своего деревянного подрамника, чтобы раскрыть видение святых фигур. Эта иллюзия усиливается растрепанными краями пергамента, липкой полосой и мухой на одной из явно выступающих частей в левом нижнем углу. Элегантная, удлиненная Дева держит гранат, символ Воскресения, пока крошечный Христос Младенец спит, что указывает на его будущую Страсть.

Феррарская школа (анг. Ferrarese School). Богоматерь с младенцем и ангелами. XV век.

Тоскани наиболее известен как художник-манипулятор, то есть художник, занимающийся декоративными панно по бокам больших деревянных сундуков или кассонов. Их обычно были заказывали парами для молодоженов и многие из них были изготовлены во Флоренции с четырнадцатого века до конца шестнадцатого века. Как и некоторые флорентийские художники, Тоскани, возможно, работал над повествовательными рельефными панелями первого комплекта дверей баптистерия, разработанных Лоренцо Гиберти. Похоже, он написал несколько фресок и алтарей в дополнение к кассони, в стиле, на который влияли Гиберти и Лоренцо Монако. Эта панель иллюстрирует историю в трёх сценах слева направо. Один из главных героев, молодой человек по имени Амброджиуоло, появляется несколько раз. Бернабо, купец из Генуи, хвастался добродетелью своей жены Джиневры и делает ставку, что Амброджиуоло не удастся соблазнить её. Амброджиуоло подкупил старуху, чтобы та перенесла его сундук, в который он спрячется, в спальню Джиневры. Затем ему показли, Джиневру. Он находит родинку под её левой грудью и использует эту информацию, чтобы убедить Бернарбо в успехе своей миссии. Остальная часть кассона (сундука) является реконструкцией девятнадцатого века.

Джованни ди Франческо Тоскани (итал. Giovanni Toscani). Кассон (сундук) со сценами из 'Декамерона' Боккаччо Около 1420 - 1425 гг.

Флорентийский художник Боттичелли создал некоторые из самых знаменитых картин эпохи Возрождения. Его "Primavera" ("Весна") и "Рождение Венеры" (обе в Уффици, Флоренция) были написаны для членов влиятельной семьи Медичи. Он учился на ювелира, прежде чем присоединиться к мастерской Филиппо Липпи. Идеальная красота его грациозных мадонн и мифологических фигур подчеркивает выразительные и чувственные формы, а не анатомическую точность.  Сандро ненадолго покинул Флоренцию (1481-2), чтобы поработать над фресками в Сикстинской капелле в Риме. Его более поздние картины наполнены выразительной интенсивностью под влиянием строгой проповеди Савонаролы. Композиция Боттичелли, вдохновленная работами Филиппо Липпи, необычна в двух отношениях: полотна на холсте в то время ещё были необычны, а Младенца Христа редко показывали спящим. Этот вариант можно интерпретировать как напоминание о смерти Христа. Его будущие страдания для человечества могут также символизироваться детальными растениями и фруктами. Например, красная клубника может относиться к крови Христа. Они также дополняют прекрасную беседку из роз, которая образует "закрытый сад", символ Девы, полученный из Ветхозаветной песни Соломона. Картина, вероятно, была разработана для домашнего использования.

 Сандро Боттичелли (итал. Sangra Botticelli). Богоматерь, молящаяся на спящего ребенка Христа. 1485 г.

Картины Филиппино Липпи отражают совместное влияние его отца Фра Филиппо Липпи и художника Сандро Боттичелли. Его фигуры часто почти подавлены объемной драпировкой, но также оживляются через их развевающиеся складки. Родившийся незаконно в Прато, молодой Филиппино сделал себе имя художника примерно в 1484 году, когда завершил цикл фресок, начатый Масаччо в часовне Бранкаччи, Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция. С 1488 года он провел пять лет в Риме, работая над фресками и детально изучая классические произведения, которые вдохновляли характер его более поздних работ во Флоренции. Центральная фигура Девы Марии, преклонившая колени в поклонении Младенцу Христу, происходит от композиционного типа, изобретенного отцом Филиппино Липпи, Филиппо Липпи. Филиппино разработал тему, включив сидящую фигуру Иосифа и двух ангелов, которые поддерживают мантию Марии. Этот необычный жест подчеркивает линейные узоры, создаваемые складками драпировки. Влияние нидерландской живописи проявляется в башнях и пейзажном фоне. Пропорции этой маленькой панели позволяют предположить, что она изначально была нарисована как часть пределлы для алтаря.

Филиппино Липпи итал. Filippino Lippi). Рождество с двумя ангелами. 1490

Известный итальянский художник Франческо Бонсиньори был сыном художника-любителя Альбертуса Бонсиньори. Кроме Франческо, самого старшего и самого талантливого из его детей, трое других сыновей, включая Бернардино (ок. 1476 - ок. 1520) и Джироламо (ок. ок. 1479), также известны как художники. Всего лишь 20 картин и менее десятка рисунков были приписаны Франческо Бонсиньори. Документы его времени при дворе Гонзага в Мантуе и рассказ Вазари о его жизни являются основными источниками информации о художнике. В Вероне он находился под влиянием и попечительством миниатюриста и живописеца Либерале да Верона (итал. Liberale da Verona). В 1487 году он отправился в Мантую, где ему степени покровительствовал маркиз Франческо Гонзага и находился под влиянием Мантенья. Франческо преуспел в живописи животных. В Брере в Милане находится его Сент-Луис, а в трапезной церкви францисканцев в Мантуе – некоторые перспективные виды. Его последним произведением было "Видение Христа для монахини Озанны", датированное 1519 годом, и находится теперь в Академии в Мантуе. Картина "Богоматерь с Младенцем на троне" изображает монументальную Богородицу, сидящую на подушке мраморного трона, а младенец Христос стоит на коленях и обнимает её за шею. Обе фигуры имеют вдумчивые, меланхоличные выражения, словно созерцающие судьбу Христа. Типы фигур, тщательно сложенные драпировки и твердые мраморные поверхности интерьера демонстрируют сильное влияние Андреа Мантенья. Уроженец Вероны, Бонсиньори работал придворе Гонзага в Мантуе, где Мантенья в то время был доминирующим художником.

Франческо Бонсиньори (итал. Francesco Bonsignori). Богоматерь с Младенцем на троне. 1490 - 1500

За короткую карьеру Рафаэль создал произведения необычайной изысканности, которые оказали глубокое влияние на ход европейской живописи. Его художественное образование началось в Урбино, где отец был придворным художником; Затем он переехал во Флоренцию и, наконец, в Рим, вызванный папой Юлием II для украшения папских апартаментов (Станцы). Его фрески в Риме, пожалуй, самые знаменитые работы, но Рафаэль также преуспел в живописи больших алтарей, небольших религиозных картин и портретов. Он проектировал гобелены для Сикстинской капеллы, работал над архитектурными проектами и руководил деятельной мастерской, в которой обучались многие из наиболее известных художников следующего поколения.Тондо (круглая картина) был популярен во Флоренции во время Ренессанса для частных домов. Рафаэль тщательно спланировал свою композицию, чтобы дополнить форму с младенцем Христом в центре и создал чрезвычайно гармоничные и сбалансированные связи между тремя фигурами. Это одна из нескольких вариаций на тему Богородицы с Младенцем и Святого Семейства, которую Рафаэль изучал в течение четырех лет во Флоренции. Пальма, цветы и фонтан или колодец могут быть вдохновлены ссылками в специальных молитвах (литаниях) на Деву Марию, которые были бы уместны для частной религиозной картины.

 Рафаэль (Рафаэлло Санти / итал. Raffaello Santi). Святое семейство у пальмы. 1506-1507

Рафаэль сделал много рисунков и картин Богородицы и Младенца, отчасти вдохновленных работой Леонардо да Винчи во Флоренции. Здесь он достиг особенно изящного сочетания поз с изящным поворотом. Обмен взглядами ещё раз подчеркивает нежные отношения между прекрасной матерью и ребенком. Технический анализ показал, что художник изначально рисовал пейзажный фон. Рафаэль, возможно, решил, что тёмная обстановка была лучшим фоном для тонкого моделирования его фигур в свете и тени. Картина, вероятно, была сделана в качестве религиозного изображения для приватного богослужения.

Рафаэль (Рафаэлло Санти / итал. Raffaello Santi). Богоматерь с Младенцем ("Мадонна Бриджуотер"). 1507

Название этой работы означает "Мадонна на прогулке" и, вероятно, вдохновлено тем, как Мария и Младенец Христос встретили младенца Святого Иоанна Крестителя во время прогулки по сельской местности. Исосиф смотрит несколько отдалённо. Сцена напоминает популярные истории о жизни святого Иоанна, когда он и Христос впервые встречаются в детстве, когда Святое Семейство возвращается из Египта. Грубая накидка из звериной шкуры молодого святого, деревянный крест и свиток относятся к его взрослым ролям проповедника в пустыне и крещения Христа. Картина, которая иллюстрирует тщательное изучение типов фигур Рафаэлем, может быть написана с помощью его помощника Джанфранческо Пенни.

  Рафаэль (Рафаэлло Санти / итал. Raffaello Santi). Святое семейство встречает младенца Святого Иоанна Крестителя ("The Madonna del Passeggio"). 1515

Эта ранняя работа Тициана изображает три этапа жизни: младенчество, взрослая жизнь и старость. Амур взабрался на спящих младенцев, которые могут вырасти, чтобы быть похожими на молодых любовников справа. Их напряженные и близкие отношения в конечном итоге прервутся смертью, символизируемой двумя черепами, которые созерцает старик. Тициан приглашает нас размышлять о мимолетности или прохождении человеческой жизни и напоминает нам о вечной любви. Для его современников церковь на заднем плане, возможно, сигнализировала об обещании вечной жизни на небесах. Пышный пейзаж дополняет лирическое настроение, перекликаясь с классической и современной пасторальной поэзией.

Тициан (Тициано Вечеллио), итал. Titian (Tiziano Vecellio). Три возраста человека. 1512-1514

Тициан оказал большее влияние на европейскую живопись, чем любой другой художник из Венеции. Его использование цвета и развитие "живописного" стиля живой кисти повлияло на поколения художников. Он преуспел во всех видах живописи, включая алтари, религиозные предметы для личной набожности, темы из классической мифологии, аллегорические произведения и портреты. Яркие чистые цвета и гладкий внешний вид его ранних картин довольно сильно отличаются от более драматических тональных контрастов и ослабленной кисти его поздних работ. Он получал государственные и частные заказы внутри Венеции и от именитых покровителей в других местах. Тициан написал много своих самых знаменитых картин для испанского короля Филиппа II. Художник усовершенствовал этот тип небольшой картины, предназначенной для приватного  богослужения, изображающей Деву Марию и младенца Христа в пейзаже в сопровождении одного или нескольких святых. Яркие цвета и роскошные складки платья Марии бросаются в глаза, а интенсивный синий цвет  отражается в небе и далекой земле. На переднем плане фигура Святого Иоанна Крестителя указывает на агнца, ссылаясь на Христа как "Агнца Божьего". Младенец Христос признает другого святого на коленях, который, вероятно, имел особое значение для заказчика картины.

Тициан (Тициано Вечеллио), итал. Titian (Tiziano Vecellio). Богоматерь с младенцем, святым Иоанном Крестителем и неопознанным святым.1518-1520

Эта мощная, очень эмоциональная и богато окрашенная картина изначально была центральной панелью алтаря, по бокам которой были изображены святой Георгий и святой Христофор. Тело Христа слева было снято с креста в правом верхнем углу. Выступающий на передний план сосуд с мазью принадлежит Марии Магдалине, которая выражает свое горе в драматическом, традиционном жесте рядом с другими святыми фигурами. Двое заказчиков картины носят золотые надписи рыцарского и религиозного ордена Лебедя, основанного в 1440 году курфюрстом Бранденбургским. Орден был особенно популярен во Франконии, где работал художник.

Франконский Мастер.1515

Давид был ведущим художником в Брюгге в конце пятнадцатого века. Его скупулёзные картины маслом с их пристальным вниманием к реалистичным деталям были частично вдохновлены техникой Яна ван Эйка. Большинство картин, созданных в его оживлённой мастерской, были либо алтарями, либо маленькими религиозными картинами для приватного богослужения. Некоторые включали в себя выполненные портреты заказчиков картин. В конце своей карьеры он, возможно, работал вдругой мастерской в Антверпене, которая в начале шестнадцатого века процветала как престижный коммерческий и художественный центр. Святой Николай впервые появляется на картине как новорожденный, чудесным образом стоящий и молящийся. На центральной панели он взрослый, смотрящий в окно дома обедневшего вдовца. Его анонимный денежный подарок обеспечит приданое (брачные подарки) трём дочерям вдовца и спасёт их от нищеты. Наконец, он показан как епископ, возрождающий трёх убитых мальчиков. Святой Николай был в четвёртом веке архиепископом Мирой Малой Азии, который, прославившись своей добротой к детям, впоследствии был связан с Дедом Морозом. Три панели составляли часть пределлы более крупного алтаря (остальные панели находятся в Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в музее Толедо, штат Огайо).

 Герард Давид (нидерл. Gerard David). Три легенды святого Николая. 1500 - 1520

Эта картина является одним из изображений Мадонны с Младенцем, написанных между 1480-1510 годами, которые показывают сюжет в идентичных позах, предполагая, что они были основаны на едином общем источнике, таком как рисунок, который был распространён между несколькими мастерскими художников. Это говорит о том, что в то время был спрос на эту конкретную композицию со стороны меценатов. Предпосылки и детали каждой работы были бы различными, чтобы удовлетворить пожелания отдельных покупателей. Имя этого талантливого художника неизвестно, но он почти наверняка был фламандцем. Его прозвище отражает его характерный способ рисования переднего плана, наполненный цветами и декоративными листьями в дотошной технике, которая напоминает острие иглы. Монограмма "AD", обозначающая Альбрехта Дюрера, однако является более поздним и ложным дополнением.

Мадонна с младенцем в саду. Нидерландский мастер "вышитой листвы" (Master of the Embroidered Foliage). Конец XV - начало XVI века.

Этот, к сожалению, сильно потёртый, но, тем не менее, поэтично наводящий образ олицетворяет многие из нововведений, введенных Джорджоне в венецианскую портретную живопись. Предположительно – хотя это и не однозначный портрет конкретного человека, картина не дает чёткого указания на социальное положение или статус натурщика, как и у Катены, современного, но гораздо более традиционного Портрета молодого человека. Вместо этого художник намеревается вызвать душевное состояние фигуры и внутреннюю индивидуальность посредством преходящего характера выражения лица, поднесения его руки к груди и наклонного представления модели. Модные длинные волосы практически невидимые, они мягко сливаются с фоном, усиливая эффект фигуры, возникающей из окружающей темноты. Особая форма перчатки, которая защищает руку и указательный палец, и даёт подвижность для других пальцев, подтверждает традиционное предположение, что модель действительно является лучником. Напротив, было бы неразумно делать вывод из стиля шляпы, которая была полностью перекрашена и которая, возможно, когда-то представляла собой металлический шлем. Тем не менее, очевидно, что, как это часто случалось с Джорджоне и его непосредственными последователями, костюм всегда выглядел как маскарадный, чтобы натурщик был представленв романтическом облике. В равной степени характерная черта стиля Джорджоне – это способ, которым блестящий нагрудник не просто улавливает отражения света, но служит зеркалом для руки. Это напоминает знаменитый отрывок из "Диалога о живописи" Паоло Пино 1548 года, в котором автор описывает картину Джорджоне со святым Георгием и пейзажем, в которой фигура отражалась в зеркалах с обеих сторон и на потоке на переднем плане. Пино ясно дает понять, что картина была задумана как вклад в дебаты о парагоне, проистекающие из Леонардо да Винчи, об относительных достоинствах искусства поэзии, живописи и скульптуры. Хотя часто предполагалось, что описание Пино было изобретением, разработанным как аккуратная демонстрация превосходства искусства Джорджоне над скульптурой, в последнее время утверждается, что картина действительно когда-то существовала и что "зеркала" на пейзаже были кусочками сияющих доспехов святого. Соблазнительно согласиться с теми экспертами, которые подтвердили традиционное приписывание "Портрета лучника" самому Джорджоне, особенно с учётом высокого качества наиболее хорошо сохранившихся частей руки и нагрудника. Следует также сказать, что ни одно из различных приписываний работы другим художникам, которые были выдвинуты, не получило никакой критической поддержки. С другой стороны, пресловутые проблемы, связанные с авторством Джорджоне, здесь усугубляются плохим состоянием картины. Если описанный Пино "Святой Георгий" действительно существовал, "Портрет лучника" может быть скорее ответом на него, а также на новаторскую портретную живопись Джорджоне, выполненную близким и очень талантливым последователем. В этом случае он может датироваться 1510-1515 гг., Вскоре после ранней смерти Джорджоне, а не в течение короткого периода его художественной зрелости (1500-1510 г.). Рентгенограмма картины предлагает интригующее свидетельство того, что изначально за фигурой был пейзажный фон, по крайней мере, слева. У картины нет определенной истории до того, как она была завещана Галерее леди Рутвен в 1885 году. Однако она вполне может быть идентична той, что была записана в коллекции Йоханнеса и Джейкоба "Ван Вёрт" (Van Veerle) в Антверпене В 1648 году Карло Ридолти описал его как портрет "молодого человека с мягкой гривой волос, в доспехах, в которых отражается его рука; картина изысканной красоты (Джорджоне) ". Она также может совпадать с картиной, приписываемой Джорджоне, перечисленной в инвентаре португальского коллекционера Диего Дуарте в Амстердаме в 1682 году, где она описана как "Портрет в половину роста человека, носящего нагрудник, на котором рука в перчатке. ‘Наконец, картина может соответствовать той, которая была продана на Christie's 30 июня 1827 года (лот 53) как "Джорджоне. Автопортрет. Офицер лучников". Если это так, то, скорее всего, она была куплен алордом и леди Рутвен из Винтонского замка, Пенсайтленд.

Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, известный как Джорджоне (итал. Giorgio Barbarelli da Castelfranco, Giorgione). Портрет лучника. 1510

Кариани был одним из замечательного поколения художников, создававших красочные алтари, религиозные картины и портреты в начале шестнадцатого века в Венеции. Он родился в Бергамо, но переехал со своей семьей в Венецию, где, вероятно, обучался в мастерской Джованни Беллини, как современник Лото и Тициана. Он вернулся в Бергамо на шесть лет (1517-1523), в течение которых написал некоторые из своих лучших работ, в том числе большой алтарь для церкви С. Готтардо (ныне в Брере, Милан). Последний раз он был отмечен в Венеции в 1547 году. На портрете моодой женщины пальмовую ветвь и женскую грудь на блюде идентифицируют молодую женщину как девственную мученицу святую Агату. Согласно легенде, Агата, красивая дворянка, которая жила в Катании, Сицилия, в третьем веке, приняла обет целомудрия. Среди её женихов был римский губернатор, который пытался заставить её повиноваться, приказав отрезать ее грудь. Она чудесным образом спаслась и, как образец мужества и добродетели, стала популярной святой. Поскольку эта чувственная картина соответствует по своему составу и характеру современной венецианской портретной живописи, она, возможно, является идеализированным подобием молодой женщины по имени Агата.

Джованни Буси по прозвищу Кариани (итал. Giovanni Busi, called Cariani). Портрет молодой женщины в образе святой Агаты. 1512-1518

Многогранное искусство Леонардо не поддаются простой классификации. Поистине "универсальный" в своих увлечениях, он был чрезвычайно одаренным художником, скульптором, архитектором, инженером, изобретателем, писателем, музыкантом и естествоиспытателем. Его тетради и рисунки отражают ненасытное любопытство к миру природы. Он отправился из Флоренции, пройдя обучение в мастерской Андреа дель Верроккьо, в Милан, а затем переехал во Францию, где был художником и инженером короля Франциска I. Стремление Леонардо добиться совершенства во всём и экспериментальные методы привели к нескольким реализованным проектам. Его "Мона Лиза" (Лувр, Париж) и "Тайная вечеря" (Санта-Мария делле Грацие, Милан) являются одними из самых известных когда-либо созданных картин. Необычайно большой Младенец Христос сидит на скалистой глыбе рядом со своей матерью и пристально смотрит на пряжу в форме креста, словно уже зная о своем будущем распятии. Нежное выражение лица Богоматери и нерешительный жест усиливают остроту сцены. Эта панель, вероятно, идентична той, которая описана в письме 1501 года, присланном Изабелле д'Эсте, маркизе Мантуи, от ее агента во Флоренции. Это говорит о том, что Леонардо писал его для Флоримонда Робертета, французского министра и дипломата, который имел тесные связи с Италией. Неизвестно, завершил ли Леонардо работу сам и была ли картина когда-либо фактически доставлена ​​Робертте. Учёные расходятся во мнениях по поводу основного участия Леонардо в живописи, но вполне вероятно, что общий дизайн, а также исполнение фигур и камней переднего плана, полностью его. Пейзаж позади, вероятно, был добавлен другим художником, охватывающий один набросок Леонардо, но так и не законченный. В 2003 году картина была украдена из замка Драмланриг, резиденции герцога Букклюха в Дамфрисшире, но, к счастью, была восстановлена ​​в 2007 году.

 Леонардо да Винчи (итал. Leonardo da Vinci). Мадонна с веретеном. 1520-1530

Во время охоты Актеон случайно обнаружил тайное место купания Дианы, богини луны и охоты. Тициан освоил это драматическое воздействие вторжения через динамическое расположение фигур, сверкающего света, интенсивного цвета и анимированной кисти. Череп оленя на постаменте предвещает судьбу Актеона, потому что возмущенная богиня превратила его в оленя, чтобы быть поглощенным его собственными собаками, Картина является одной из серии знаменитых мифологических картин Тициана "Поэзия", созданных для испанского короля Филиппа II. Предметы были основаны на Метаморфозах древнеримского поэта Овидия. Тициан спланировал полотна попарно, сделав "Диану и Каллисто" партнерами этой работы.

Тициан (Тициано Вечеллио), итал. Titian (Tiziano Vecellio). Диана и Актеон. 1556 - 1559

Якопо даль Понте был назван Бассано в честь его родного города Бассано дель Граппа, недалеко от Венеции. Родившись в семье художников, он получил начальное образование от своего отца, а затем учился в Венеции. Там он подружился с Тинторетто и Веронезе. Якопо вернулся в Бассано и руководил семейной мастерской по изготовлению алтарей, картин библейских историй, некоторых портретов и дизайнов для широкого спектра предметов, включая знамёна с церковными книгами. Художник собирал и широко использовал гравюры в качестве ресурса для своих композиций. Бассано предпочитал живые, многолюдные сцены, полные натуралистических деталей. Святое Семейство выражает благодарность посещающим королям и их дарам. Центральная фигура в картине, однако, король в полосатом дублете. Он может быть идентифицирован как портрет покровителя картины, Якопо Гизи. Двое пижонов позади него также могут быть портретами его сыновей. Интерес Бассано к сложным ракурсам предстает в плотно упакованной группе, особенно в фигурах и животных, видимых сзади. Многие детали были основаны на его предыдущих композициях и на его исследованиях с натуры, хотя разрушенная архитектура основана на гравюре Дюрера.

Якопо Бассано (итал. Jacopo Bassano / Jacopo dal Ponte). Поклонение волхвов. 1540

Живопись Бордона сочетает в себе богатый цвет венецианских художников с сознательно витиеватыми композициями художников-маньеристов. Он родился в Тревизо, но учился в Венеции, возможно, в студии Тициана. Там Парис познакомился с центрально-итальянским манерным стилем через таких художников, как Вазари, которые приехали в Венецию для работы над различными проектами. Помимо нескольких лет в Милане и при французском дворе в Фонтенбло, Бордон провел большую часть своей трудовой жизни в Венеции, прежде чем уехать в Тревизо. Он рисовал некоторые религиозные сюжеты, но международную репутацию ему обеспечили мягкие эротические светские картины. На этой картине изображено Святое Семейство, которое отдыхает на обратном пути в Святую Землю после их бегства в Египет, и включает в себя легендарный эпизод первой встречи младенцев Христа и Иоанна Крестителя. Картина, написанная около 1550 года, была высоко оценена в стихах венецианским писателем по искусству Марко Боскини (1660), когда она принадлежала семье патрициев Веньера. Поразительный панорамный пейзаж повторяется в нескольких других зрелых работах художника.

Парис Бордоне (итал. Paris Bordon). Отдых при возвращении из Египта. 1550

Выставочный зал

Якопо Робусти прозвали Тинторетто "маленьким красавчиком" в честь его отца, который был красителем ткани. Он стал одним из самых плодовитых художников Венеции, специализирующихся на масштабных религиозных повествовательных сценах, алтарных картинах, мифологических сюжетах и портретах. Его поразительные сочинения часто бросали вызов условностям из-за преувеличенной перспективы и смелых ракурсов фигур, а его быструю работу иногда критиковали за отсутствие завершенности. Возможно, он учился у Тициана в течение короткого времени. Тинторетто управлял своей мастерской как семейным бизнесом, в котором работали два его сына и дочь. Приглушенная палитра и энергичный мазок на этом портрете типичны для Тинторетто. Как и многие другие портреты художника, он был, по всей вероятности, написан за один присест. Это относительно ранняя работа, датируемая 1550-ми годами.

Якопо Робусти или Тинторетто (итал Tintoretto (Jacopo Robusti). Портрет венецианского джентльмена. 1550-1560

Эта картина Тинторетто была сделана для алтаря часовни семьи Даль Бассо в венецианской церкви Сан-Франческо-делла-Винья. Оттиск алтарного образа в его первоначальном виде был сделан до того, как картину вырезали из рамы. Форма её была выше и изогнута, с летающим ангелом на вершине, держащим терновый венец. Ноги ангела видны в верхней части холста. Ниже вытянутого тела Христа в центре находится тело его обморочной, опечаленной матери. Окрашенный мерцающий свет факела усиливает настроение отчаяния.

Якопо Робусти или Тинторетто (итал Tintoretto (Jacopo Robusti). Мёртвый Христос в гробу. 1563 - 1565

Карраччи были семьей болонских художников, братьев Агостино (1557-1602), Аннибале (1560-1609) и их двоюродного брата Лодовико (1555-1619), которые слыли выдающимися фигурами в конце XVI века в движении против господствующей маньеристской итальянской живописи. В начале своей карьеры они работали вместе, и нелегко выделить их доли, например, в цикле фресок в Палаццо Фава в Болонье (1583-1584). По темпераменту Лодовико был довольно застенчивым человеком, который никогда не добивался реального успеха, в отличие от своего кузена Аннибале. Помимо путешествий в молодости в ходе учебы, недолгого и довольно неприятного пребывания в Риме, Лодовико провёл всю свою жизнь в уютной атмосфере Болоньи, где остается до сих пор большая часть его работ. Тем не менее, он должен быть признан первым художником, который систематически отказывается от стиля позднего маньеризма в пользу нового вида морального и религиозного стиля живописи. Интерпретируя предложения, сделанные кардиналом Палеотти, который проявлял особый интерес к реформе религиозного искусства, Лодовико Карраччи заблаговременно возглавил его обновление. Это было достигнуто путем переоценки природы точно такой, какая она есть, даже когда она кажется простой или неинтересной, но не прибегая к уловкам мозга, использовавшимся последним из маньеристов. Чтобы достичь своей цели, а также рисования, Лодовико уделял большое внимание преподаванию. В 1580-х годах он и его двое двоюродных братьев Аннибале и Агостино открыли свою "Академию деи Дезидерози" (Академия тех, кто желает добиться прогресса). Позже она была переименована в "Academia degli Incamminati" (Академия тех, кто делает прогресс), но всегда была известна просто как Академия Карраччи. Она была ответственна за формирование целого поколения эмильских художников. Доказательство того, насколько сплоченной была группа, стало видно, когда трое двоюродных братьев Карраччи вместе нарисовали фрески в Палаццо Фава. Простота их композиций напоминает стиль Федерико Бароччи, а сладость их выражения напоминает Корреджо. Лодовико покидал Болонью только на короткое время и руководил Академией Карраччи сам после того, как его двоюродные братья уехали в Рим. Его картины очень личные. Живописные и выразительные соображения всегда перевешивают стабильность и спокойный классицизм в его работах, и в его лучшем проявлении есть страстное и поэтическое качество, свидетельствующее о предпочтении Тинторетто и Якопо Бассано. Самый плодотворный период художника был в 1585-1595 годы, но ближе к концу своей карьеры он всё ещё создавал замечательные картины почти экспрессионистской силы, такие как распятый Христос  (Sta Francesca Romana, Ferrara, 1614). Чувствительность Лодовико вытекает из его глубоких познаний венецианской живописи. Его стиль состоял из тонких жестов, застенчивых взглядов и большого количества повествовательной драмы. Особенно в его средних и маленьких картинах этот стиль легко стал лирической поэзией. Среди наиболее важных работ следует упомянуть его юное Благовещение и благородную Мадонну деи Барджеллини (обе в Национальной Пинакотеке  Болоньи). Позже он написал фрески в монастырях С. Мхаила в Боско, недалеко от Болоньи (1604). После смерти своих двоюродных братьев Лодовико написал несколько крупных и довольно печальных композиций, таких как "Похороны Мадонны" в Национальной галерее Пармы и фреска Благовещения на триумфальной арке в Метрополитенской церкви Св. Пьетро в Болонье, законченная в год его смерти.  Картина "Преображение" иллюстрирует мистический эпизод, описанный в трёх Евангелиях, когда Христос продемонстрировал свою божественную природу своим ученикам Петру, Иакову и Иоанну. На далекой горе он преобразился, появляясь в видении, беседующем с ветхозаветными пророками Моисеем и Илией, его лицо излучало свет, а его одежда была ослепительно белой. Ошеломленные апостолы лежат на земле в сложных позах. Это типично духовное произведение ранней зрелости Лодовико Карраччи, написанное примерно в 1588-1590 гг.

Лодовико Карраччи итал. Lodovico Carracci). Преображение. 1588-1590

Несмотря на то, что Агостино Карраччи был высоко оценен как художник, он известен также как один из ведущих печатников своего поколения. Он выполнял репродукции исключительного качества по произведениям многих художников прошлого и современности, в частности Веронезе и Тинторетто, а также на многочисленных гравюрах своего собственного изобретения. Вместе со своим младшим братом Аннибале и их двоюродным братом Людовико, эти три художника были ответственны за глубокое возрождение итальянской живописи в конце шестнадцатого века. Частично это произошло благодаря неформальной академии, которую они основали в Болонье около 1580 года. Карьера Агостиона была прервана его преждевременной смертью в 1602 году. Его картина "Похищение Европы"  написана по "Метаморфозам" Овидия, где Европа, принцесса Тирская, была похищена во время игры на берегу со своими девами всемогущим богом Юпитером в облике быка. Карраччи показывает езду на спине быка в сопровождении тритонов и летающих путти в волшебном пейзаже.Работа была выполнена для члена благородной семьи Фарнезе и некоторые ученые приписывают её более знаменитому брату Агостино Аннибале.

Агостино Карраччи (итал. Agostino Carracci). Похищение Европы. 1595-1600

Бернардино Бутиноне был из Тревильо; и работал в Милане совместно с Бернардо Зенале. Известны только две подписанные работы Бутиноне. На его стиль повлиял Мантенья, затем Фоппа и другие. Это одна из шестнадцати сохранившихся сцен из жизни Христа, похожих по размеру и стилю, которые изначально должны были составлять часть одного алтаря или религиозного образа. Переносной триптих такого типа от Бутиноне, в котором также представлены сцены из жизни Христа, находится в Кастелло Сфорцеско в Милане. Необычный спиральный трон, на котором сидит Христос, может быть намёком на Вавилонскую башню и путаницу связанных с ней языков, над которыми торжествует божественная мудрость Христа.

 Бернардино Бутиноне (итал. Bernardino Butinone). Христос спорит с врачами. 1480 - 1485

Итальянский просветитель, художник и гравер Мармитта жил в Парме и, cогласно Вазари, после обучения живописи, стал гравёром по обработке драгоценных камней, "близко подражая древним". Его картина "Бичевание Христа" отражает действие, которое происходит на возвышении, украшенном низкими рельефами, в то время как в нижних углах два святых созерцают ужасную сцену. Святой Эром, в сопровождении своего льва, схватил камень, которым он в раскаянии бил себя в грудь. Колючие ветки, вырисовываемые на фоне святого Бенедикта, намекают на легенду о том, что в молодости он катался голым в терновой ложе, чтобы избавиться от развратных мыслей.

Франческо Мармитта (итал. Francesco Marmitta). Бичевание Христа со святыми Иеронимом и Бенедиктом. 1495 - 1500

Гертген приехал, вероятно, из Лейдена и поселился в Харлеме, где жил с рыцарями ордена Святого Иоанна. Он не присоединился к Ордену, но взял имя "tot Sint Jans" (у Святого Иоанна) из его монастыря. В редких и очень отличительных картинах Гертген обращается со светом с большой чувствительностью и стилизирует свои фигуры и животных, упрощая их формы и особенности. На этой очень маленькой панели изображен Христос на кресте с мучительными фигурами Девы Марии и святого Иоанна Богослова. Ниже на коленях стоят святой Иероним и святой Доминик, который держит четки. За пейзажем находятся сцены из Страстей Христовых (событий, ведущих к распятию), а справа – пустая гробница. Это даёт надежду и указывает на воскресшего Христа. Панно представляло собой половину диптиха (другая часть находится в Музее Бойманса, Роттердам), отличительная иконография которого связана с доминиканским культом Розария.

Гертген тот Синт Янс (нидерл. Geertgen tot Sint Jans). Распятие со Св. Иеронимом, Св. Домиником и сценами Страстей Христовых. Конец XV - начало XVI веков.

Гольбейн известен в Великобритании своими великолепными портретами Генриха VIII, жён короля и выдающихся деятелей Тюдоровского двора. Его международное признание как художника и рисовальщика было основано на портретах, которые он сделал для голландского ученого Эразма. Гольбейн также писал религиозные и аллегорические сюжеты и работал над большими декоративными проектами. Он родился в Аугсбурге, затем переехал в Базель. Религиозные разногласия в Базеле, возникшие в результате Реформации, и разрушение творчества художников послужили основанием для первого путешествия Гольбейна в Великобританию в 1526 году. Он вернулся навсегда в 1532 году и был назначен придворным художником. Изображения и надписи в Аллегории Ветхого и Нового Заветов содержат нарисованную проповедь. Центральной темой, поощряемой Реформацией, является контраст между неумолимым Законом Ветхого Завета (LEX) слева и прощающей Милостью Нового Завета (GRATIA) справа. Неспособность человека (HOMO) подчиняться заповедям, которые Бог дал Моисею, привела к греху (PECCATUM) и смерти (MORS – скелет). Однако, человек прощен и достигает спасения (VICTORIA NOSTRA) через Распятие и Воскресение Христа. Человек сидит между ветхозаветным пророком Исаией и Иоанном Крестителем, который указывает путь к Христу "Агнцу Божьему" (AGNUS DEI).

Ганс Гольбейн (нем. Hans Holbein the Younger). Аллегория Ветхого и Нового Заветов. Начало 1530-х годов.

Ланино был членом семьи художников Верчелли. Он записан как ученик в 1528 году. Ряд его картин сохранился в Ломбардии. Современный писатель связывает его с художником Гауденцио Феррари, который, возможно, был его учителем. Ланино продолжает традицию Леонардо, переданную Луини. Св. Иоанн указывает на ленту, намотанную вокруг креста, на котором написаны слова "Ecce Agnus Dei" ("вот Агнец Божий") в отношении Христа как жертвенного Агнца Божьего. Сам Агнец появляется справа в сиянии славы. Поза Святого Иоанна основана на дизайне Леонардо да Винчи (1452 - 1519).

Бернардино Ланино (итал. Bernardino Lanino). Святой Иоанн Креститель в пустыне. 1550

Воспитанником Вазари был так же и академик Якопо, сын мастера Пьеро Цукки, флорентийский юноша, которому минуло не то двадцать пять, не то двадцать шесть лет. После того как он, помогая Вазари в большей части дворцовых росписей и, в частности, в росписи главной залы, настолько преуспел в рисунке и умении обращаться с красками, потратив на изучение своего искусства немало трудов и настойчивости, его смело можно причислить к первым из молодых живописцев Академии. Произведения, которые он выполнил самостоятельно для похорон Микеланджело, для свадебных торжеств светлейшего синьора князя, а также для разных своих друзей и в которых он проявил ум, смелость, находчивость, грацию и хороший вкус, заставили всех признать в нем талантливого юношу и мастера своего дела, но еще большее признание обеспечат ему те произведения, которые он создаст в будущем и которые прославят его родину так, как ни один другой живописец никогда ее не прославлял. Эта сцена показывает,как Вулкан и его помощники Циклопы ковали оружие для богов, а Минерва стояла справа. Алмаз, увенчивающий щит Минервы, является эмблемой семьи Медичи, и эта картина, возможно, была написана около 1565 года для Франческо Медичи (великого князя с 1574 года), который увлекался металлургией и алхимией.

Якопо Цукки (итал. Jacopo Zucchi). Минерва в Кузнице Вулкана. 1565

Вазари имел весьма успешную и плодотворную карьеру в качестве художника, рисовальщика, дизайнера и архитектора, но сегодня он наиболее известен как автор новаторской "Жизни самых прекрасных художников, скульпторов и архитекторов" (1550; расширенное издание, 1568). Эта повествование заработало ему репутацию отца истории искусства. Он был одним из ключевых представителей высокого маньеризма в Италии в середине шестнадцатого века и ему приписывают основание своего официального стиля двора Козимо Медичи во Флоренции. Вазари  работал как в Риме на Папу, так и на ряд частных заказчиков. В течение своей жизни Вазари пользовался репутацией счастливого и великого художника, однако сегодня его работы не пользуются таким же уважением. Эта панель представляет собой небольшую точнцю копию алтаря, написанного в 1566-7 годах для вновь избранного Папы Римского Пия V, предназначенного для погребальной часовни Папы в церкви Санта-Кроче в его родном городе Боско Маренго в Пьемонте. Эскиэ для него находится в Уффици, Флоренция. Недавние исследования показали, что эта небольшая версия была почти наверняка написана для близкого друга Вазари Винченцо Боргини, до этого во Флоренции, в больнице под названием Феделинг.

 Джорджо Вазари (итал. Giorgio Vasari). Поклонение волхвов. 1566 - 1567

Морандини был художником-маньеристом, работавшим во Флоренции, который получил имя Il Poppi за сво место рождения. Обучающийся и сотрудничающий с художником и биографом, Джорджо Вазари (1511 - 1574), он также был учеником Винченцо Боргини. Морандини помогал обоим учителям в их работе в Студии Франческо I в Палаццо Веккьо во Флоренции. Он сделал вклад в два холста "Александр Великий и Кампаспе в студии" и "Литейный цех".Среди других его задокументированных работ – алтарь в церкви Сан-Франческо в Прато и работа с Джованни Баттиста Налдини (1537 - 1591) в часовне Сальвиати в церковном комплексе Сан-Марко во Флоренции. Его работа в часовне включала полотно "Христос исцеляет прокаженных". Из работ Морандини в галерее Уффици можно видеть "Три грации". В классической мифологии Золотой Век был первым и самым идиллическим из четырёх веков мира, за которым следовали Серебряный, Бронзовый и Железный. Вверху этой панели Четыре Сезона находятся по бокам от символа Овна, первого знака зодиака. Ниже множество фигур пользуются преимуществами этой обильной и гармоничной эпохи. Композиция следует за рисунком Джорджо Вазари, находящимся в Лувре, который в свою очередь иллюстрирует программу, написанную Винченцо Боргини. Картина была сделана по заказу великого князя Франческо Медичи, Поппи, который был одним из самых талантливых учеников Вазари. Правление Медичи, как говорили, принесло второй Золотой Век во Флоренцию.

Франческо Морандини по прозвищу Поппи (итал. Francesco Morandini, called Poppi). Золотой век. 1567 - 1568

Голландским художник Блумарт учился в Утрехте и Париже, а в 1597 году стал гражданином Амстердама, с 1611 года он работал в Утрехте, где, предположительно, жил до своей смерти. Работал в разных жанрах, от религиозной живописи до натюрморта, и был очень знаменит. Блумарт оказал большое влияние на развитие голландской живописи. Среди его многочисленных учеников Ян Боут со своим братом Андриесом, Джейкобом Кейп, его сын Альберт Кейп, Ян Баптист Веникс и Николаус Кнупфер. Соединив в своем творчестве традиции голландской и фламандской школ живописи, он писал картины на исторические темы, портреты, жанровые сцены и пейзажи. Многочисленные гравюры и гравюры на дереве, созданные по его произведениям, отражают художественные устремления художника. Манера работы художника с цветом напоминают работы маньеристов шестнадцатого века. Большая часть сохранившихся картин Блумерта хранится в Музее изобразительных искусств Сан-Франциско, в художественных галереях Берлина и Лувра. Блумарт написал эту недавно обнаруженную работу "Чудо с хлебами", вероятно, вскоре после своего пребывания в Амстердаме в 1591- 1592. Типичная картина маньеризма, главная сцена разворачивается на среднем расстоянии. История описана во всех четырех Евангелиях. Христос чудесным образом накормил пять тысяч своих последователей всего пятью хлебами и двумя рыбами. Сцена обрамлена и частично скрыта монументальными витыми фигурами на переднем плане, смоделированными в резких контрастах света и тени и кислотных цветов. Картина имеет необычную структуру, так как оригинальный холст был приклеен к дереву, вокруг которого пронумерованы надрезы (видны внизу слева). Вероятно, они предназначались к передаче композиции для печати.

 Авраам Блумарт нидерл. Abraham Bloemaert). Чудо с хлебами (Иисус кормит пять тысяч). 1593

Голландский художник Пауль Бриль работал в Риме, где он стал известным благодаря своим творческим пейзажам. Он прибыл в город в 1582 году, отправившись из Антверпена, чтобы присоединиться к своему старшему брату Маттию. Пауль последовал примеру Маттиса, делая подробные наброски классической архитектуры, которые он включил в свои картины. Бриль работал на различных материалах, в том числе фресках и небольших картинах на меди. Он вдохновил многих североевропейских художников посетить Рим, распространяя свое влияние на них и на отпечатки, сделанные после его работы. Иногда Бриль использовал визуальный каламбур пары очков («bril» на голландском языке) в качестве своей подписи. Эта небольшая картина на меди является прекрасным примером воображаемых пейзажей Бриля. Он использовал установленное соглашение о разделении далекой перспективы на цветные полосы, чтобы предложить идею отступления от теплого коричневатого переднего плана до более светлого зеленоватого среднего и более холодного синего фона. Бриль также сочетал в себе элементы своей родной нидерландской ландшафтной традиции, такие как извилистые стволы деревьев, скалистые обнажения и крутая долина реки, с его интересом к классическим фрагментам и архитектурным руинам. Живые фигуры обеспечивают яркие акценты и некоторый человеческий интерес.

Пауль Бриль (нидерл. Paul Bril). Фантастический пейзаж. 1598

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Доменикос Теотокопулос родился на Крите и стал известен как Эль Греко ("грек") в Испании, где он утвердил свою репутацию художника с оригинальным и самобытным стилем. На Крите он обучался византийской традиции иконописи. Затем переехал в Венецию, где разработал более свободную обработку краски, вдохновленную Тицианом и Тинторетто. Он также провел несколько лет в Риме, прежде чем уехать в Испанию. Эль Греко поселился в культурном центре Толедо и создал множество картин, начиная от алтарей и заканчивая портретами. Половинная фигура Христа, смотрящая прямо на нас с поднятой в благословении правой рукой, является традиционной формой композиции. Несмотря на позднюю работу, этот холст напоминает византийскую иконопись молодости Эль Греко. Художник включает хрустальную сферу или глобус, олицетворяющий мир; чаще такие картины содержат книгу Священных Писаний. Его плавный мазок и широкое использование белого превосходно передают идею божественного света. Картина, возможно, стала частью популярной в Испании серии, изображающей Христа и двенадцать апостолов.

Эль Греко (англ. Domenikos Theotokopoulos). Христос благословляющий (Спаситель Мира). 1600

Эта недавно обнаруженая картина когда-то входила в состав знаменитых коллекций семьи Фарнезе и, вероятно, была написана в самом конце карьеры художника, когда он работал у герцога Рануччо Фарнезе в Парме (1600-1602). Женщина слева, держащая сноп пшеницы и гроздь винограда, представляет достаток или изобилие. Из двух подготовительных рисунков мы знаем, что фигура справа была предназначена для того, чтобы держать крылатого скипетра или кадуцея, эмблему Мира. Сама картина не совсем закончена – возможно, прервана внезапной смертью Агостино – и видна только нижняя ручка кадуцея. На заднем плане видно, как армия отступает в укрепленную цитадель. Основная идея аллегории связана с преимуществами, которые можно получить от мирного правительства.

Агостино Карраччи (итал. Agostino Carracci). Аллегория Изобилия и Мира. 1601 - 1602

Доменико Дзампьери, прозванный современниками Доменикино, родился в семье сапожника на севере Италии в Болонье. Он начинал с гуманитарных наук, но вскоре больше заинтересовался искусством, чем риторикой или грамматикой. Его биограф Мальвазия (Malvasia) сообщает, что мальчик постоянно красил стены и наблюдал за художниками, пока его отец не разрешил ему брать уроки живописи. Денис Кальварт становится его учителем, а Гвидо Рени и Франческо Альбани – его одноклассниками. Первые самостоятельные работы принесли успех и материальное благополучие. В Риме он украсил фресками ораторию св. Андрея в церкви Сан Грегорио и собор Сант Андреа делла Валле. Это были лучшие работы мастера. Его картина "Поклонение пастухов" рассказывает, как группа очарованных пастухов, призванная ангелом, собралась вокруг, чтобы полюбоваться новорожденным младенцем Иисусом. Ребенок окружён божественным светом, который омывает сцену тёплым сиянием. Один ранний источник описал эту картину как копию утраченной работы мастера Доменикино, Аннибале Карраччи. На самом деле, композиция принадлежит Доменикино, хотя на неё сильно повлиял Карраччи. В то время, когда эта картина была сделана, Доменикино всё ещё часто посещал мастерскую Карраччи в Риме.

Доменико Дзампьери по прозвищу Доменикино (итал. Domenico Zampieri). Поклонение пастухов. 1607 - 1610

Гверчино был очень оригинальным и лирическим художником и рисовальщиком. Он родился с именем Джованни Франческо Барбьери в Ченто под Болонью (его прозвище "Гверчино" означает "косоглазый"). Он был в основном самоучкой, но находился под сильным влиянием смелой живописи фигур семьи Карраччи и драматического кьяроскуро (свет и тень) Караваджо. Гверчино в основном работал в Ченто, ненадолго посещал Рим (1621-1623) и писал широкий круг сюжетов, делая множество изысканных рисунков красным мелом и чернилами. Он преуспел в смелом ракурсе. После смерти своего главного конкурента Гвидо Рени в 1642 году он перенес свою мастерскую в Болонью. Изображённая по пояс сидящая Богородица, спящий Младенец Христос и Иоанн Креститель представлены в драматическом крупном плане. Они не идеализированы и моделируются в сильно контрастирующем свете и тени. Интенсивная окраска и смелый ракурс, особенно на руке Богородицы, указывают на надпись на свитке баптиста "Ecce Agnus Dei" ("Вот Агнец Божий"), характерные для раннего стиля Гверчино. Поза Христа, спящая на белой ткани, сознательно намекает на более поздние события, когда его мать поддерживает его мертвое тело, как это изображено в сценах, известных как пиета или плач по мертвому Христу.

Джованни Франческо Барбьери по прозвищу Гверчино (итал. Giovanni Francesco Barbieri, Guercino). Богоматерь с младенцем и дитём Иоанном Крестителем. 1615 - 1616

Прокаччини зарекомендовал себя как ведущий художник в Милане, сначала обучаясь и работая скульптором. Он родился в Болонье, но в детстве переехал в Милан со своей семьей. Его отец и старшие братья тоже были художниками. Для драматических религиозных картиных Джулио характерны смелый ракурс и многочисленные фигуры. Их прочные формы относятся к его опыту скульптурных проектов. На него также оказал влияние Рубенс, с которым он познакомился во время работы в Генуе, и эффект этого знакомства очевиден в его более поздней работе для суда Савойи в Турине. В работе "Воздвижение Креста" впечатляющая диагональ измученного тела Христа на кресте обеспечивает мощный фокус для эмоционально заряженной и физически энергичной композиции. Театральное освещение усиливает боль и силу сцены, освещая, например, раны Христа и лицо Марии, поражённое горем. Вспышки яркого цвета: глубокие синие, красные и зеленые оттенки усиливают его воздействие. Эта работа, возможно, была выполнена как одна из нескольких сцен из Страстей Христовых, созданных Прокаччини между 1615 и 1620 годами. Однако их предполагаемое местоположение и возможный заказчик неизвестны.

Джулио Чезаре Прокаччини (итал. Giulio Cesare Procaccini). Воздвижение Креста. 1615 - 1620

Ван Дейк, пожалуй, наиболее известен своими великолепными и элегантными портретами, которые он писал о британской аристократии, когда был придворным художником короля Карла I. Он учился в Антверпене и работал в студии Рубенса в качестве ассистента. Его выдающиеся таланты были признаны и поощрены Рубенсом, который назвал его своим "лучшим учеником". Ван Дейк разработал свой роскошный портретный стиль во время, проведенное в Италии, а также написал впечатляющие религиозные, аллегорические и мифические произведения. Вернувшись в Антверпен на несколько лет, Ван Дейк переехал в Лондон в 1632 году, приняв приглашение короля работать у него, и оставался там до конца своей короткой, но блестящей карьеры. Будучи молодым художником, Ван Дейк провел шесть лет в Италии, с 1621 по 1627 год. Он останавливался в богатом порту Генуи, где писал роскошные портреты местной знати. Трактовка этого сюжета необычна, потому что святого Себастьяна обычно изображают пронзённым стрелами. Согласно легенде, он был членом гвардии римского императора Диоклетиана и был приговорён к смерти за то, что принял христианство. Здесь Ван Дейк изобразил не само мученичество, а момент до того, когда святой готовился к своему ужасному концу. Художник нарисовал несколько версий этого сюжета около 1620-21. В представленной версии атлетически сложенный юноша выделяется среди других фигур, его небесный взгляд подчеркивается драматичной красной драпировкой. Картина недавно была законсервирована.

Антонис Ван Дейк (нидерл. Anthony van Dyck). Святой Себастьян на пути к мученичеству. 1620-1621

Это самый грандиозный и амбициозный портрет Ван Дейка того времени, написанный для семьи Ломеллини. Джакомо Ломеллини был дожом Генуи (главой правительства города) с 1625 по 27 гг. Он не появляется здесь, потому что портреты дожа в офисе были запрещены, чтобы помешать личной рекламе. Двое старших сыновей Джакомо стоят рядом с его второй женой и двумя детьми. Это великолепный образ семейной гордости и престижа, предвосхищающий портреты королевской семьи Ван Дейка для Карла I.

Антонис Ван Дейк (нидерл. Anthony van Dyck). Семья Ломеллини. 1625-1627

Джованни Серодине принадлежал к семье художников из Асконы, откуда его отец, каменщик Кристофоро Серодине, переехал в Рим. Строгие композиции Джованни непосредственно восходят к Караваджо и сильно отличаются от грубого веризма его северных последователей. Пронизывающий свет выявляет палитру художника, в которой преобладают коричневые и красноватые тона, напоминающие Рубенса. По формальным качествам картины Серодине близки также работам Фетти и Строцци, что, впрочем, отрицает Р. Лонги. Серодине завоевал популярность как мастер "полу-фигур". В его произведениях проявляется сходство с ранними работами Рибера.Возвышенное и одинокое искусство Серодине не нашло последователей. С этой точки зрения оно сопоставимо лишь с искусством Танцио да Варалло, отличным по стилю, но близким по своей духовности.  На картине "Дань деньгами" изображена сцена, когда Фарисеи пытались обмануть Христа, чтобы он осудил Рим, спросив его, является ли этично платить дань (налог) Цезарю. Увидев, что их монета с рельефом головы Цезаря и поняв их злой план, Христос ответил: "Итак, отдай Цезарю вещи, которые принадлежат Цезарю; а Богу то, что принадлежит Богу". Здесь рука Христа указывает ​​на небеса, направляя интриганов на праведный путь. Тесная группировка фигур и отсутствие идеализации типичны для работы Серодина. На этой картине, выполненной по заказу Асдрубале Маттеи в 1625 году, есть кулон с изображением Святых Петра и Павла (Национальная галерея искусств, Рим).

Джованни Серодине (итал. Giovanni Serodine). Дань деньгами. 1620 - 1630

Известность Халса основывается на его ярких и оживленных портретах, хотя он также писал некоторые религиозные произведения и жанровые сцены. Художник работал почти всегда в Харлеме, где развил замечательную беглость в живописи и достиг ощущения непосредственности и спонтанности благодаря своему анимированному письму. Это неизменно сочеталось с анимационными композициями, особенно в групповых портретах членов гражданской охраны и городских регентов. Он прожил долгую и продуктивную жизнь и сегодня особенно известен своими сериями крупномасштабных групповых портретов, выполненных для его родного Харлема. Работой Халса восхищались такие художники, как Мане и импрессионисты в девятнадцатом веке. Этот портрет взъерошенного мужчины с большими усами и челюстной костью поражает воображение. Он также показывает замечательную способность Халса ярко передать внешность и характер. Моделью, вероятно, является Питер Вердонк, видный член наиболее пуританской группы меннонитов в Харлеме, который был агрессивным и спорящим. Его словесные нападения считались такими же сильными, как удары, которые библейский персонаж Самсон наносил челюстной костью; на самом деле, современная гравюра на портрете включала надпись "Вердонк, откровенный парень, чья челюсть нападает на всех". Вердонк был преобразован в девятнадцатом веке с беретом и рюмкой, но эти дополнения были удалены в 1928 году.

 Франс Халс (нидерл. Frans Hals). Питер Вердонк (Pieter Verdonck). 1627

Вдохновленный классическими идеалами античного искусства и работ Рафаэля Пуссен стремился достичь чистого и благородного стиля живописи. Он родился в Нормандии, он учился в Париже, прежде чем приехать в Рим в 1624 году. Помимо краткого возвращения в Париж (1640-42) он оставался в Риме. Никола не нанимал помощников и предпочитал рисовать для частных меценатов, итальянцев и французов, которые разделяли его научные и художественные интересы. Работы художника оказали глубокое влияние на французскую академическую живопись. Формальная структура и строгость его композиций, однако, продолжали вдохновлять современных художников. В работе " Мистический брак святой Екатерины" фигуры расположены по всей картине, как в классическом скульптурном фризе. Их пространная фундаментальность и богато окрашенные одежды отражают влияние Рафаэля и Тициана на ранние работы Пуссена в Риме. Святая Екатерина Александрийская получает кольцо, символизирующее её духовный брак со Христом. Она была крещена христианкой (предположительно в четвертом веке) и отказалась выйти замуж за римского императора. Его пытали на колесе (в честь которого назван фейерверк "Колесо Екатерины"), но оно чудесным образом сломалось. Затем её  обезглавили. Пальмовая ветвь и меч символизируют её мученичество. Необычно то, что картина написана на пяти дубовых панелях, а не на холсте.

 Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Мистический брак святой Екатерины. 1628 - 1629

Андреа Сакки, также известный как Андреа Уче, Андреа Сакки, Андреа Сакко, Андрес Сако, Андреа Соухи, был итальянским художником барочного классицизма. Сначала Сакки был сыном учился у своего отца  Бенедетто Сакки, а затем стал учеником  Франческо Альбани в Болонье. В 1621 году Андреа вернулся в Рим, где жил до самой смерти. Он изучал Рафаэля, Полидоро да Караваджо, Алессандро Альгарди, Франсуа Дукесного и древних художников, на которых его будущая работа оказала глубокое влияние. Он жил примерно в то же время, что и Пьетро да Кортона и Джан Лоренцо Бернини, чью школу не очень любил. Андреа придерживался мнения, что историческая живопись должна иметь меньше фигур, чтобы сохранить простоту и ясность классического искусства. Школа Кортоны, с другой стороны, состояла из "просто украшения быстрой живописи", как пишет Джейкоб Буркхардт в своем Цицероне в 1855 году. Кортона яростно отверг это обвинение в созданной им Академии живописцев, скульпторов и архитекторов "Академия Сан-Лука", подчеркнув свою убежденность в том, что картины высокой сложности и множества деталей более  превосходны. Мнение Сакки было поддержано его друзьями, скульптором Алессандро Альгарди и художником Николя Пуссеном. Так  называемый академический стиль Сакки занял лидирующую позицию в мире искусства к концу 17-го века – в значительной степени при поддержке ученика Сакки Карло Маратти. Сакки работал с 1636-1649 гг. над заказом  кардинала Анджело Джиори, для которого он написал цикл из восьми картин, изображающих сцены из жизни Иоанна Крестителя. Для кардинала Барберини Андреа работал над алтарными фигурами в церкви Святой Марии делла Консезионе в Риме. Сакки был также активным архитектором и спроектировал 1637-1639 гг., например, часовню Святой Екатерины в Сиене, имел глубокие знания как художник и дизайнер. Его картина повествует о том, как святого Антония чудесным образом перевезли из Падуи в северной Италии в Лиссабон в Португалии, где его отца ложно обвинили в убийстве юноши. Святой выкопал из земли мёртвое тело, воскресил юного человека и велел ему доказать невиновность отца. Это уменьшенная копия алтарного образа, написанного в 1633-1634 годах для часовни в недавно построенной церкви капуцинов Санта Мария делла Консезионе в Риме.

 Андреа Сакки (итал. Andrea Sacchi). Святой Антоний Падуанский воскрешает мертвеца. 1635

Испанский художник, представитель севильской школы живописи, Франси́ско де Сурбара́н родился в городке Фуэнте-де-Кантос (провинция Эстремадура). Учился в Севилье, в школе Хуана де Роэласа. В 1617-1618 годах Сурбаран жил и работал в небольшом городке Эстремадуры – Льеренне, затем вернулся в Севилью и до 1633 года непрерывно жил там. В 1634 году художник совершил путешествие в Мадрид, где получил титул придворного живописца. В Мадриде, во время работы над украшением недавно построенного дворца Буэн-Ретиро, мастер отошёл от религиозной тематики – им был написан цикл из десяти полотен, изображающих подвиги Геркулеса (ныне в музее Прадо), а также историко-монументальное полотно "Оборона Кадиса". Изучение работ великих итальянских живописцев и общение с другими видными мастерами, работавшими в столице, обогатило творчество художника. После возвращения в Севилью он написал прекрасную серию картин для монастыря в Хересе – наиболее известны "Благовещение", "Рождество" и "Поклонение волхвов". Главный вклад Сурбарана в искусство барокко – необыкновенный сплав мистического и реального, будь то религиозная живопись, портрет или натюрморт. Фигуры изображённых им персонажей тщательно моделированы как трехмерные объемные статуи. В его картинах на религиозные сюжеты нашли отражение тишина, уединенность и созерцательная отрешенность испанских монастырей XVII века. Для полотен Сурбарана характерны аскетическая простота образов, строгая упорядоченность и оригинальность композиций, смелое использование глубоких темных тонов. В основе многих его работ лежат искусно переработанные сюжеты фламандских гравюр. В картине "Непорочное зачатие Богородицы" речь идёт не о зачатии Христа, а о чудесном зачатии Девы в утробе её матери Анны. Эта тема была очень популярной в Испании в тот период и для неё были разработаны сложные образы, взятые из библейской Книги Откровения. Включение в образ родителей Девы, Иоакима и Анны, необычно. Этот алтарь, возможно, был написан для картезианского монастыря в Херес-де-ла-Фронтера, недалеко от Кадиса.

Франсиско де Сурбаран (исп. Francisco de Zurbarán). Непорочное зачатие Девы Марии и святые Анна с Иоакимом. 1635 - 1640

Гверчино был очень оригинальным и лирическим художником и рисовальщиком. Он родился под именем Джованни Франческо Барбьери в Ченто, недалеко от Болоньи (его прозвище "Гверчино" означает "косоглазый"). Художник был в основном самоучкой, но находился под сильным влиянием смелой живописи Карраччи и драматического распределения свтотени Караваджо. Гверчино в основном работал в Ченто, ненадолго посещал Рим (1621-3) и писал широкий круг сюжетов, делая множество изысканных рисунков красным мелом и чернилами. Он преуспел в смелом ракурсе. После смерти своего главного конкурента Гвидо Рени в 1642 году он перенес свою мастерскую в Болонью

Гверчино (Джованни Франческо Барбьери); итал. Guercino (Giovanni Francesco Barbieri). Святой Пётр кающийся. 1639

Интерьер галереи

Рени был, вероятно, одним из самых успешных и востребованных итальянских художников своего времени, хотя и славился своим трудным и темпераментным характером. Его картины сочетают элегантные и изящные фигуры с натуралистическими деталями и фактурами. Он родился в Болонье и обучался сначала у фламандского художника Дени Кальваэрта, а затем у Карраччи. Рени переехал в Рим в 1601 году, где создал себе репутацию с помощью различных заказов, включая фрески, алтари и станковые картины. По возвращении в Болонью в 1614 году он продолжал работать на выдающихся итальянских и иностранных покровителей. Сюжет картины с фараоном не определён, но кажется, что речь идёт о младенце Моисее, держащем корону властелина как раз перед тем, как растоптать её. Это действие символизирует его неприятие правления фараона над изгнанными израильтянами. Бледная пастельная окраска и плавная, отрывочная, кажущаяся незаконченной, техника – общие черты поздних работ Рени. Возможно, он намеревался дать некоторые детали, такие как вытянутая нога молодого Моисея, больше отделки, но это ни в коем случае не обязательно. Видимая земля бледного коричневого цвета помогает определить тени и полутона. Картина была, вероятно, среди тех, которые остались в мастерской художника, когда он умер.

 Гвидо Рени (итал. Guido Reni). Младенец Моисей с короной фараона. 1640

Пьетро Новелли (итал. Pietro Novelli) был итальянским художником периода барокко, работавшим в основном в Палермо. Родился в Монреале в семье художника Пьетро Антонио Новелли, ставшего его учителем и наставником. В 1618 году вместе с отцом и учеником Вито Каррера переехал в Палермо. Свою первую картину под названием "Св. Антоний Аббат" он написал в 1626 году для церкви Святого Антония. Стилем исполнения он во многом обязан Энтони ван Дейку, который посетил Сицилию в 1624 году и занимался росписью алтаря в одной из церквей Палермо. Также заметное влияние на Новелли оказали последователи Караваджо, в частности, Хосе де Рибера, работавший в основном в Неаполе. В своем родном городе Монреале Новелли занимался росписью св. Зиты, а также писал "Брак в Кане" для трапезной бенедиктинского монастыря. Пьетро Новелли умер в Палермо, передав мастерство ученику Франческо Маджотто. Насильственная тема "Каин, убивающий Авеля" стала популярной в начале семнадцатого века, особенно среди последователей Караваджо, чье влияние заметно здесь в драматическом освещении и смелых ракурсах. Авторство этой картины широко обсуждается, но её тесная связь с картиной "Каин, спасающийся от мёртвого Авеля", ранее находившейся в коллекции Корсини во Флоренции, а теперь в "Национальной галерее искусств" в Риме, уже давно распознан. Эта картина была недавно убедительно приписана сицилийскому Пьетро Новелли.

 Пьетро Новелли (итал. Pietro Novelli). Каин, убивающий Авеля. Вторая четверть XVII века.

Рембрандт, пожалуй, самый известный, влиятельный и изобретательный из всех голландских художников. В своих картинах маслом он представлял широкий спектр сюжетов, включая отдельные портреты, групповые портреты, автопортреты и библейские и мифологические сцены. Художник исследовал драматический потенциал света и тени не только с помощью картин, но и с помощью своей инновационной графики (гравюры) и плавного, изобретательного рисования. Рембрандт начал свою карьеру в своем родном Лейдене. После переезда в Амстердам он пользовался большим успехом, который продолжался на протяжении всей его долгой карьеры. К концу своей жизни он испытывал личные и финансовые трудности, но оставался уважаемым художником до своей смерти в 1669 году. В этом необычном автопортрете привлекает внимание пристальный взгляд Рембрандта. Влияние времени и опыта написаны на его лице, в котором он открыл для себя тонкую окраску и текстуру стареющей кожи с поразительной объективностью. Художник оставил более восьмидесяти картин, офортов и рисунков автопортретов, которые отражают его внешность на протяжении всей его карьеры и отражают что-то из его изменяющихся состояний. Они также подтверждают его замечательную творческую энергию даже в условиях личного кризиса. К тому времени, когда он написал эту работу, в 1655 году, Рембрандт переживал большие личные и финансовые трудности.

 Рембрандт Харменс ван Рейн (нидерл. Rembrandt Harmensz van Rijn). Self-portrait.1655

Бачиччо был опытным художником портретов, алтарей и фресок. В раннем подростковом возрасте он переехал из Генуи в Рим, где познакомился с известным скульптором и архитектором Джованни Лоренцо Бернини, который помог ему в дальнейшей карьере. Самым важным поручением Бачиччо в Риме была роспись потолка в церкви святого имени Иисуса (Иль-Джезу), главной церкви иезуитов. Это дало репутацию Бачиччо  выдающегося художника крупных декоративных схем. Его многочисленные портреты, которые, как говорят, включают семь пап, показывают, что он одинаково талантлив в создании неотразимых исследований характера. Драматическое освещение и темный фон способствуют мощному влиянию портрета. Портрет Джованни Лоренцо Бернини был сделан примерно в 1675 году, когда Бернини было за семьдесят и в нем запечатлён выдающийся облик блестящего и сложного скульптора и архитектора. Бачиччо, который, по словам его биографа, поощрял своих натурщиков двигаться и говорить, пока он их рисовал, ловко уловил настороженность старшего художника и оживленный жест его руки, появляющийся из складок его плаща. Эта картина стала образцом гравированного фронтисписа для биографии Балниуччи о Бернини и официального портрета Бернини в Римской академии Святого Луки.

Джованни Баттиста Гаулли, по прозвщу Бачиччио (итал. Giovanni Battista Gaulli / Il Baciccio). Портрет Джованни Лоренцо Бернини (1598 - 1680). 1675

Выставочный зал

Эта стена выставочного зала украшена портретами работы нидерландских художников Саломона де Брая и его сына Яна. В центре портрет близнецов Клары и Альберты Брай. Близнецы были детьми племянника художника, адвоката Саймона де Брая. Картина, вероятно, была написана, чтобы отпраздновать крещение детей. Медальоны, которые они оба носили, традиционно давались крестными родителями. Колыбель в форме раковины в стиле барокко также может быть символом крещения. Портреты живых младенцев (вопреки портретам на смертном одре) были весьма необычны в голландской живописи XVII века. Слева портрет неопознанного мужчины, одетого в обмундирование темного цвета, типичного для голландского бюргера, оживлён его румяным цветом лица и ярко-белым воротником. Его возраст, сорок семь лет, записан на картине, которая также подписана и датирована 1662 годом. Справа женщина – единственная дама в группе де Брая из четырех портретов голландской семьи в Шотландской национальной галерее. Надпись в левом нижнем углу панели гласит, что ей сорок семь лет, и что портрет был написан в 1663 году. Её круглые черты воодушвлены, а её глаза обладают жизненной силой, свидетельствующей о мастерстве де Брая как портретиста. Чепчик на голове почтенной дамы указывает на положение замужней женщины. Рядом с женским портретом  изображен младший сын семейной группы. Очень слабая надпись гласит, что ему семь лет, и что де Брай написал его в 1663 году. Это был тот же год, когда был сделан портрет его матери. Под мужским портретом мы видим мальчика, который являлся старшим сыном мужчины и женщины. Сходства лица между ним и его отцом и младшим братом очевидны; у них одинаковые выпуклые глаза, тяжелый лоб и округлый подбородок. Надпись гласит, что он был написана в 1662 году, когда мальчику было одиннадцать лет. Все четыре портрета этой семейной группы изначально были написаны на прямоугольных панелях, а позже разрезаны на овалы. Не известно, были ли какие-либо другие члены этой семьи, которых нарисовал де Брай. Очень немногие группы отдельных семейных портретов, таких как этот, сохранились до наших дней.

Саломон де Брай нидерл. Salomon de Bray) и Ян де Брай (нидерл. Jan de Bray)

Близнецы Клара и Альберт Брай. 1646; Портрет мужчины, Портрет мальчика, Женский портрет. 1663

Кальваерт переехал из Антверпена в Болонью, где его маленькие красочные религиозные картины на меди стали особенно популярными. Возможно, он ввел этот тип живописи в город, который стал его домом примерно с 1560 года. Он сосредоточился на религиозных темах, создавая большие алтари в дополнение к небольшим подробным и весьма законченным работам. Кальваерт оказал сильное влияние на молодое поколение болонских художников, таких как Гвидо Рени и Доменикино, через свои собственные картины и основанную им академию. В этой работе Святое Семейство отдыхает во время Бегства в Египет, в то время как ангелы дают освежающие фрукты и родниковую воду. Младенец Христос благословляет младенца Иоанна Крестителя, чей тростниковый крест перекликается с деревянным крестом, появляющимся в чудесном видении выше. Путти выходит из отверстия в облаках над горным ландшафтом, держа в руках инструменты Страстей Христовых: крест и гвозди и колонну, на которой его бьют. Гладкий медный лист, на котором написано это произведение, обеспечил идеальную поверхность для плавного стиля Кальваерта, усиливая светящиеся цвета и отделку, напоминающую драгоценные камни.

 Денис Калверт (итал. Denys Calvaert). Святое Семейство с младенцем Иоанном Крестителем на пейзаже. 1590 - 1600

Франческо Ванни (1563-1610) был ведущим художником в своей родной Сиене около 1600 года, а также гравером и издателем. После обучения у своего отчима Арканджело Салимбени, Ванни отправился в Болонью, где, возможно, был учеником Бартоломео Пассаротти. Затем он переехал в Рим, но к 1590-м годам вернулся в Сиену, работая в церквях и братствах. Ванни вернулся в Рим, оставаясь примерно с 1600 по 1604 годы, где у него было много заказов, в том числе от Папы Климента VIII для монументального алтаря базилики Святого Петра. Святая Екатерина Сиенская, одетая на доминиканский манер и держащая лилию, получает терновый венец от Младенца Хроста, в то время как святая Сесилия, покровительница музыки, сгибает поблизости свою переносную оргину. Палитра светлых тонов и мягкая фокусировка в этой маленькой картине отражают его восхищение работой Федерико Бароччи (около 1533 - 1612).

Франческо Ванни (итал. Francesco Vanni). Мадонна с младенцем и святой Екатериной из Сиены и святой Сесилии. 1600

Эльсхаймер специализировался на подробных, ярко окрашенных картинах на меди. Он соединил фигуры и ландшафтные перспективы с точностью и деликатностью, уделяя особое внимание воздействию света. Его работы вызывали большое восхищение и оказали огромное влияние на многих художников в Риме, особенно из Северной Европы, включая Рубенса и Клода. Эльсхаймер родился и учился на художника во Франкфурте. Он отправился в Венецию и пробыл там два года, прежде чем окончательно перебраться в Рим. Картины Тинторетто в Венеции оказали длительное влияние на его собственную короткую карьеру. Знания о его композициях распространяются через тираж сделанных с них оттисков. Святой Стефан был первым христианским мучеником и пережил видение открытого неба, когда его забивали камнями до смерти. Он разозлил власти в Иерусалиме своей ревностной проповедью и был обвинен в богохульстве. Святой Стефан носил одежды дьякона, так как был одним из первых семи дьяконов, назначенных апостолами. Луч интенсивного света сияет на коленях святого, и ангелы падают к нему, неся пальмовые ветви мученичества и лавровую корону. Фламандский художник-пейзажист Поль Бриль, живший в Риме, возможно, владел этой картиной.

Адам Эльсхаймер (нем. Adam Elsheimer). Побитие камнями святого Стефана. 1603 - 1604

Прокаччини зарекомендовал себя как ведущий художник в Милане, сначала обучаясь и работая скульптором. Он родился в Болонье, но переехал в Милан, будучи ребёнком, со своей семьей. Его отец и старшие братья тоже были художниками. Драматические религиозные картины Прокаччини включают смелый ракурс и многочисленные фигуры. Их крепкие формы относятся к опыту его скульптурных проектов. На художника также оказал влияние Рубенс, с которым он познакомился во время работы в Генуе, и эффект этого очевиден в его более поздней работе для двора Савойи в Турине. Задуманная как интимное небесное видение, эта картина была бы создана для личного богослужкния. На стиль её написания, сочетающий короткие, текстурированные мазки и жидкие, почти прозрачные глазури, сильно повлиял великий пармезанский художник шестнадцатого века Пармиджанино (к которому он был ошибочно приписан в девятнадцатом веке). Прокаччини был одним из самых плодовитых и успешных ломбардских художников начала семнадцатого века. Эта картина записана в коллекции короля Карла I и почти наверняка была первой работой художника, попавшей в Великобританию.

Джулио Чезаре Прокаччини (итал. Giulio Cesare Procaccini). Мадонна с Младенцем, ребёнком Иоанном и сопровождающими ангелами. 1610

Картина "Контенто" иллюстрирует эпизод в испанском романтическом романе "Guzman de Alfarache", опубликованном Матео Алеманом в Мадриде в 1599 году и изданном в итальянской версии в 1606 году. В этой истории люди на Земле поклонялись богу Контенто (богу удовольствия и счастья) больше, чем любому другому. Завидуя этому, Юпитер послал Меркурия похитить Контенто и заменить его своим братом-близнецом Дисконтенто. Эльсхаймер был первым художником, когда-либо описавшим эту историю, но он отошёл от романа, превратив Контенто в богиню женского пола. Слева Юпитер парит в воздухе, направляя Меркурия, который виден в своей отличительной крылатой шляпе и выставляющий Контенто над преданной толпой. На заднем плане люди наслаждаются различными видами спорта и играми, не подозревая о своем неизбежном "недовольстве".

Адам Эльсхаймер (нем. Adam Elsheimer). Контенто. 1606 - 1610

Аверкамп был одним из первых голландских художников, специализирующихся на живописи зимних сцен. Его картинами восхищались и требовали высоких цен при жизни. Аверкамп родился глухонемым и, возможно, жил из-за этого отшельником. Он учился в Амстердаме у Питера Исаакса, известного историка и художника-портретиста, а затем вернулся в Кампен, тихий город-крепость на Цуйдер-Зее, где его отец был фармацевтом. Город или некоторые из его выдающихся зданий часто изображаются на фоне композиций Аверкампа. Эта многолюдная зимняя сцена представляет часть голландского общества, наслаждающегося широким спектром зимних видов спорта, на замерзших водных путях. Фигуры на переднем плане с длинными палками играют в "кольф", раннюю форму гольфа. Город-крепость на заднем плане ранее считался родным городом художника, Кампеном, но это воображаемое место. Слева от мельницы находится гостиница, обозначенная знаком с белым полумесяцем. Яркие фигуры выделяются на фоне сдержанных, тонких оттенков пейзажа.

Хендрик Аверкамп (нидерл. Hendrick Avercamp). Зимний пейзаж. 1610 - 1620

В картине этого сюжета необычно включение ярко выраженной красной мантии Марии Магдалины. Этот масляный эскиз был написан при подготовке к большому холсту Прокаччини, который сейчас находится в ризнице францисканской церкви Сант-Анджело в Милане. Первоначально образ мёртвого Христа занимал люнет над проходом, соединяющим две обители, прилегающие к церкви. Большое количество ангелов можно объяснить первоначальным посвящением церкви Санта-Мария-дельи-Анджели.

Джулио Чезаре Прокаччини (итал. Giulio Cesare Procaccini). Мертвый Христос с оплакивающими ангелами. 1616 - 1620

Живые мазки и убедительная бодрость лица этого пожилого человека позволяют предположить, что эта глубокая задумчивость перенесена на портрет непосредственно из жизни. Мы видим почти законченный портрет, но это подготовительный эскиз головы святого Амвросия для большого алтаря. Рубенс часто делал подробные эскизы отдельных фигур для больших композиций, в дополнение к наброскам всего дизайна. Они могут быть использованы мастером или скопированы помощниками, работающими над окончательной версией картины. Предметом алтаря является святой Амвросий, отказывающий императору Феодосию войти в Миланскую церковь (Художественно-исторический музей, Вена).

Питер Пауль Рубенс (нидерл. Piter Paul Rubens). Голова Св. Амвросия. 1616 - 1617

Красивый и интимный семейный портрет одного из величайших художников XVII века, Портрет дочери художника, Клары Серены, выполненный сэром Питером Паулем Рубенсом (1577-1640), был, вероятно, написан около 1623 года, незадолго до трагически ранней смерти натурщицы в возрасте 12 лет. Эта очаровательная картина, которая после очистки была единогласно признана работой Рубенса, никогда прежде не демонстрировалась в Великобритании.

Питер Пауль Рубенс (нидерл. Piter Paul Rubens). Портрет дочери художника Клары Серены. 1623

Христос стоит в реке Иордан и принимает крещение от Иоанна Крестителя, как об этом говорится во всех четырех Евангелиях. Над ними в сияющей славе предстает белый голубь, символ Святого Духа. Эта картина является одной из последних работ Ластмана и, скорее всего, упоминается в его инвентаре 1632 года. Лестман провел пять лет в Италии, где он подружился с Адамом Эльсхаймером и Питером Паулем Рубенсом. Среди его учеников были Ян Ливенс и Рембрандт.

Питер Ластман (нидерл. Pieter Lastman). Крещение Христа. 1629

Гоффредо Валс родился в Кельне около 1595 года, но уже в 1610 году работал в Италии. Он посетил Неаполь, прежде чем учиться в Риме вместе с Агостино Тасси, одним из учителей великого пейзажиста Клода Лоррен. Считается, что Валс также учил Клода в Неаполе в 1620-х годах. Гоффредо Валс много путешествовал по Италии, но получил наибольшее признание в Неаполе, где его маленькие поэтические пейзажи были популярны. Валс в основном известен своими маленькими круговыми пейзажами на холсте или меди, которые мощно отражают влияние его соотечественника Адама Эльсхаймер. Считается, что он умер в результате землетрясения в Калабрии около 1638 года.Круглая композиция этой картины и запоминающийся итальянский пейзаж типичны для Валса, хотя для него он несколько необычен, он поставил две фигуры на переднем плане. Несмотря на то что фигурами предполагаются Христос и Иоанн Креститель, отсутствие какого-либо повествования делает эту идентификацию неопределенной. Фигурами могут быть апостолы или Христос и Святой Петр. Валс, казалось, отвергал повествование в большинстве своих картин, концентрируясь вместо этого на ландшафте и населяющих его зданиях, а также на воздействии света. На этой картине здание на дальнем берегу реки может быть написано по образу строения в квартале Тор-ди-Квинто на Тибре под Римом.

Гоффредо Валс (нем. Goffredo Wals). Пейзаж с Христом и Иоанном Крестителем. 1625 - 1638

Работа Геркулеса Сегерса полна загадок, его личные данные известны лишь отрывочно. Известно о семидесяти гравюрах, которые сохранились примерно в ста семидесяти копиях. Этот панорамный пейзаж изображает город Вагенинген на реке Рейн. Это одна из немногих картин Сегерса, который был новаторским мастером печати. Полоса дерева была добавлена к верхней части этой панели, значительно расширяя небо. Амстердамский торговец художественными произведениями Йоханнес де Рениальме, вероятно, сделал это дополнение примерно в 1640 году, чтобы соответствовать современной моде и сделать картину более продаваемой.

Геркулес Сегерс (нидерл. Hercules Segers). Вид Вагенингена. 1628 - 1630

Это одна из пяти картин Виллем ван Хахта (анг. Willem van Haecht.), изображающих художественную студию. Такие картины были представлены в конце семидесятого века антверпенским художником Франсом Франкеном, которому это полотно когда-то было ошибочно приписано, хотя коллекция, в общем, является воображаемой. Картины включают "Мистический брак святой Екатерины" Ван Дейка.

Виллем ван Хахта (анг. Willem van Haecht). Художественный кабинет с картиной Ван Дейка "Мистический брак святой Екатерины". 1630

Современник и друг Рембрандта, Ливенс обучался у исторического художника Питера Ластмана в Амстердаме с 1617 года. В конце 1620-х он был тесно связан с Рембрандтом, когда оба работали в Леёдене. Оба художника, еще молодые в то время, неплохо могли бы жить в студии, что оказало сильное взаимное влияние. Ливенс путешествовал по Англии и жил в Антверпене с 1635 по 1653 год, где на него повлияли работы Рубенса и Ван Дейка. Он вернулся в Голландию, живя в Гааге и в Амстердаме. К концу своей карьеры он работал главным образом как портретист, а также занимался общественными заказами по крупным историческим предметам.

Ян Ливенс (нидерл. Jan Lievens). Портрет молодого человека. 1631

Герард Доу специализировался на небольших, тщательно прорисованных сценах, поражающих своей точной детализацией и полированной отделкой. Он и его последователи были известны как Fijnschilders (живописцы). В Лейдене Доу тренировался в качестве стекольщика со своим отцом, что, возможно, способствовало его увлечению отражающими поверхностями, а затем стал успешным учеником Рембрандта. Его картины требовали высоких цен из-за известности художника, а также времени и навыков, необходимых каждому. Доу пользовался международной репутацией. Однако он отклонил приглашение короля Карла II в Лондон, предпочитая оставаться в Лейдене, где его студия привлекла множество студентов и выдающихся посетителей.

Герард Доу (нидерл. Gerrit Dou). Интерьер с молодым скрипачом 1637

Корнелис ван Поленбург родился в Утрехте, где учился у художника-маньериста Авраама Блумарта. Около 1617 года он отправился в Рим на работу и учебу, что должно было оказать длительное влияние на его искусство. Там он был одним из основателей общества голландских художников, работающих в Риме, которые называли себя "Шилдерсбент". Поленбург стал одним из ведущих северных художников итальянских пейзажей, часто включающих мифологические или классические темы и населенных маленькими ню. После его возвращения в Утрехт из Италии он стал одним из ведущих художников города. Его репутация принесла ему восхищение и покровительство короля Англии, на которого он работал с 1638-1641 гг. После этого времени он остался в Утрехте. Эта картина изображает историю из "Декамерона" Боккаччо. Кимон, красивый, но грубый и необразованный сын вельможи, наткнулся на девицу Ифегению и сразу же влюбился. Влияние любви превратило его в отточенного и опытного джентльмена, который  ухаживал и в конечном счёте женился на прекрасной Ифегении. Эта сцена показывает момент их встречи – справа появляется Кимон как охотник, в то время как Ифегения дремлет на открытом воздухе с попутчицей слева. Эта картина необычна в творчестве Поленбурга из-за большого размера фигур и необычайно чувственного отношения Ифегении.

Корнелис ван Поленбург (нидерл. Cornelis van Poelenburgh). Кимон и Ифигения. 1630 - 1640

Себастьян Бурдон родился в 1616 году в Монпелье в семье непрофессионального художника Марин Бурдон. Шесть или семь лет спустя, Себастьян был отправлен в Париж, чтобы остаться с дядей и избежать военную службу в Тридцатилетней войне. В Париже он был учеником художника по имени Бартелеми (вероятно, Жан Бартелеми) в течение семи лет, после чего недолгое время работал в Бордо. В 1634 году Бурдон прибыл в Рим, где оставался до 1637 года. на этот период приходится большинство натуралистических сцен, где на него повлияли жанровые картины последователей Питера ван Лаера, известного как "Бамбоччанти". По возвращении в Париж в 1637 году он продолжал рисовать в стиле "Бамбоччианти", но адаптировал свои работы к парижским вкусам, используя более яркие цвета, чем в Италии. Приблизительно двадцать из этих картин жанра выживают в течение лет после его возвращения в Париж, включая эту. Можно провести параллели с работами братьев Ле Нейна, которые действовали во Франции в первой половине XVII века и были хорошо известны своими сценами крестьянской жизни.

Себастьян Бурдон (фр. ébastien Bourdon). Интерьер гостиницы. 1640

Берхем был самым известным и универсальным из так называемых голландских итальянцев – художников, создававших пейзажи с отчетливо итальянским колоритом. Он родился в Харлеме и учился у своего отца, художника-натюрморта Питера Класа. Фамилия "Берхем" была им принята, когда он вошёл в мастерскую пейзажиста Яна ван Гойена. Художник принял за образец итальянский стиль северных пейзажистов, таких как Корнелис ван Поленбург. Неизвестно, действительно ли Берхем когда-либо посещал Италию или же он запечатлел теплый итальянский солнечный свет, любуясь работами других художников. Берхем сотрудничал с такими художниками, как Ян Баптист Веникс, Якоб ван Рюйсдаэль и Мейндерт Хоббема, добавляя образы к своим работам. В конечном итоге, поселившись в Амстердаме, он наслаждался плодотворной живописной карьерой. Эта картина типична для ранней работы Берхема, когда он всё ещё создавал сцены, которые напоминают местность вокруг его родного города Харлем. Охотники здесь готовятся ловить маленьких птиц, почти наверняка зябликов. Сети на переднем плане и расположенные за седлом всадника типичны для этого типа охоты, а дюны вдоль Северного моря, такие как за пределами Харлема, были оптимальными местами для ловли вьюрков.

 Николас Питерс Берхем (нидерл. Nicolaes Berchem). Стоянка с человеком на белом коне (Птичья ловушка). 1645 - 1646 гг.

Французский художник Антуан Ленен работал в тесном сотрудничестве вместе со своими братьями Луи и Матье. Все трое были в 1648 году членами Парижской академии. Они прославились, прежде всего, своими картинами о крестьянской жизни, а также библейскими мотивами и портретами. Антуан был одним из самых известных жанровых художников своего времени. Три брата никогда не женились и жили в одной студии, которая, по-видимому,изображена на этой картине. Антуан показан сидящим перед мольбертом. Матье стоит с палитрой в руке, а Луи – слева. Другой брат, Николас, сидит на полу, в то время как безрамный портрет их отца, Исаака, стоит на полу.

Антуан Ленен (фр. Antoine le Nain). Интерьер мастерской художника с членами семьи Ленен. 1645

Натурщик этой катрины был недавно идентифицирован как Франсуа Воутерс, советник, олдермен и мэр в Гарлеме. Халс изобразил его дважды на групповых портретах: в 1639 году в качестве лейтенанта у регентов больницы Св. Элизабет (обе картины находятся в музее Франса Хальса в Гарлеме). Подвесной портрет, выставленный рядом, представляет вторую жену Воутерс, Сюзанну Бейли.

 Франс Халс (нидерл. Frans Hals). Портрет Франсуа Воутерс (фр. François Wouters). 1645

На этом портрете изображена Сюзанна Бейли, вторая жена Франсуа Воутерса (фр. François Wouters), судьи, олдермена и мэра Харлема. Пара вступает в брак в 1645 году, и этот портрет, вероятно, должен был ознаменовать их брак.

Франс Халс (нидерл. Frans Hals).  Портрет Сюзанны Бейли. 1645

В работе "Таинство Крещения" Пуссен показывает Святого Иоанна, крестящего Христа на берегу реки Иордан. Включение руин в ландшафт было предназначено, чтобы показать античный мир и дать сцене подлинную обстановку. Тема Крещения Христа имела давнюю визуальную традицию, которую знал Пуссен. В соответствии с условием, все действия сосредоточены на образе Христа и Святого Иоанна, с голубем Святого Духа, нависающим над ним, к большому удивлению трёх мужчин справа. Крещение – это средство, с помощью которого человек вступает в христианскую веру, и это первое причастие, которое он получает. Через акт крещения христиане верят, что человек начинает свою духовную жизнь и усыновляется как дитё Божье.

 Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство Крещения. 1646

Пуссен изобразил библейский эпизод, в котором Мария Магдалина раскаивается в своих грехах и просит прощения, омывая ноги Христа. Считается, что она омыла его ноги своими слезами и вытерла их своими длинными волосами цвета соломы, прежде чем поцеловать их и помазать маслом. Сцена произошла на празднике в доме Симона и Фарисея, и Пуссен изобразил гостей, сидящих на римских кушетках (триклиния) вокруг огромного банкетного стола. Использование подлинной римской столовой позволило Пуссену построить симметричную композицию. Он даже уравновешивал фигуры Христа и Марии слева, а крайняя правая сцена показывала, как Симон традиционно моет ноги слуге. Эта картина является наиболее драматичной и сложной из семи таинств Пуссена.

 Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство покаяния.1647

Христос держит символические ключи от неба, прежде чем подарить их Петру, своему главному ученику, и "камне", на которой он построит церковь. Большая буква E на отдельно стоящей колонне может означать "Екклесия" (Церковь). Другие ученики признают этот важный момент своими разнообразными жестами и выражениями. Пуссен спланировал каждую деталь, чтобы обеспечить сбалансированную композицию, подходящую по настроению и аутентичную по обстановке. Он был первым художником, который нарисовал Семь Таинств или обряды христианской церкви как серию отдельных картин, которую он сделал дважды. Эта работа относится к его второму набору 1644-48, написанному для Пола Фреарта де Шантелу.

Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство Посвящения.1647

На этой картине показана Тайная вечеря, на которой Христос поведал своим двенадцати учениками, что "один из вас предаст меня". Во время еды Христос благословил хлеб и вино и сказал своим ученикам, что они символизируют его тело и кровь (Евхаристия). Он попросил их съесть, чтобы помнить его, ритуал, который до сих пор исполняют христиане, принимающие причастие. Здесь Пуссен показывает происхождение Евхаристии: у каждого ученика есть кусок хлеба, а чашка вина в левой руке Христа вот-вот начнёт передаваться вокруг стола. Формат отличается от традиционных представлений Тайной Вечери, в которой все фигуры сидят за длинным столом. Цель Пуссена состояла в том, чтобы показать происхождение причастия, а включение современных римских лежащих кушеток (триклиния) лишь формирует сцену.

 Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство Святой Евхаристии. 1647

Пуссен представил это Таинство елеосвящения (соборования) с трогательной сценой умирающего христианского римского солдата, помазанного святым маслом священником. Группа фигур напоминает классическую рельефную скульптуру с горизонтальным акцентом, в то время как центральная перспектива комнаты создает сценоподобную обстановку. Пуссен использовал модель сцены с восковыми фигурами, чтобы спланировать некоторые из своих композиций и изучить игру света и тени. Здесь свет свечи дополняет интенсивную эмоцию сцены. Это была одна из первых картин, выполненных во второй серии "Семи таинств" (1644-1648) художника, созданной для Пола Фреарта де Шантелу.

 Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство Елеосвящения. 1644

Как и в других картинах о таинствах, Пуссен хотел показать эту сцену в раннехристианской обстановке. Церемония проходит в римских катакомбах, а фигуры носят современные платья. Пуссен даже удостоверился, что женские прически соответствуют тем, которые на современных римских портретных бюстах. Фигуры справа располагаются перед священником, почти как во время процессии. Дети и взрослые совершают таинство  конфирмации на одной и той же церемонии, а женщины ведут своих застенчивых детей вперёд, чтобы получить причастие. Миропомазанием  подтверждалась вера человека, которая впервые была объявлена во время крещения. Священник помазывает их елем (благословенное масло). Эта сцена, несмотря на раннехристианский контекст, была бы легко узнаваема современниками Пуссена как нечто, что они испытали в своей жизни.

Никола Пуссен (фр. Nicolas Poussin). Таинство конфирмации (миропомазания). 1645

Рембрандт был, пожалуй, самым известным, влиятельным и изобретательным из всех голландских художников. В своих картинах маслом он представлял широкий спектр предметов, в том числе отдельные портреты, групповые, автопортреты, библейские и мифологические сцены. Он исследовал драматический потенциал света и тени не только с помощью картин, но и благодаря своей инновационной гравюре и изобретательному мастерству рисования. Рембрандт начал свою карьеру в своем родном Лейдене. После переезда в Амстердам он пользовался большим успехом, который продолжался на протяжении всей его долгой карьеры. К концу своей жизни он испытывал личные и финансовые трудности, но оставался уважаемым художником до своей смерти в 1669 году. Эта картина должна была стать портретом. Однако интимная обстановка в постели была бы неподходящей для любой солидной модели. После того как Рембрандт написал эту картину, считалось, что натурщицей была нидерландская модель Хендрикье Стоффелс, однако, более вероятно, что моделью была Гиртье Диркс, которая жила с ним приблизительно с 1643-1649 гг. Расмположившись полулёжа, она изображала из себя библейскую фигуру Сару в брачной кровати, которая следит как её жених Тобиас прогоняет дьявола (Тобит 7, 1-4).

Рембрандт ван Рейн (нидерл. Rembrandt van Rijn). Женщина в постели 164 [7?]

Ван де Вельде усовершенствовал тип рисования черно-белой картины, которая напоминает рисунок пером и тушью, наиболее приемлемый по его мнению для деталей кораблей и его стилизованного подхода к морю. Он следовал стилизованным соглашениям ранних гравюр в своих кружащихся волнах, но показал глубокое знание кораблей и их конструкции. Большое торговое судно в центре развевает голландский флаг со своей главной мачты. Справа - небольшое военное судно, известное как флейта или флейта, на котором стоит шведский флаг. Дальний порт может быть Западным Терсхеллингом.

Виллем ван де Велдье (нидерл. Willem van de Velde the Elder). Море с голландским торговым судном и шведским флейтом. 1650

Филипс Вауэрман был, несомненно, самым изящным и успешным голландским художником в 17 веке, наиболее известным своими пейзажными картинами, часто включающими группы всадников на лошадях. Несмотря на это, ни критическое исследование его работы, ни документированная биография не были опубликованы. Вауэрман родился в Харлеме, старшем сыне художника Пауэлса Йоостена и его четвертой жены Сюзанны ван ден Богерт. Два других сына, Питер и Йоханнес Вауэрман, также должны были стать художниками. Дед Вауэрмана родом из Брюсселя. Филипс, вероятно, получил свои первые уроки рисования от своего отца, чьи работы, однако, не были установлены, что делает невозможным определить степень его влияния на творчество сына. По словам Корнелиса де Бие, Вауэрман был учеником Франса Халса. Впоследствии, как считается, в 1638 или 1639 годах он провел несколько недель, работая в Гамбурге в мастерской немецкого художника Эверта Декера. В ГамбургеФилипс женился на Аннетье Питерс ван Брокхоф. 4 сентября 1640 года Вауэрман стал членом гильдии художников Гарлема, в которой занимал должность эксперта в 1646 году. В последующие годы неоднократно упоминалось его присутствие в Харлеме. Принимая во внимание многие южные элементы в его пейзажах, часто предполагалось, что Вауэрман уезжал во Францию ​​или Италию. Тем не менее, нет никаких документальных подтверждений того, что он покидал на какое-то время Гарлем. Вауэрман скончался 19 мая 1668 года и был похоронен 23 мая 1668 года в Нью-Керк в Харлеме. Он, очевидно, достиг определенной степени процветания благодаря большим суммам денег, которые каждый из семи его детей унаследовал после смерти вдовы художника в 1670 году, а также благодаря различным домам, которыми он владел. Нет подтверждения тому, что часто цитирует Арнольд Хубракен замечание о том, что дочь Вауэрмана, Людовика, принесла с собой приданое в 20 000 гульденов в 1672 году, когда вышла замуж за художника Хендрика де Фромантью. В своей работе "Бурное море", окрашенный почти исключительно в серые тона, Вауэрман изобразил яростный шторм на скалистом берегу. Справа судно, терпящее бедствие, покинутое его экипажем. Это один из трех морских пейзажей, которые Вауэрман написал за свою плодотворную и успешную карьеру.

Филипс Вауэрман (нидерл. Philips Wouwerman). Бурное море. 1650 - 1652

Типы лодок, как в центре этой картины, обычно покупались шотландцами у голландских поставщиков и использовались при торговле в Нидерландах. Ван де Каппель, унаследовавший свой процветающий бизнес по производству красителей в Амстердаме, был художником-любителем и, возможно, самоучкой. Он написал несколько картин, но в настоящее время считается одним из самых выдающихся голландских морских художников. У него была огромная коллекция произведений искусства, в том числе работы Рембрандта и Эльшаймера.

 Ян ван де Каппель (нидерл. Jan van de Cappelle)

Картина моря: Штиль. 1853

Альберт Кёйп был великим интерпретатором голландского пейзажа в итальянской манере. Ранние пейзажи, такие как "Речная сцена с далекими ветряными мельницами", находятся под влиянием ван Гойена, на некоторых картинах которого изображен Дордрехт, родной город Кёйпа. Работы утрехтских художников, особенно Яна Оба, вернувшегося из Италии около 1641 года, помогли обратить внимание Кёйпа на масштабные пейзажи в итальянской манере.

Альберт Кёйп (нидерл. Aelbert Jacobsz Cuyp). Пейзаж со скотом. 1650-1658

Известный с конца восемнадцатого века как "Отцовское наставление", благодаря жесту этого человека, эта картина также была интерпретирована как бордель. Предмет может быть ухаживанием, с листом музыки, указывающим потенциальную гармонию между молодым мужчиной и женщиной в ошеломляющем белом атласном платье. Тер Борх особенно известен этим типом изысканного и элегантного интерьера с фигурами.

 Герард Терборх (нидерл. Gerard ter Borch). Пение. 1654

Ян ван дер Хейден был ведущим художником городских пейзажей в Голландии конца XVII века, особенно известным своими видами на Амстердам, сделанные в 1660-х годах. Мало что известно о его молодости, хотя записано, что ван дер Хейден учился у голландского художника по стеклу. В 1650 году семья ван дер Хейдена переехала в Амстердам, где он жил до конца своей жизни. Повторяющиеся сюжеты в его картинах указывают на то, что он путешествовал в Брюссель, Кельн, и, возможно, ещё дальше, вплоть до своего брака в 1661 году, после чего посетил Лондон. Хотя он написал несколько пейзажей и натюрмортов, репутация ван дер Хейдена основывается на его архитектурных объектах – городских видах, которые он рисовал в раннем возрасте. В них он объединил широту общего эффекта с замечательным вниманием к деталям. Его проявление большого искусства видно в технической виртуозности, такой как индивидуальное описание каждого кирпича в доме, что постоянно поражало зрителей. Картины художника хорошо составлены и гармонично окрашены с использованием контрастов листвы и мягкой кирпичной кладки. Его городские пейзажи оказали большое влияние на развитие архитектурной живописи в Голландии 18-го века. Этот вид Кельна в Германии сочетает в себе два идентифицируемых памятника: Картезианский костёл слева и костел Святого Панталеона на расстоянии. Ван дер Хейден работал с рисунками, которые он сделал во время своего пребывания в Кельне в конце 1650-х годов. Вероятно, фигуры в этой ранней работе принадлежат другому художнику, Адриану ван де Вельде, с которым Ван дер Хейден часто сотрудничал.

 Ян Ван дер Хейден (нидерл. Jan van der Heyden). Вид в Кельне с Картхаусекирхе и Святого Панталеона. 1660 - 1665

Мейндерт Хоббема часто писал этот тип лесной сцены с горизонтальным форматом и извилистой дорожкой, ведущей вдаль. По сравнению с работами, эта картина поражает своими большими размерами. Хоббема учился рисовать вместе с Якобом ван Руисделом. В 1668 году он вступил в амстердамсую таможню, что гарантировало ему постоянный доход на всю оставшуюся жизнь. Вероятно, он перестал рисовать около 1690 года.

Мейндерт Хоббема (нидерл. Meindert Hobbema). Лесной пейзаж. 1662-1663

Ван дер Нер запечатлел атмосферу раннего зимнего дня в широком, почти панорамном пейзаже. Катание на коньках, санях игры с мячами и клюшками, как при игрк в гольф, трапеза, выпивка и просто разговоры на льду, были чрезвычайно популярны среди голландцев на протяжении всего семнадцатого века. Ван дер Нер специализируется на пейзажах и наиболее известен своими зимними сценами, ночными пейзажами и пейзажами на рассвете или закате.

Арт ван дер Нер (нидерл. Aert van der Neer). Пейзаж с замёрзшей рекой. 1655-1660

Ван Миерис обучался у Герарда Доу и стал одним из самых известных голландских фейншилдеров (живописцев), которые славились своим скурпулёзным и высококлассным стилем. Он верно изобразил особый тип лютни, популярный на нидерландских и британских островах во второй половине XVII века, и правильное положение играющих пальцев. Но ещё нет возможности определить музыку на нотном листе.

Франс Ван Мирис Старший (нидерл. Frans van Mieris the Elder)

Женщина играет на лютне. 1663

Уильям Гоу Фергюсон работал в семнадцатом веке, когда было всего несколько местных шотландских художников. Большую часть своей карьеры он работал за границей, и его картины часто сравнивают с картинами современных голландских художников, несомненно, из-за нескольких лет, которые он провел в Утрехте, Гааге и Амстердаме. Он также путешествовал по Италии, но вернулся в Лондон в 1690-х годах. Фергюсон прославился своими натюрмортами. Помимо этого примера, в Шотландской национальной галерее есть еще три работы, но все они показывают сцены мертвых птиц. Таким образом, эта картина с изображением живых бабочек и мотылька необычна, поскольку Фергюсон представляет живых существ в натуралистической обстановке. Ни одна другая картина этого типа не была прослежена, что делает её уникальным примером его работы. Бабочки были идентифицированы как Малая Пустошь, Обычный Синий, Коричневый Луг, Красный Адмирал, Маленькая Белая и Нарисованная Леди. Единственная моль – Большой Желтый Подкрылок.

 Уильям Гоу Фергюсон (нидерл. William Gouw Ferguson). Шесть бабочек и мотылек на ветке розы. 1690

 

 

 

 

 

 

 

 

Выставочный зал

Риччи был одним из самых успешных венецианских художников своего поколения. Его красочная театральная живопись была вдохновлена работами Паоло Веронезе, а также отражала влияние художественных разработок в Риме и Болонье. Он пользовался международной репутацией и много путешествовал, работая в Парме, Риме, Флоренции, Вене и Лондоне. Художник провёл пять лет в Лондоне (1712-16), работая на ряд важных и влиятельных покровителей, таких как лорд Берлингтон и герцог Портлендский. Риччи надеялся нарисовать купол собора Святого Павла, но вернулся в Венецию, когда заказ был поручен английскому художнику сэру Джеймсу Торнхиллу.

Себастьяно Риччи (итал. Sebastiano Ricci). Христос исцеляет слепого около 1712 - 1716

Этот экстравагантный букет состоит из цветов разных сезонов, таких как различные сорта тюльпанов и роз, в которых обитают бабочки и другие насекомые. Ян ван Хёйсум был ведущим голландским художником по цветам в восемнадцатом веке. Он получал престижные комиссионные от королевских семей и аристократов по всей Европе. Это его самая большая картина на меди, основа, которую он использовал лишь изредка. Когда-то натюрморт входил в состав знаменитой коллекции Чернинов в Вене.

Ян ван Хёйсум (нидерл. Jan van Huysum). Цветочный натюрморт с лепной, каменной вазой. 1718

Хогарт был одним из самых известных художников восемнадцатого века. Ему приписывают то, что он был первым художником в Европе, создавшим искусство, которое представляло и выражало национальную идентичность. Хогарт родился в Лондоне и семь лет учился на гравера по серебру, а затем занялся созданием своих собственных сатирических гравюр. Его серия гравюр, таких как "Похождения повесы" (1733-1735), имела широкое распространение, особенно для растущих рядов среднего класса. Умелый рисовальщик, Хогарт также рисовал исторические и современные моральные сюжееты. Сара Малколм была казнена в 1733 году в возрасте 25 лет за убийство своей хозяйки дома Лидии Данкомб и двух проживающих в этом доме женщин. Малколм отрицала свою причастность к убийству, но была признана виновной и приговорена к повешению. Хогарт рисовал её в тюрьме Ньюгейт в Лондоне за два дня до казни 7 марта на Флит-стрит. Затем Хогарт сделала эту картину и гравюру, которая была популярна из-за её дурной славы. Говорят, что эта картина была куплена у художника Хорасом Уолполом и была продана им  на Клубничном холме 14 мая 1842 года.

Уильям Хогарт (англ. William Hogarth). Сара Малколм (умерла в 1733). 1733

Галль был пенсионером во Французской академии в Риме с 1737 по 1744 год, и эта работа, вероятно, была написана во время его пребывания там. Предметом на самом деле является не церемония настоящего друида, а один из маскарадов, которые проводились на территории Палаццо Манчини, главной резиденции Академии до 1793 года. Картина по стилю схожа с работой Жана-Франсуа де Трой, который был тогда директором Академии и влиял на работу Художника. Галль имел долгую и успешную карьеру и был назначен ректором Французской академии в Риме в 1775 году.

Ноэль Галль (фр. Noël Hallé). Церемония друидов. 1737-1744

Этот вид открывается на знаменитую набережную, известную как Рива-дельи-Скьявони, кишащую людьми и их деятельностью. Слева находится колонна Святого Марка, увенчанная крылатым львом, с величественным готическим фасадом Дворца Дожей позади и, по мосту, городской тюрьмой. Картина и её пара показывают противоположные виды, сделанные с той же точки у входа в Пьяццетту Святого Марка.

Антонио Каналетто (итал. Antonio Canaletto). Ривер дельи Скьявони, Венеция, вид на восток. 1745

Картина показывает набережную Моло, смотрящую на вход в Большой канал. Справа находится колонна святого Феодора с библиотекой Марциана и Зеккой (Монетный двор) за ней. Слева находятся Догана (Дом таможни) и церковь Санта-Мария-делла-Салюте с характерными свитками. Хотя эти картины представляют классические венецианские взгляды, на самом деле они могут датироваться после переезда Каналетто в Англию в 1744 году. Он часто писал копии более ранних работ по запросу.

Антонио Каналетто (итал. Antonio Canaletto). Моло, Венеция, смотрит на запад. 1745

Этот красочный масляный эскиз на холсте был сделан в рамках подготовки к знаменитой фреске Тьеполо на эту же тему в Палаццо Лабия, Венеция. На нем изображен римский полководец Марк Антоний, приветствующий Клеопатру, королеву Египта. Эскиз близок по композиции и деталям к фреске, хотя  в финальной работе необузданная поза Марка Антония здесь заменена более вертикальной позицией. Декоративные схемы Тьеполо, наполненные воздухом и светом, отражают влияние венецианского художника шестнадцатого века Веронезе. Его быстрое беглое рисование кистью вносит свой вклад в живой характер эскиза и иллюстрирует его, казалось бы, легкую виртуозность.

Джованни Баттиста Тьеполо (итал. Giovanni Battista Tiepolo). Встреча Антония и Клеопатры. 1747

Отдаленное поселение в этом панорамном пейзаже было когда-то неточно описано как Великая Деревня Корнард в родном Саффолке Гейнсборо. Считается, что этот предмет воображаемый, даже если он основан на реальных мотивах, изученных с натуры. Около 1749 года, когда Томас вернулся в Садбери после перерыва в Лондоне, он получил несколько частных заказов на декоративные картины, которые можно повесить над дверями или каминными полками. Удлиненный, горизонтальный формат предполагает, что могло быть другое предназначение.

Томас Гейнсборо (англ. Thomas Gainsborough). Пейзаж с видом на далекую деревню. 1748-1750

Это масляная зарисовка для картины Гамильтона была заказана лордом Комптоном и завершена в Риме летом 1760 года и позже утеряна. Она была первой из серии шести монументальных картин, иллюстрирующих сцены из "Илиады" Гомера работ, которые Гамильтон писал в течение следующих пятнадцати лет или около того. Вторая картина "Ахилл, оплакивающий смерть Патрокла" (NG 2339) находится в коллекции Национальной галереи Шотландии. Новаторские неоклассические полотна Гамильтона оказали влияние на французских художников следующего поколения, в частности Жака Луи Давида.

 Гэвин Гамильтон (англ. Gavin Hamilton). Андромаха, оплакивающая смерть Гектора. 1759

Эта овальная картина типична для типа, отточенного Грезом, который играл на эмоциях зрителя. Здесь нас приглашают сочувствовать молодой девушке, скорбящей по ее мертвой канарейке. Такие предметы были очень привлекательны для современников Грезе, и картина привлекла большое критическое внимание, когда она была выставлена в Салоне в 1765 году. Грез подчеркивает выражение лица девушки, а также текстурные контрасты между ее шарфом, цветами, деревянной клеткой и мертвой канарейкой. Жёлтая глазурь, использованная Грёзом, стала прозрачной с возрастом, поэтому канарейка выглядит белой, а то, что должно быть зеленой листвой, стало синим.

 Жан-Батист Грёз (фр. Jean-Baptiste Greuze). Девушка с мертвой канарейкой. 1765

Руссо (1712-1778) известный французско-швейцарский общественный философ и моралист носил меховую шапку и куртку с меховой отделкой своего любимого армянского костюма. Этот наряд вызвал любопытство лондонского общества после прибытия Руссо в Великобританию в 1766 году. Рэмзи выбрал тёмный фон, который подчеркивает падающий свет на голове и шее Руссо, когда он поворачивается к художнику и зрителю. Революционные взгляды Руссо на общество, образование и религию заставили его бежать от преследований со стороны швейцарских и французских властей. Рэмзи написал этот портрет как подарок своему близкому другу Дэвиду Юму, содержателю жилья Руссо в Лондоне.

 Аллан Рэмзи (англ. Allan Ramsay). Жан-Жак Руссо. 1766

Вернувшись в Шотландию в 1780 году, Аллан разработал два новаторских и очень влиятельных типа живописи: групповой портрет и сцены из повседневной жизни, задуманные как своего рода живая история живописи. Хотя основанные на наблюдаемой реальности, эти композиции также подгоняли мотивы североевропейской и итальянской живописной традиции, включая крестьянский танец и свадьбу. Эта картина, нарисованная как спекуляция, была его первым предприятием в шотландской социальной среде. Герцог Атолл, владелец Блэр Атолл и работодатель знаменитого скрипача Нила Гоу (показанного здесь слева), в том же году заказал семейную группу.

Дэвид Аллан (англ. David Allan). Нагорная свадьба в Блэр Атолл. 1780

Луи Гофье был успешным художником-неоклассиком. Он был совместным лауреатом Римской премии Французской академии в 1784 году, в возрасте 22 лет, которая предоставила стипендию для трехлетнего обучения во Французской академии в Риме. Там он продолжил свою академическую подготовку, опираясь на образцы классической скульптуры и слепков, которые легли в основу его классических картин. Гофье ненадолго вернулся в Париж, но предпочел Италию. В 1793 году он переехал из Рима во Флоренцию со своей семьей и за свою короткую жизнь писал портреты, фрагменты для разговоров и некоторые пейзажи.

Луи Гофье (фр. Louis Gauffir). Клеопатра и Октавиан 1787 - 1788

Этим спокойным фигуристом принято считать почтенного Роберта Уокер, министра канонгейтов и члена Эдинбургского общества конькобежцев. Клуб – самый старый в своем роде в Британии – обычно собирался на замерзших озерах Даддингстон или Лоченд на окраине Эдинбурга. Поза Уокера, когда он скользит по льду, выглядит непринужденно, но другие фигуристы признали бы еётрудым и сложным маневром. Эта небольшая картина, изображающая фигуру в действии, совершенно не похожа на другие известные портреты Раебурна.

 Сэр Генри Реберн (англ. Henry Raeburn). Почтенный Роберт Уокер (1755 - 1808) катается на коньках на Дуддингстон Лох. 1795

Выставочный зал

 

 

 

 

 

 

 

Этот амбициозный "портрет" ежегодной майской ярмарки в деревне Питлесси, написанный, когда Вилки было всего лишь девятнадцать лет, продемонстрировал его замечательный талант и ту живопись, в которой он должен был преуспеть. Его предмет и характер были радикальными отклонениями от устоявшихся конвенций исторической живописи, хотя он был столь же требовательным в своей композиционной организации и разнообразии фигур. Вильки был вдохновлен примерами голландских и фламандских картин семнадцатого века, а также шотландскими фольклорными и культурными традициями, прославленными в современной литературе. Он с успехом встретился в Лондоне с этим в качестве своего образца, вызвав несколько престижных комиссий.

Дэвид Уилки (англ. Sir David Wilkie). Ярмарка Питлессы. 1804

Уильям Форбс был старшим сыном сэра Уильяма Форбса из Питслиго, известного шотландского банкира и мецената. Сэр Уильям заказал эту картину примерно в то время, когда у Реберна возникли финансовые проблемы, поскольку в 1808 году он был объявлен банкротом. Для Реберна было важно сохранить такого заметного покровителя. Этот высококвалифицированный и амбициозный портрет показывает Реберна на пике его художественных способностей. Вильям показан в возрасте около семи лет, игриво дразнящий своего бернского зенненхунда кусом еды. Будучи старшим сыном, Уильям должен был унаследовать имущество и титул своего отца, но, к сожалению, он умер на Мальте в 1826 году. Титул перешел к его младшему брату Джону, который изображен на другом портрете Рэберна в Национальной галерее Шотландии.

Генри Реберн (англ. Sir Henry Raeburn). Уильям Стюарт Форбс, старший сын сэра Уильяма Форбса из Питслиго. 1809 - 1813

Первоначально ученик ювелира, Генри Реберн в молодости проявил огромный художественный талант. В 1784 году он переехал в Лондон, где встретил известного портретиста Джошуа Рейнольдса (англ. Joshua Reynolds). Некоторое время он провел в Италии, но вернулся в Эдинбург в 1787 году, где начал рисовать портреты богатых, знаменитых и важных людей своего времени. Реберн пользовался постоянным спросом и получил много наград: в 1822 году он был посвящен в рыцари, когда король посетил Эдинбург. Сэр Генри Реберн умер год спустя. На этой картине изображен Джон Форбс, младший сын сэра Уильяма Форбса из Питслиго, который был выдающимся шотландским банкиром и меценатом. Мальчик показан в ласковой позе с черно-белой пятнистой собакой, возможно, крестом Далматина Пойнтера, и предположительно семейным домашним животным, поскольку он носит металлический ошейник с замком. Джону было около восьми лет, когда был нарисован его портрет, и Реберн мастерски уловил его детскую игривость. Джон вырос, чтобы стать значимой фигурой в обществе. Он был адвокатом и был избран членом Королевского общества Эдинбурга. 

Генри Реберн (англ. Sir Henry Raeburn). Джон Стюарт Хепберн Форбс. 1809 - 1813

Тема этой картины основана на собственном опыте Уилки как молодого художника, прибывшего в Лондон с бесполезными рекомендательными письмами к потенциальным посетителям. Он прекрасно запечатлевает неловкую позу юноши, которому не по себе от домашней одежды и обнюхивания собаки недружелюбного пожилого джентльмена. Лицо фамильярно одетого в халат, шлепанцы и тюрбан старика выражает как расчетливое, так и подозрительное восприятие посетителя, при этом никак не ослабляет напряженность момента. Заметное присутствие японской вазы может свидетельствовать о том, что он знаток исккусств.

 Дэвид Уилки (англ. Sir David Wilkie). Рекомендательное письмо. 1813

Это один из самых любимых портретов Реберна, но практически ничего не известно о личности или жизни натурщицы. Маргарита Макдональд вышла замуж за Роберта Скотта Монкриффа, эдинбургского виноторговца и друга сэра Уолтера Скотта, умерла в 1824 году, и муж пережил её на тридцать лет. В течение этого времени он постоянно держал этот портрет в своей столовой и никогда не женился повторно. Датировка картины – это предположение, основанное на стилистических соображениях. В последнее десятилетие своей жизни Реберн изменил свой стиль, отчасти под влиянием искусства Рембрандта, и работал более выразительным образом, представляя формы в сознательном мягком фокусе.

  Сэр Генри Реберн (англ. Henry Raeburn). Маргарита Макдональд (анг. Margaritta MacDonald), миссис Роберт Скотт Монкрифф. 1814

Констебл привнес новый и освежающий натурализм в британскую пейзажную живопись девятнадцатого века. Он сконцентрировался на изображении сельской местности Саффолка вокруг своего места рождения, хотя также писал в Солсбери и Хэмпстеде. Констебль никогда не ездил за границу. На его композиции и интерес к световым эффектам повлияли классические пейзажи Клода Лоррена, но он отказался от мягких тонов и гладкой отделки "старых мастеров", отдавая предпочтение разбитым, богато украшенным мазкам. Констебл внимательно наблюдал за природой, изучая её постоянно меняющиеся образы с помощью карандашных рисунков и энергичных масляных зарисовок. В конце концов он получил официальное признание в качестве полноправного члена Королевской академии в 1829 году. Драматический пейзаж Констебля наводит взгляд на сельскую местность Саффолка, вдоль извилистой реки Стаур, до деревни Дедхам и устья реки за её пределами. Этот вид с Ган-Хилла, обращённый к церкви Дедхэма, рядом с водяным мельницей его отца, был любимым предметом и также показан на картине 1802 года меньшего размера (Музей Виктории и Альберта). Композиция с выступающими на передний план деревьями  была частично вдохновлена ​​"Агарь и ангел" Клода (Национальная галерея, Лондон). Облачное небо и детали, однако, основаны на внимательном наблюдении Констебля за природой. Он наносил краску густым белым оттенком, чтобы усилить эффект мерцающего света. Эта картина побудила избрать его в Королевскую академию в 1829 году.

Джон Констебл (англ. John Constable). Долина Дедхама. 1828

Дайс специализировался на религиозных и средневековых сюжетах. Его многочисленные интересы включали медицину, геологию и художественное образование. Он родился в Абердине, и некоторое время учился в Лондоне, а затем отправился в Италию. Назареи, группа немецких художников, работающих в Риме и вдохновленных характером ранней итальянской живописи, оказали большое влияние на Дайса. Он приобрел значительный опыт в фресковой живописи и консультировался по поводу украшения новых палат парламента в Вестминстере. В Лондоне он был первым суперинтендантом Государственной школы дизайна, после успешного периода в Эдинбурге (1832-1837) в качестве художника-портретиста и преподавателя в Академии попечителей. Расположенная недалеко от Пентландских холмов, примерно в семи милях от Эдинбурга, часовня Росслин была различным образом связана с поиском Святого Грааля, рыцарей-тамплиеров и истоков шотландского масонства. К 1830-м годам эта живописная местность уже была популярным местом для туристов и художников, посещающих Шотландию. Изысканная постановка Дайсом света, проникающего в темный интерьер часовни, пронизано ощущением тайны и надвигающейся драмы.

Уильям Дайс (англ. William Dyce). Вид на Южную дверь и боковой неф. Росслинскя часовня. 1830

В 1801 году Фрейзер был принят в Академию попечителей в Эдинбурге в качестве ученика живописца Джона Грэма и был современником Дэвида Уилки и Уильяма Аллана. Дебютировав публично на выставке с Ассоциированными художниками Эдинбурга в 1809 году, Фрейзер начал свою карьеру в качестве жанрового художника в Королевской академии в 1810 году, несомненно, воодушевленный драматическим подъемом Вилки на том же месте в 1806 году. В 1813 году Фрейзер присоединился к Вилки в Лондоне, где около двадцати лет выступал в качестве помощника и выполнял заказы по жанру и натюрморту, которые его соотечественник не смог вместить. Как независимый художник жанра, его популярный успех был отражен в покровительстве нескольких ведущих коллекционеров современного британского искусства. Эта картина имеет сходство с горными сценами двух знаменитых лондонских современников Фрейзера, Дэвида Уилки и Эдвина Ландсира. На этой картине отец, в полном горном платье, вернулся со дня съемок и предлагает самую большую добычу своей жене. Она готовит овощи для горшка, одновременно прикрывая маленького ребенка, который с тревогой смотрит на большую перевернутую серую цаплю. Старшие дети опорожняют сумку своего отца, выкладывая мелких птиц на первом этаже своего дома. Второй барон Нортвик (1770-1859) приобрел эту картину для новой картинной галереи, которую он построил в парке Нортвик возле Моретон-в-Болоте в 1830-х годах.

Александр Фрейзер, старший (англ. Alexander Fraser, the elder). Горный Спортсмен. 1832

На протяжении веков драматическая жизнь королевы шотландцев Марии давала захватывающие сюжеты для художников, писателей и композиторов. Здесь сэр Вильям Аллан изображает убийство Давида Риццио, итальянского секретаря королевы, в марте 1566 года. Художник очень старался быть исторически объективным, устанавливая точную личность и роль всех отдельных заговорщиков и воссоздавая вид комнат Марии на Дворец Холируд. Аллан взял образ графа Мортона (с черной шляпой справа) с современного портрета, приписываемого Арнольду Бронкхорсту, который находится в коллекции Шотландской национальной портретной галереи. Слева, Мария удерживается свои мужем, лордом Дарнли, который был участником заговора, но позже отрицал какую-либо причастность.

Вильям Аллан (англ. Sir William Allan). Убийство Дэвида Риццио. 1833

Международную известность Робертса как художника-пейзажиста зародила литография, опубликованная по его акварели, вдохновленная путешествиями по Европе и Ближнему Востоку. Он появляется в восточной одежде в великолепном портрете Роберта Скотта Лаудера в Шотландской национальной портретной галерее. Робертс был учеником эдинбургского маляра и работал над театральными постановками, прежде чем утвердиться в качестве художника-пейзажиста. Вдохновленный Тернером, он совершал регулярные экспедиции за границу. Его тщательно составленные, атмосферные картины передают волнующее впечатление от живописных и экзотических мест с захватывающими деталями. Назначение Робертса в качестве уполномоченного представителя на Большой выставке 1851 года под патронажем принца Альберта подтвердило его статус. Хотя в 1825 году он находился в Лондоне, Робертс поддерживал связи с родным Эдинбургом. Этот взгляд на Плезенс в Старом городе предполагает его увлечение архитектурой на протяжении всей жизни. Церковь Св. Патрика, где Александр Рансиман в 1774 году делал росписи интерьера, была излюбленным живописным предметом для художников. Слева находится новое филиал школы им. Джорджа Хериота, построенный в 1840 году.

Дэвид Робертс (англ. David Roberts). Церковь Святого Патрика, Ковгейт, Эдинбург. 1840 г.

Патон был очень успешным художником, который специализировался на написании подробных композиций, иллюстрирующих библейские эпизоды и образные истории, основанные на романтических мифах и легендах. Его интерес к получению убедительных натуралистических деталей был вдохновлен его другом Джоном Эвереттом Милле, художником прерафаэлитов, которого он встретил, когда оба были студентами в Школах Королевской академии в Лондоне. Патон родился в Данфермлине, вернулся в Шотландию и в 1866 году был определён главным портретистом Шотландии. Его самые известные картины – сказочные сюжеты, которые пользовались большой популярностью во времена правления Виктории. Эта картина Патона – образная интерпретация инцидента в пьесе Шекспира "Сон в летнюю ночь". Оберон и Титания, король и королева фей, ссорятся из-за обладания подменышем (человеческим ребенком, которого уносят в волшебное царство и заменяют сказочным ребенком). Главные фигуры окружены множеством мелких сказочных существ, одни гротескные, другие красивые, чей сверхъестественный характер оправдывал их чувственную внешность и поведение. Работа была признана "картиной сезона", когда экспонировалась в Эдинбурге в 1850 году. Позже она пленила Льюиса Кэрролла (автора "Алисы в стране чудес"), насчитывавшего 165 фей.

Джозеф Ноэль Патон (англ. Sir Joseph Noel Paton). Ссора Оберона и Титании 1849

Джеймс Экфорд Лаудер был вдохновлен стать художником на примере своего старшего брата Роберта Скотта Лаудера, от которого он получил раннее художественное образование. С 1830 по 1833 он учился у Уильяма Аллана и Томаса Дункана в Академии попечителей в Эдинбурге. После этого он провел четыре года в Италии со своим братом, где учился и делал копии картин старых мастеров. Сюжеты его ранних работ были в основном взяты из Скотта, Шекспира или его итальянского окружения. По возвращении Лаудер ежегодно выставлялся в Королевской шотландской академии, где был избран ассоциированным в 1839 году и полным академиком в 1846 году. Он продолжал создавать исторические и литературные предметы до конца 1850-х годов, когда перешел к пейзажу. Этот шаг не увенчался успехом, и Лаудер изо всех сил пытался найти рынок для своей работы.

Джеймс Экфорд Лаудер (англ. Jams Eckford Lauder). Бэйли Дункан Мак Уибл за завтраком- 1854

Томас Фаед и его братья, Джон и Джеймс, внесли существенный вклад в шотландскую живопись благодаря своим сценам из отечественной истории и современной домашней жизни. Их сестра Сьюзен Белл Фаед (1827-1909) также была художницей и часто использовалась в качестве модели её братьями. Тираж оттисков, сделанных по картинам братьев, увеличил их популярность. Работа Томаса, с его сильным повествовательным содержанием, вдохновленным Уилки, принесла ему международную известность. Братья, родом из Гейтхаус-оф-Флит, Киркбрайд, обучались в Эдинбурге в Академии попечителей, где Томас получил приз за жизненный класс в 1847 году. После успеха своих картин в Королевской академии Томас переехал в Лондон в 1851 году. Среди его покровителей была баронесса-филантроп Анжела Бурдет-Куттс, одна из самых богатых наследниц в Британии. Фаед преуспел в живописи внутренних интерьеров, получая огромное удовольствие от подробного внешнего вида разнообразной мебели и посуды. Его фигуры, хотя они были искусно нарисованы, имели тенденцию быть довольно стереотипными. Тем не менее, они очень понравились викторианской аудитории, которая предпочла интерпретацию бедности Фаеда более болезненной реальности. Бедная, но удачливая семья слева, явно питающаяся в любящем доме, обеспечивает резкий контраст с обездоленными матерью и ребенком, сгрудившимися в правом углу. Маленький мальчик, совсем не в центре, кажется, обеспечивает визуальную и эмоциональную связь между двумя группами.

Томас Фаед (англ. Thomas Faed). Дом и Бездомный. 1856

Сэр Дэниел Макни был ведущим шотландским художником-портретистом. Родился в Финтри, вырос в Глазго, где стал учеником портретиста и пейзажиста Джона Нокса. Там он познакомился с другими художниками Горацио МакКаллоком и Уильямом Лейтчем. Макни и МакКаллок некоторое время работали художниками по росписи табакерок в Камноке, прежде чем переехать в Эдинбург и устроиться на работу у гравера Уильяма Хоум Лайзарс. Тем временем Макни продолжил обучение в Академии искусств и в 1829 году был принят в Королевскую шотландскую академию. Дэниел Макни вернулся в Глазго, где создал процветающую портретную студию. Среди его натурщиков были состоятельные торговцы, новаторские промышленники, аристократы и даже королева Виктория. В 1876 году он вернулся в Эдинбург, был избран президентом Королевской шотландской академии и посвящён в рыцари. Этот портрет дочери художника миссис Уайзман представляет собой захватывающее воздействие отраженного света. Источником вдохновения для позы и светового эффекта мог послужить портрет актрисы Нелли О'Брайен (Коллекция Уоллеса, Лондон) Рейнольдса, который был показан в 1857 году на выставке Manchester Art Treasures. В Шотландской национальной галерее также есть подготовленный маслом эскиз Макни для этой картины.

Даниэль Макни (англ. Sir Daniel Macnee). Дама в сером. 1859

Сэмюэл Боу родился в Англии, но стал одной из самых влиятельных фигур в развитии шотландской пейзажной живописи девятнадцатого века. В основном художник-самоучка, он провел раннюю часть своей карьеры в живописных сценах Манчестера и Глазго для театральных постановок. Позднее Боу посвятил себя пейзажной живописи и стал искусно иллюстрировать мимолетные погодные эффекты. Это особенно ясно видно на его картинах "Кадзовский лес" в Южном Ланаркшире. Он поселился в Эдинбурге в 1855 году и был избран членом Королевской шотландской академии в следующем году. Боу пользовался огромной популярностью как художник. Его виды на реки и порты 1850-х и 1860-х годов показывают мастерское сочетание реализма и выразительного колорита, чтобы уловить явления природы. Королевский смотр шотландских добровольческих полков в Холируд-Парке стал определяющим общественным событием в Эдинбурге в 1860 году. Среди участвующих полков была рота художников, в состав которой входили Джон Петти, Уильям Мактаггарт и английский художник-экспатриант Сэмюэль Боу. Три других ведущих шотландских художника Д.О. Хилл, Ноэль Патон и В.Б. Джонстон, хранитель новой Национальной галереи Шотландии, консультировал гражданские власти по вопросам оформления церемониальных украшений. Амбициозная картина Боу была одной из нескольких памятных картин, предпринятых местными художниками. На переднем плане, под часовней Святого Антония, артиллеристы производят салют, чтобы поприветствовать королеву Викторию и её подругу, которые собираются осмотреть полки.

Сэмюэл Боу (англ. Samuel Bough). Смотр королевская волонтерских добровольцев, 7 августа 1860 г. 1860

На создание этой сложной композиции с Лютером повлияла "Пробужденная совесть" Холмена Ханта (Тейт, Лондон). На ней изображён Лютер после прохождения кризиса веры и допроса, когда он пришёл к доктрине оправдания верой, как утренний свет проливается у окна монастыря. Агония Христа в саду, изображенная на кафедре, перекликается с неуверенностью самого Лютера, в то время как круглый портрет Папы Римского, висевший так, чтобы скрыть фреску распятого Христа, намекает на порочные практики Церкви, против которых восставал реформатор. Голова Лютера была похожа на жену художника (в отделе гравюр и рисунков есть её рисунок). У Патона была большая семья, и на протяжении всей его карьеры они служили ему моделями.

 Джозеф Ноэль Патон (англ. Sir Joseph Noel Paton). Рассвет: Лютер в Эрфурте. 1861

Земля и морские пейзажи Мактаггарта отражают его увлечение природой и отношения человека к ней. Его смелые цвета и энергичные мазки находят параллели в живописи импрессионистов, хотя по сути являются частью особой шотландской традиции. Они также отражают качества в картинах Констебля и Тернера, которыми он восхищался. Мактаггарт родился в Малл Кинтир и часто возвращался туда из своей студии в Глазго, а затем из своего дома в Бруминоуне, недалеко от Эдинбурга. Он учился в Эдинбурге в Академии попечителей и рано добился успеха, когда был избран членом Королевской шотландской академии в возрасте двадцати четырех лет. В 1863 году Мактаггарт получил важный заказ от текстильного магната из Данди Джорджа Бьюкена Симпсона. Будучи художником-любителем, он украсил свою резиденцию в Броти-Ферри лучшими произведениями современного шотландского искусства. Симпсон оказался преданным, но требовательным покровителем и часто настаивал на изменениях дизайна или тонального диапазона, иногда даже после публичной выставки заказанных работ. Этот весьма проработанный композиционный эскиз, который был представлен в качестве образца для окончательного утверждения Симпсоном, несколько отличается от готовой картины "Весна" (1864) в коллекции Галереи.

Уильям Мактаггарт (англ. William McTaggart). Весна. 1863

Свежие яркие краски солнечного пейзажа дополняют здоровый цвет лица двух девочек, отдыхающих у ручья. Ягнята вдалеке помогают подтвердить сезон, когда весна, время новой жизни и оптимизма отозвалось в юношеской невинности девочек. Джордж Бьюкен Симпсон, производитель текстиля из Данди, который был коллекционером и увлечённым художником-любителем, заказал пару картин "Весна и осень" у Мактаггарта в 1863 году. Композиции были спланированы с помощью серии карандашных рисунков и масляных эскизов, также приобретённых Симпсоном, чтобы обеспечить его исключительную собственность.

Уильям Мактаггарт (англ. William McTaggart). Весна. 1864

Писсарро был немного старше своих собратьев-импрессионистов. Его преданность живописи и гравюре, его ценная поддержка и советы вдохновляли молодых художников, включая Сезанна, Гогена и Ван Гога. Писсарро родился в Сент-Томасе на Виргинских островах, посещал школу в Париже и поселился там в 1855 году. Его ранние пейзажи отражали влияние Коро и Курбе. Его связь с импрессионизмом возникла из желания рисовать предметы современной жизни так, как он их видел, запечатлевая изменяющиеся эффекты света. В середине 1880-х годов он экспериментировал с пуантилизмом, начатым Сёра и Синьяк. Писсарро участвовал во всех восьми выставках импрессионистов с 1874 по 1886 год. На этой картине осенний солнечный свет пронизывает место сбора урожая в огороде. Современный сюжет Писсарро, его использование ярких цветов, его избегание темных оттенков и ломаная, но в то же время плавная кисть – всё это характерно для живописи импрессионистов. Картина датирована 1874 годом, годом первой выставки импрессионистов. Писсарро и его семья вернулись в Понтуаз, к северо-западу от Парижа, в 1872 году. Новые железнодорожные пути привели деревни, такие как Понтуаз, к небольшому удалению от города, но также угрожали традиционному образу жизни, поскольку огороды начали заменять пригородные цветники. Это, возможно, повлияло на Писсарро при выборе сюжета.

 Камиль Писсарро (фр. Camille Pissarro). Огород в Эрмитаже возле Понтуаза. 1874

Сислей был одним из самых последовательных художников-импрессионистов, концентрируясь почти исключительно на пейзажах. Он родился в Париже у англо-французских родителей и был отправлен в Лондон для обучения семейному бизнесу. Однако его семья поддержала его решение рисовать. В 1863 году он вошел в студию Глейра в Париже и познакомился с Моне, Ренуаром и Базилем. Их возникшая дружба определила ход его живопись. Будучи импрессионистом, он сосредоточился на том, чтобы запечатлеть изменяющиеся эффекты света, рисуя непосредственно с натуры короткими живыми мазками. Сислей участвовал в четырех из восьми выставок импрессионистов, проведенных между 1874 и 1886 годами. Сислею нравилось рисовать воду; здесь великолепно запечатлён поток и брызги реки, где она скользит на переднем плане, или хлещет через барьер за его пределы. Водослив нарушает течение Темзы, создавая плавучий бассейн и направляя воду в замок Мосли. Сислей изобразил вид вверх по течению реки от моста Хэмптон-корт, к западу от Лондона, с островом Эш и северным берегом Темзы за ним. Группа купальщиков, нарисованная слева, пробуждает человеческий интерес и ощущение масштаба, прекрасно вписываясь в речную сцену.

 Альфред Сислей (фр. Alfred Sisley). Mолси Вейр, Хэмптон-Корт. 1874

Жан-Луи Форен родился 23 октября 1852 года во французском городе Реймс. Его отец рисовал декоративные вывески и имел скромный доход. Вскоре Форен проявил сильную страсть к рисованию: "Скульптуры Реймского собора были источником моего призвания". Около 1860 года его семья переехала в Париж и в возрасте четырнадцати лет молодой Жан-Луи начал рисовать в Лувре. где он копировал мастеров. Там он познакомился с художником Жакессоном де ла Шеврез, который дал ему уроки рисования. После непродолжительной работы помошником Жан-Леон Жером в Школе изящных искусств, его талант был замечен скульптором Жаном-Батистом Карпо, который принял его одним из своих ассистентов. В 17 лет Форен вёл богемную жизнь, а во время франко-прусской войны 1870 года он участвовал в обороне форта Монруж около Парижа. Со своей анархистской душой он сочувствовал коммунарам, которые взяли под контроль правительство после поражения Франции. Его весёлая натура привела Форена в клубы и собрания, где он встретился и подружился с Артуром Рембо и Полом Верленом. Форен был прозван поэтами "Гаврош" из-за его сухого юмора и дерзкой индивидуальности, пришедшей с Монмартра. В течение трех месяцев Форейн жил в грязной комнате с Рембо. Эдгар Дега показал Форену мир оперы, который стал одной из его любимых тем. С 1879 по 1886 год Дега приглашал его принять участие в четырёх из восьми выставок импрессионистов, проходивших в то время. Наблюдатели отметили силу и быстроту исполнения, яркие цвета и сатирический дух, характерный для работы Жан-Луи. Как часто говорили современники, Форейн был самым молодым из импрессионистов и самым известным карикатуристом той прекрасной эпох. Форен создал многочисленные, часто остроумные образы красивых молодых парижанок из мира развлечений. Это небольшой эскиз, быстро раскрашенный, посвящён "Мисс Валентина Мария", которая, возможно, была актрисой. Надпись была нацарапана ручкой кисти по влажной грунтовке. Форейн был убежденным сторонником импрессионистов и участвовал в их групповых выставках между 1879 и 1886 годами.

Жан-Луи Форен (фр. Jean-Louis Forain). Леди в меховой накидке. 1880

Характерные картины Сёра, известные своим "пуантилизмом", часто называют неоимпрессионистскими. Это относится как к их связям с импрессионизмом, так и к отходу от него. При поддержке своей семьи и без финансовых забот Сёра учился в Школе изящных искусств в Париже. Разделяя увлечение импрессионистов переводом световых эффектов в краски через яркие цвета, он чувствовал, что их композициям не хватает структуры. Жоржа стремился к достижению более совершенного и рационального подхода к рисованию, в результате чего он разработал методику использования небольших точек несмешанного цвета для получения "оптической смеси". Этот небольшой масляный эскиз мог поместиться внутри крышки коробки для рисования Сёра, идеальный размер для рисования на открытом воздухе. На нём изображены отдыхающие рабочие  и мальчик, моющий лошадь в Сене в Аньере, которую можно узнать по дальнему мосту и заводским трубам. Современный сюжет, яркий цвет и живая кисть отражают понимание художником импрессионизма. Это один из тринадцати эскизов, в дополнение к десяти рисункам, которые сделал Сёра, работая над своей монументальной, законченной композицией "Купальщицы, Аньеры" (Национальная галерея, Лондон). Картина была отвергнута Салоном в 1884 году, но выставлена ​​во вновь созданной независимой группе художников.

 Жорж Сёра (фр. Georges Seurat). Этюд для "Купальщиков". 1883

Использование  Жоржем Сёра коротких, несмешанных, сильно окрашенных мазков создало живую и яркую работу. Отдаленные хозяйственные постройки и дома видны через поле люцерны, где акцентированы красные маки. Это часть широкой равнины, которая в девятнадцатом веке всё ещё отделяла Париж от Сен-Дени (ныне северный пригород столицы). Работа представляет увлекательный пример техники живописи, которую он сам разработал, под названием дивизионизм или пуантилизм. Английский художник и влиятельный критик Роджер Фрай (1866-1934) владел этой картиной и сыграл важную роль в представлении произведений импрессионизма и постимпрессионизма британской публике.

 Жорж-Пьер Сёра (фр. Georges Seurat). Поле люцерны в Сен-Дени. 1884 - 1885

Гатри стал одним из ведущих художников в группе художников под названием "Glasgow Boys". Его ранние работы по сельским сюжетам, написанные широкими квадратными мазками кисти, показывают сильное влияние французских художников, таких как Бастьен-Лепаж. Гатри родился в Гриноке и прошёл подготовку в качестве юриста, прежде чем заняться искусством. После коротких, но стимулирующих периодов в Лондоне и Париже он посвятил себя рисованию непосредственно с натуры в Шотландии. Гатри также экспериментировал с пастельными рисунками и зарекомендовал себя как успешный художник-портретист. Он стал президентом Королевской шотландской академии в 1902 году и был посвящён в рыцари в следующем году. На картине "Дочь индуса" изображена маленькая девочка, которая только что выпрямилась после нарезки капусты и смотрит прямо на зрителя. Девушка и пейзаж кажутся неразрывно слитыми в этой по сути шотландской сцене. Индус был умелым сельским работником, а капуста – основной рацион шотландских крестьян и их семей. Гатри нарисовал картину в деревне Беруикшир в Кокбернспате, где он решил остаться зимой, в отличие от своих друзей из "Glasgow Boys", которые вернулись в город в конце лета. Теплая земляная окраска и характерные квадратные мазки подтверждают глубокое влияние картины Бастьена-Лепажа, выполненной на Гатри.

Джеймс Гатри (англ. Sir James Guthrie). Дочь индуса. 1883

Макгрегор был одним из ведущих художников в группе, известной как "Глазго Бойз", рисуя пейзажи и современные сцены свежим, прямым способом, под влиянием событий французской живописи. Со своим школьным другом Джеймсом Патерсоном, парнем из Глазго, он часто рисовал во время летних экспедиций за город. После обучения в Школе искусств Глазго и в местной мастерской художника Макгрегор посещал Школу Слейда в Лондоне под руководством Альфонса Легро. По возвращении в Глазго он основал общественный класс в своей студии, который стал обычным местом встреч Глазго Бойз. Большой, смелый натюрморт Макгрегора считается его шедевром. Насыщенные цвета и густые квадратные мазки способствуют убедительно устойчивому характеру овощей и текстурному разнообразию обстановки. Первоначально фигура владельца киоска, молодой девушки с рынка, считающей сою выручку, была включена с правой стороны. Эта особенность отражала влияние ранних французских и фламандских картин. Однако решение Макгрегора сосредоточиться на натюрморте привело к весьма оригинальной картине. Он создал эту работу, живя в Крейле, Файф, в течение летних месяцев 1884 года.

Уильям Йорк Макгрегор (англ. William York Macgregor). Овощной киоск. 1884

Уолтон и его друзья-художники сформировали группу, известную как Глазго Бойз. Они были вдохновлены развитием пейзажной живописи во Франции и стремились открыть для себя естественное воздействие света на открытом воздухе, рисуя сельские шотландские сюжеты. Уолтон провёл год в Дюссельдорфе и учился в Школе искусств Глазго, но получил большой опыт работы со своими друзьями в Кокберншпате, Беруикшир и Камбускеннет, Стерлинг. Он специализировался на пейзажах и портретах. Он поселился со своей семьей в Эдинбурге в 1904 году после успешного десятилетия в Лондоне. Уолтон был избран в Королевскую шотландскую академию в 1905 году. Искусная работа Уолтона создала замечательное чувство непосредственности и реализма в этом изображении двух детей, отдыхающих на зеленом берегу реки. Картина была первой крупномасштабной работой Уолтона на открытом воздухе, в которой фигуры доминируют над композицией. Это отражает влияние французских художников Милле и Бастьен-Лепажа в его сюжете и сдержанных тонах. Он начал писать картину на улице в Кокбернспате, Беруикшир, и завершил ее в Хеленсбурге в 1885 году. Она была выставлена в Институте Глазго в 1887 году и получила положительную оценку.

 Эдвард Уолтон (англ. Edward Arthur Walton). Дневные мечты. 1885

Знаменитые картины, рисунки, гравюры и скульптуры Дега сфокусированы на аспектах современной парижской жизни, включая ипподром и балет. Обучение в Школе изящных искусств поощряло его интерес к человеческой фигуре, которая оставалась центральной в его искусстве. Он отправился в Италию, где у него были родственники, и где продолжал изучать искусство прошлого. Тем не менее, семейные портреты, которые он написал там, также отражают его интерес к съёмкам мгновенных явлений и необычных точек зрения. Этим он поделился с импрессионистами, с которыми познакомился через Эдуарда Мане по возвращении в Париж. Дега участвовал в семи из восьми групповых выставок импрессионистов. Дегас решил изобразить своего хорошего друга Диего Мартелли на этом портрете 1879 года. Нетрадиционная точка зрения, кажется, подчеркивает громоздкие размеры Мартелли, тем более что он ненадежно балансирует на деревянной табуретке. Предмекты на столе, вероятно, принадлежали флорентийскому искусствоведу, который поддерживал группу итальянских художников, известных как Маккиайоли, на некоторых из которых оказал влияние импрессионизм. Дега часто включал предмекты в свои портреты, которые выражают что-то о жизни натурщика. Нижняя часть разноцветной круглой карты Парижа видна на задней стенке. Небольшой карандашный набросок Мартелли находится в коллекции Национальной галереи Шотландии.

 Эдгар Дега (фр. Edgar Degas). Диего Мартелли (1839 - 1896). 1879

Очень оригинальные картины Поля Гогена глубоко повлияли на современное искусство двадцатого века. Теперь описанный как "Постимпрессионист", он был вдохновлён рисовать Писсарро, но разработал символический стиль, используя цвет, чтобы выразить смысл. Традиции западного искусства и культуры за пределами Европы повлияли на его творчество. Вкус Гогена к путешествиям и новым впечатлениям начался, когда в детстве он уехал из Парижа в Перу. В 1883 году он отказался от биржевой торговли, чтобы полностью посвятить себя живописи. Он писал в Бретани и в Провансе с Ван Гогом. Гоген отправился в Панаму и Мартинику и поселился на Таити на несколько лет. Он умер на отдаленных Маркизских островах. Эта картина, написанная в 1888 году в Понт-Авене, Бретань, является одной из самых знаменитых работ Гогена. Бретонские женщины, одетые в отличительный местный костюм, только что прослушали проповедь, основанную на отрывке из Библии. Бытие (32: 22-32) рассказывает историю Иакова, который, переправившись через реку Джаббок со своей семьей, всю ночь боролся с таинственным ангелом. В письме, которое художник написал Ван Гогу, он сказал: "Для меня пейзаж и борьба существуют только в воображении людей, молящихся после проповеди".

Поль Гоген (фр. Paul Gauguin). "Видение после проповеди", или "Борьба Иакова с ангелом". 1888

Блестящие, эмоционально заряженные картины Ван Гога являются наиболее известными из всех постимпрессионистских работ. Родился Ван Гог в Голландии, в семье пастора, довоспитания в пастырстве он пробовал заниматься картинками, изучал и продавал книги. После прекращения миссии в Бельгии, он сосредоточился на живописи. Прибытие Ван Гога в Париж в 1886 году и контакты с художниками-импрессионистами оказали драматическое влияние на его творчество. Ван Гог погрузился в рисование красочных садов вокруг Арля на юге Франции, где он обосновался в феврале 1888 года. Структура ветвей сливовых деревьев до сих пор хорошо видна сквозь цветы, а его мазки следуют в направлении вертикального дерева. стволы. Он нарисовал серию изображений садов во время его плодотворных приступов активности в Арле. Его первоначальный оптимизм, выраженный в письмах к его брату Тео, побудил Гогена присоединиться к нему там. Однако вскоре они поссорились, будучи несовместимыми по темпераменту, и в следующем году психическое заболевание Ван Гога побудило его принять убежище в Сен-Реми. Забота Ван Гога о свете и цвете начали отражать его всё более и более взволнованное состояние души. Он застрелился в июле 1890 года.

Винсент Ван Гог (нидерл. Vincent van Gogh). Фруктовый сад в цвету (сливовые деревья). 1888

Моне является самым известным из художников импрессионистов. Его картина "Впечатление. Восходящее солнце", показанная в Париже в 1874 году, побудила критиков обозначить его и других экспонентов как "импрессионистов". Моне переехал в Париж из Гавра, Нормандия, где, вдохновленный Буденом, он писал пейзажи на открытом воздухе. Воодушевленный друзьями, которых он встретил в Париже, включая Писсарро и Ренуара, он продолжал всю свою долгую и плодотворную жизнь запечатлеть в своих картинах благодаря яркому использованию изменяющих цвет световых эффектов. Он должен был уточнить этот интерес с помощью своих "серийных" картин, исследуя одну и ту же тему в разное время дня и года. Изящные тополя на берегах реки Эпте, которые видны на пятнистом голубом летнем небе, сливаются с их отраженным изображением в сеть ярких мазков. Это работа из знаменитой серии рисунков тополя Моне, сделанных между весной и осенью 1891 года, через год после того, как он поселился в Живерни. Он использовал лодку в качестве плавучей студии и прекрасно запечатлевал мерцающее воздействие солнечного света на воду. Деревья были готовы к продаже на древесину, но Моне купил их на аукционе, чтобы  продолжать их рисовать.

Клод Моне (фр. Claude Monet). Тополя на реке Эпте. 1891

Дополнительные цвета оранжевый и синий обогащают твердые формы и отбрасывают тени стогов сена на снегу. Они стояли в поле к западу от дома Моне в Живерни, где он разбил свои знаменитые сады с водяными лилиями. Моне убедил местного фермера оставить стога на осень и относительно мягкую зиму 1890 года, чтобы он мог нарисовать серию картин. Он совмещал работу на открытом воздухе с работой в студии и создал не менее тридцати картин стогов сена при разном освещении. Их лирическое, почти абстрактное качество повлияло на многих более поздних художников.

Клод Моне (фр. Claude Monet). Стога сена: эффект снега. 1891

Революционные достижения Сезанна в живописи были публично признаны только к концу его жизни. Позже они получили признание за их глубокое влияние на современных художников двадцатого века. Сезанн бросил учебу по юриспруденции, чтобы посвятить себя живописи. Он прибыл в Париж в 1861 году из Экс-ан-Прованса. Там повстречался с Писсарро, который поощрял его талант и убедил перейти от тёмных драматических тем к более прямому отклику на природу. Сезанн выставлялся вместе с импрессионистами, стремясь к большему ощущению постоянства и структуры в своей собственной работе. Его настойчивость и преданность способствовали его конечному успеху. Горная гряда Сент-Виктуар, отличительная достопримечательность близ Экс-ан-Прованса, была одной из любимых тем Сезанна. Он никогда не уставал исследовать его структуру и менять внешний вид. Эта картина была написана в начале 1890-х годов с позиции к юго-западу от Экс с видом на долину реки Арк. Его незаконченное состояние дает некоторое представление о методе работы Сезанна и его «конструктивной» работе с кистями. Листва на переднем плане, волнистые поля, далекая гора и небо постепенно возникли из гармоничного сочетания цветов, нанесенных на холст.

Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne). Горная гряда Сент-Виктуар. 1890 - 1895

Настенная и станковая живопись, вышивки, книжные иллюстрации и ювелирные изделия Тракуэйр принесли ей международное признание как одного из самых опытных художников движения "Искусство и ремесло". Она была родом из Дублина, но переехала в Эдинбург после своей свадьбы с доктором Рамсей Траквайр, хранителем естествознания в Королевском шотландском музее. Она сыграла значительную и практическую роль в продвижении декоративного искусства в общественных зданиях, например, благодаря своим фрескам в больнице для больных детей. В 1920 году Тракуэйр стала первой женщиной-членом Королевской шотландской академии. Тракуэйр сделал эту скромную мольбертную картину ближе к концу своей работы в знаменитой Школе песни Епископального собора Святой Марии в Эдинбурге. Она оформлена в натуралистическом стиле, лицо остро наблюдающего мальчика, а окружение – пейзаж Бордерс. "Пастушок" был частью завещания художника Шотландской национальной галерее.

Фиби Анна Тракуэйр (нидерл. Phoebe Anna Traquair). Пастушок. 1891

Джон Эммс родился в Норфолке, сын художника-любителя Генри Уильяма Эммса. Он отправился в Лондон и стал помощником студии Фредерика, лорда Лейтона. Эммс помог Лейтону нарисовать фреску "Десять девственниц" в приходской церкви Линдхерст в Хэмпшире, а затем переехал к самому Линдхерсту. Он был привлечён в Нью-Форест, поскольку был увлеченным охотником. С 1866 года Эммс был часто представлен в Королевской академии. Его основными предметами были собаки и лошади, а его работа демонстрирует значительную точность и талант. Он восхищался жизненной силой своих животных и пользовался спросом по всей стране как портретист животных. В 1881 году Эммс построил большой дом и студию в Линдхерсте, где оставался до конца своей жизни. Каллум был терьером Денди Динмонта, принадлежавшим мистеру Джеймсу Коуэну Смиту, который завещал 55 000 фунтов стерлингов Национальной галерее Шотландии в 1919 году. Эта огромная сумма стала важным целевым фондом для приобретений. У его завещания было два условия: первое, что Галерея будет заботиться о собаке Фьюри, которая пережила его; во-вторых, изображение Эммса, его предыдущей собаки Каллум, всегда должно быть вывешено в Галерее. Оба условия были выполнены, и хотя Фьюри давно умер, Каллум все ещё висит в Галерее в память о своем владельце.

Джон Эммс (англ. John Emms). Каллум. 1895

Это сравнительно небольшой холст из поздних работ Дега, и действительно, некоторые позы танцоров отражают его ранние балетные картины 1870-х годов. Здесь на сцене группа танцоров готовится к предстоящему выступлению: они отрабатывают свои позиции и одна балерина наклоняется, чтобы завязать пуант. Танцоры – не группа людей, а безликие воспоминания о сцене, которую он когда-то наблюдал. Яркие цвета являются дрожащими и нереальными, вызывая сюрреалистические эффекты, производимые газовыми огнями театра. Общий фон тени на большом сценическом пространстве также довольно абстрактны, и ясно, что к концу 1890-х Дегас был гораздо меньше озабочен натурализмом, чем в его прежние годы. Его обработка масляной краской очень деликатная, почти как если бы это была гуашь.

Эдгар Дега (фр. Edgar Degas). Перед спектаклем. 1896 - 1898

Три фигуры высотой в три четверти роста выделяются на ярком, красочном фоне. Две женщины по бокам молодого человека, вид сзади. Они могут предлагать ему выбор, возможно, между пороком, символизируемым яблоком, и добродетелью, символизируемой цветами. Это предположение связано с аллегорическим характером многих таитянских картин Гогена, в которых идеи разных культур слиты воедино. Гоген использовал тех же двух молодых женщин в качестве моделей на других картинах, сделанных примерно в то же время, во время его второго периода на Таити с 1895 по 1901 год.

Поль Гоген (фр. Paul Gauguin). Три таитянки. 1899

Джозеф Фаркухарсон сочетал успешную карьеру профессионального художника со своей унаследованной ролью Финзенского лорда в Абердиншире. Его прекрасное лесистое поместье, расположенное далеко в долине Ди, вдохновляло многие снежные пейзажи, которыми он славится – нарисованные, в основном, из укрытия передвижной хижины на колесах. Крупные выпуски репродуктивных гравюр принесли ему широкую популярность и прозвище "Замерзший Баран Фаркухарсон", намекая на овец, которые населяют многие из его картин. Из-за изысканного подхода к текстуре снега и переливающихся теней, это единственный известный сюжет Фаркухарсона с садовым мотивом.

Джозеф Фаркухарсон (англ. Joseph Farquharson). Зимний день. Финзене. 1901

Поздняя работа Сезанна, эта композиция представляет собой крупный план деревьев, богатых по цвету и почти геометрических по структуре. Узко расположенное по центру дерево притягивает взгляд к картине между более темными стволами и переплетающимися ветвями. Сезанн установил пространственные интервалы между деревьями, интегрируя их в красочную сеть мазков, которая подчеркивает плоскую поверхность картины. Области белого холста, возможно, были оставлены намеренно неокрашенными, чтобы внести вклад в наполненный светом лирический характер картины.

 Поль Сезанн (фр. Paul Cézanne). Большие деревья. 1902 - 1904

Американский художник Сарджент стал одним из самых модных и весьма успешных художников-портретистов эдвардианского общества. Он родился в Италии и много путешествовал как в детстве, так и на протяжении всей своей карьеры. Сарджент обучался в Париже и разработал плавный стиль живописи, отличающийся ослепительной кистью и смелым обращением со светом. Он также писал прекрасные пейзажи и создавал мощные и динамичные картины в качестве официального военного художника во время Первой мировой войны. Его переезд в Лондон в 1884 году был вызван скандалом, вызванным его провокационным портретом мадам Гаутро на парижском салоне. Прямой взгляд леди Агнью и неформальная поза, подчеркнутая плавной тканью и сиреневым поясом её платья, обеспечивают поразительный эффект портрета. Эндрю Ноэль Агнью, адвокат, унаследовавший баронетство и поместье Лохноу в Галлоуэе, заказал эту картину своей молодой жены Гертруды Вернон (1864-1932) в 1892 году. Она была выставлена ​​в Королевской академии в 1893 году и сделала имя Сарджента. Скульптор Роден назвал его "Ван Дейком нашего времени". Начали поступать заказы на портреты и Сарджент наслаждался чем-то вроде культа в эдвардианском обществе. 

 Джон Сингер Сарджент (англ. John Singer Sargent). Портрет леди Энью из Лохнау (1864 - 1932). 1892

Вийяр родился недалеко от Лиона, но семья переехала в Париж в 1878 году. Отец умер, когда ему было пятнадцать лет, и после этого его мать, которая управляла небольшим бизнесом по корсетам и пошиву одежды из дома, стала оказывать доминирующие влияние на его жизнь. Многие из картин Вюйара, написанных на на рубеже веков, невелики по размеру и изображают явно обыденные интерьеры или фиксируют повседневные эпизоды в быту среднего класса. Это были сюжеты, которые другие художники считали достойными внимания. Его картины этого типа обычно упоминаются как "Intimiste". Вюйар часто оставлял неокрашенные области на своей работе, и делал это с большим эффектом. В этой импрессионистической картине художник демонстрирует воздействие яркого солнечного света в комнате, положительно используя оголенные участки грунтованного холста, чтобы подчеркнуть тень и создать пространство вокруг вазы с цветами на столе. Вюйар оставляет на усмотрение зрителя, чем и как  "заполнить" части сцены – это особенно заметно на цветах и ​​двери справа. Намеки темного контура на переднем плане создают перспективу нашей точки зрения в качестве зрителей внутри комнаты, стоящей над концом стола.

 Эдуар Вюйар (фр. Edouard Vuillard). Розовая комната (Розовая спальня). 1910 - 1911

Джон Дункан, один из ведущих представителей кельтского Возрождения в шотландском искусстве, впервые получил образование иллюстратора в своем родном городе Данди. После периодов работы и учебы в Лондоне и Антверпене Дункан обосновался в Эдинбурге в 1892 году. В более широком европейском контексте Дункан был представителем движения символистов. Как и кельтскими образами, он был вдохновлен ранним итальянским ренессансом, иногда работая с темперой. Его работы варьировались от фресок и картин до витражей и книжных иллюстраций. Согласно легенде об ирландской Святой Невесте, она была чудесным образом доставлена ​​в Вифлеем, чтобы присутствовать на Рождестве Христовом. Здесь два ангела несут святую в белом одеянии через море. Морской пейзаж отражает увлечение Дункана Внешними Гебридами и островом Иона. Птицы и тюлени создают впечатляющий натуралистический фон для сверхъестественных ангелов, перекрывающих узорную границу. Сцены из жизни Христа украшают мантии ангела и включают в себя автопортрет художника в виде крошечного клоуна (святого глупца), сопровождающего процессию волхвов на платье главного ангела.

 Джон Дункан (фнгл. John Duncan). Святая невеста 1913